Publié le 25 Mars 2012

murakami takashi liwo

 

Takashi Murakami, né en 1962 à Tokyo, est un artiste japonais. Il rêve d’abord de devenir réalisateur de dessins animés, cependant il s’inscrit en 1986 à un cours de peinture traditionnelle nihon-ga, située entre tradition picturale japonaise de l'époque Edo (1650-1868) et les références occidentales. Il fait ses études à l’Université des Beaux Arts et de Musique de Tokyo (département peinture, 1986-1993). Sa première exposition personnelle a lieu en 1989. Depuis lors, il revendique la pratique d’un art japonais autonome, d’un « nouveau japonisme », qui ne soit pas imitation de l’art occidental. Représentant de la nouvelle culture nipponne, il est l’un des artistes japonais les plus populaires aujourd’hui.

 

Ses œuvres puisent directement dans l’imagerie manga japonaise, qui est détournée et amplifiée sur des thèmes ou émergent des questionnements à première vue absents de l’aura kitsch et kawaii (« mignon » en japonais} des bandes dessinées japonaises.

 

Il cristallise dans ses œuvres et ses projets, la nouvelle subculture de Tōkyō. Il est le représentant d’une génération imprégnée de l’imaginaire des mangas et des otakus. Au fil du temps, les personnages se mettent à grouiller sur différents supports en deux dimensions ou sont moulés, dans des formats divers, du minuscule au géant, en fibre de verre et peints. Ils prennent aussi la forme de ballons géants en plastique aux couleurs criardes et, gonflés à l’hélium, qui envahissent les espaces d’exposition

 

Source: Wikipedia

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: l'ART CONTEMPORAIN aujourd'hui

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Publié le 25 Mars 2012

Claudio Monteverdi (1567-1643) est un compositeur italien dont l'œuvre est incontournable, à la charnière entre la Renaissance et le Baroque, il sut à la fois créer parmi les plus belles œuvre de Madrigal, forme musical typique de la Renaissance, et d'autre part, rompant complètement avec la tradition, écrire parmi les premiers opéra ouvrant la voie à un genre majeur de la musique européenne.


L'Orféo, est à cet égard le premier chef d'œuvre de l'Opéra et une œuvre d'une très grande subtilité. En phase avec les évolutions de son époque, il a su faire évoluer la musique pour l'adapter aux fastes de l'époque baroque et des goûts d'une aristocratie en pleine évolution.

 L'Orféo fut représenté une première fois lors du Carnaval à Mantoue en 1607 devant Vincent Ier de Mantoue. L'opéra raconte l'histoire d'Orphée et d'Eurydice, celui-ci essayant de sauver sa femme des enfers. L’Orféo est un opéra en un prologue et 5 actes sur un livret écrit par Striggio. L'Orféo vaut pour son orchestration, pour la première fois chaque instrument se voit attribuer un rôle spécifique. Par ailleurs les contrastes musicaux accompagnent parfaitement le livret. Cette œuvre qui au début fut appelée "dramma per musica" (drame musicale) introduisait l'idée que l'on pouvait créer et mettre en scènes des pièces de théâtre musicales et chantées. Le succès fut immédiat et la mode de l'opéra se propagea dans toute l'Europe.

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #BAROQUE

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Publié le 24 Mars 2012

Saenredam ST. Bavokerk

 

Fils et élève du graveur Jan Pietersz Saenredam, il fréquenta v. 1608 l'atelier de Frans de Grebber à Haarlem. 

 

Saenredam connaissait des architectes, tel Jacob Van Campen, le plus grand des architectes classiques de Hollande, ce qui peut expliquer la rigueur et même l'austérité de ses vues d'églises. Ses 56 tableaux connus, d'une exactitude toute mathématique, sont souvent précédés de croquis et de dessins très précis (environ 140 connus actuellement). Saenredam voyagea à travers les Pays-Bas pour saisir sur le vif le caractère intime de chaque monument qu'il décrivait.

 

Saenredam the Mariakerk

 

Source: http://www.larousse.fr/encyclopedie/peinture/Saenredam/154235

 



Peintre spécialisé dans la nature morte, Frans Snyders réalisa l'essentiel de son œuvre dans sa ville natale, Anvers. Il était le contemporain et l'ami de Van Dyck, qui une fois de plus dans ce tableau fait preuve d'une grande psychologie dans la représentation du couple. Rembrandt - Portrait de Nicolaes Ruts New York, Frick Collection.. (c) Visipix.com Rembrandt a pratiqué le portrait peint ou gravé tout au long de sa carrière. Ses dessins montrent une grande faculté à saisir la […]

 



Gemäldegalerie de Berlin "La Malle Babbe" de Frans Hals est un tableau mythique, étrange et fascinant. Tableau de genre réalisé en 1634 environ, il représente une vieille femme, mi sorcière, mi bohème, au rictus étrange. Une main sur un pichet de bière, un hibou sur l'épaule, cette femme dénote dans l'environement social de l'époque. Issue des couches populaires, elle est loin des sujets habituels de Frans Hals. Cette liberté sur le thème s'accompagne d'une liberté également dans le rendu […]

 

 

 


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Rédigé par rafael

Publié dans #CLASSICISME

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Publié le 24 Mars 2012


Jan van Eyck est un peintre flamand du XVe siècle, son art, visible dans le portrait de l'homme aux oeillets, vise à un grand réalisme, caractérisé par une objectivité visuel des personnages, une précision dans les détails et un rendu réaliste des jeux de lumière. Il ouvre la voie à la peinture réaliste du Nord de l'Europe qui contraste avec l'approche plus religieuse et allégorique de la peinture italienne. La peinture de Jan Van Eyck reste empreinte de profondeur, et sait rendre la psychologie des personnages. Panofsky écrivait de sa peinture: "l'Art du spirituel sous la métaphore corporelle".

 

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #RENAISSANCE EUROPE DU NORD

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Publié le 24 Mars 2012

Diderot, Musée du Louvre Paris
 

Jean-Honoré Fragonard (1732-1806) se présente à l’Académie en 1752, puis part à Rome de 1757 à 1761. A son retour il est reçu à l’Académie en 1765. Sa peinture à son début est jugé libertine et mondaine. En fait Fragonard défend une peinture sensuelle et généreuse, son geste est rapide, ses œuvres flamboyantes, intenses.


 Les deux portraits celui de Diderot et celui de l’abbé sont des preuves incontestables de son génie, on y ressent toute la fougue du peintre, le pinceau survole la toile, le portrait de l’abbé aurait été exécuté en 1 heure par l’artiste, preuve de son génie, de la sureté de son art. On appellera ces portraits, des portraits de fantaisie « fa presto » (exécuté rapidement en italien), la spontanéité est mise à l’honneur. On retrouve dans cette touche la même sensibilité que Frans Halls, cette même fougue. Cette peinture si généreuse accompagne les derniers fastes de la cour, la vague néo-classique porté par David plongera le peintre et sa peinture dans l’oubli.


 

Portrait de fantaisie Musée du Louvre Paris

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ROCOCO

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Publié le 24 Mars 2012

La résurrection, Musée du Louvre, Paris

Oeuvre inachevé de Germain Pilon (1537-1590) pour le tombeau d'Henri II, la résurrection est une synthèse des grands principes qui animent l'oeuvre de l'artiste. Sculpteur clé de la rennaissance en France Germain Pilon s'attache au rendu psychologique et la réalisme des corps de ses personnage, ici le christ apparait dans toute sa majesté, les soldats à terre sont en partie abassourdies, les corps sont magnifiquement rendu, l'expression des personnages d'un très grand réalisme. Comme Goujon, Germain Pilon ouvre la voie au classicisme en France en rupture avec la tradition gothique.



 

Photos: (c) Lankaart

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Rédigé par rafael

Publié dans #RENAISSANCE FRANCE - EUROPE DU SUD

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Publié le 24 Mars 2012


La Grand-Place à Bruxelles est le coeur de la ville centre, C'est un monument en soit d'une très grande richesse décorative, l'une des plus belles places au monde, inscrite en 1998 au patrimoine mondiale de l'UNESCO.

La place et son tracé son très ancien et elle fut longtemps un lieu de manifestation, d'exécution publics, de fêtes. Sa configuration actuelle date des dernière années du XVIIe siècle (1695/1699). En 1695, durant la guerre de la ligue d'Augsbourg, la plupart des bâtiments qui bordaient la place furent détruit pendant les bombardements des troupes françaises, seule la façade et la tour de l'hôtel de ville subsistèrent. Toutes les maisons furent reconstruites en pierres par les différentes corporations de la ville, chacune faisant tous les efforts possibles pour être plus belles et plus somptueuses que sa voisine. Le décor baroque ainsi créé est unique en Europe, la place retrouva son activité festive, et aujourd'hui encore elle continue à recevoir de grandes manifestations dont la fête des fleurs en Août.


Les siècles suivant apportaires d'autres modifications, la Maison du Roi fut reconstruite en style néo-gothique en 1873, plusieurs maisons furent restauré et modifiée au XVIIIe et XIXe siècles, mais le "décor" monumental de la place restera inchangé dans ses grandes lignes.




 

photos: (c) Lankaart

 
 

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Rédigé par rafael

Publié dans #BAROQUE

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Publié le 24 Mars 2012

Palais de Sargon II, Bas-relief, Musée du Louvre, Paris

Sargon II est le roi de l'Assyrie (722 - 705 av; JC) et l'un des plus puissant monarque du royaume. En créant sa capitale à Dur-Sharrukin (Khorsabad) il fait édifié un immense palais. Dans ce bâtiment hors du commun pour l'époque, il fait réaliser un ensemble décoratif impressionant, toutes les salles d'apparat sont couverte de frises monumentales, d'immenses sculpture acceuillent les visiteurs. Sur l'un des murs du palais court une frise retrassant la vie au quotidien des assyriens, cette frise aujourd'hui présenté au musée du Louvre à Paris, est un témoignage fascinant de la vie de l'époque et une démonstration d'un art arrivé à maturité.







Sargon II (722-705 av. JC) est le fondateur de la dynastie des Sargonides qui régnera sur l’Assyrie. Conquérant d’Israël, de Cilicie et de Babylone, vainqueur des Hittites et des Egyptiens, Sargon II est l’un des grands rois de cette époque. Il fait édifier son palais à Dur-Sharrukin, Khorsabad, sa construction mobilise tout l’empire, les vassaux sont mis à contribution et la richesse ainsi accumulé assoit d’autant le pouvoir du roi. La décoration du palais doit être à la hauteur des […]


Nebamun, British Museum Londres Ces splendides fresques proviennent de la tombe d'un "scribe et conteur de grain", fonctionnaire important à Thèbes, ancienne capitale de la Haute-Egypte. Bien qu'elles datent d'environ 1500 av. JC elles ont gardé toute leur fraicheur et nous raconte la vie au quotidien à cette époque, au bord du fleuve, dans les champs, au milieu des troupeaux. Le dessin des animaux et des plantes, le rendu des couleurs, tout nous démontre la qualité d'un art à son sommet. […]


Le Castro de Santa Trega en Galice est un village fortifié celte caractéristique de la période pré-romaine en Espagne. Il est Situé dans un site exeptionnel: A Guarda, au sommet d'une colline qui surplonbe l'embouchure du rio Mino, fleuve qui sépare aujourd'hui l'Espagne et le Portugal. A l'époque du castro le rio Mino était une artère de communication stratégique pour la région. Le castro controlait tout les mouvements commerciaux vers l'intérieur des terres. Le village est composé de […]

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Rédigé par rafael

Publié dans #MESOPOTAMIE et PERSE ANTIQUITE

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Publié le 24 Mars 2012

Musée des Antiquitées Nationales Saint-Germain-en-Laye
 

La période du Paléolithique couvre la plus grande partie de l’âge de la pierre taillée de -3 millions d’année à -35 000. Durant cette période très longue, c’est le paléolithique supérieur (-40 000 à -35 000) qui constitue la période la plus féconde au niveau artistique. Durant cette période les manifestations de l’art paléolithique sont nombreuses, parures, bijoux à bases de perles et de coquillages, sculptures en ivoires ou en os et gravures. Art de chasseurs, l’art pariétal du paléolithique privilégie la représentation animale.


Les différents exemples d’os gravé ou de petites sculptures représentent la plus part du temps les grands herbivores qui constituent la faune de l’époque : chevaux, bisons, bouquetins, aurochs, cervidés. La production de très grande qualitée est abondante, l’art constituait un véhicule à priori omniprésent dans la vie des hommes de cette époque. Certaines sculptures sont particulièrement réalistes et expressives, comme le petit groupe de chevaux dont le regard, le naseau, le toupet sont parfaitement exprimés. De petites dimensions, quelques centimètres, ses objets devaient pouvoir accompagner les hommes de cette époque durant leurs chasses ou leurs déplacements.




 

Photos: (c) Lankaart

 

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #PREHISTOIRE

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Publié le 24 Mars 2012

Portrait de Georg Gisze, Staatliche Museen, Berlin, 1522

Hans Holbein le Jeune est un grand portraitsite allemand du début du XVIe siècle, il s'attache à rend la vérité derrière l'apparence, son regard profond met en évidence la vrai nature psychologique de l'homme qui lui fait face. Il est également un grand virtuose dans le rendu des moindre détail, plissédes vêtements, reflet dans le vase, billets et instruments divers qui renforce le réalisme de la composition et crédibilise son regard. D'une très grande précision dans ces oeuvres il démontre dans ce portrait sa parfaite maîtrise du sujet.

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #RENAISSANCE EUROPE DU NORD

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