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Publié le 22 Mai 2020

Bourdelle - Paris Théâtre des Champs-Elysées Bas-reliefs - Photos: Lankaart (c)
Bourdelle - Paris Théâtre des Champs-Elysées Bas-reliefs - Photos: Lankaart (c)

Bourdelle - Paris Théâtre des Champs-Elysées Bas-reliefs - Photos: Lankaart (c)

De 1910 à 1913, Bourdelle réalisa, à Paris, le décor sculpté de la façade et de l’atrium du Théâtre des Champs-Élysées, témoignage éclatant de ses dons de sculpteur-architecte. Il exécuta pour cela pas moins de 75 ouvrages parfaitement intégrés à l’architecture. Bourdelle voulu donner l’impression que ce soit “... le mur lui-même qui, par endroits désignés en bon ordre, semble vouloir s’émouvoir en figures humaines...”. Le tryptique autour d'Apollon est l'ensemble le plus monumental de la composition, l'artiste participa activement à la conception du théatre aussi bien qu'à la réalisation de cet ensemble unique.

Avec ces bas-reliefs et ces frises peintes aux sujets d'inspiration mythologique, Bourdelle réalise son idéal d'un art structural, dans lequel le décor est soumis aux lois de l'architecture. Ses recherches sur le monumental se poursuivent avec la commande du Monument à Alvear, la plus importante qu'il ait jamais reçue, puis en 1919 avec celles du Monument de Montceau-les-Mines et de la Vierge à l'offrande pour la colline de Niederbrück. Jusqu'à la fin de sa vie, Bourdelle élaborera encore de nombreux projets de monuments, mais qu'il n'aura pas le temps de réaliser (monument à Daumier, au Maréchal Foch...).

 

 


Bourdelle - Paris Théâtre des Champs-Elysées Bas-reliefs - Photos: Lankaart (c)
Bourdelle - Paris Théâtre des Champs-Elysées Bas-reliefs - Photos: Lankaart (c)
Bourdelle - Paris Théâtre des Champs-Elysées Bas-reliefs - Photos: Lankaart (c)

Bourdelle - Paris Théâtre des Champs-Elysées Bas-reliefs - Photos: Lankaart (c)

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Rédigé par rafael

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Publié le 21 Mai 2020

Bourdelle - Centaure mourant - Photos: Lankaart (c)
Bourdelle - Centaure mourant - Photos: Lankaart (c)

Bourdelle - Centaure mourant - Photos: Lankaart (c)

L'atelier de Bourdelle est au centre du musée Bourdelle à Paris, ces ateliers sont ceux où Antoine Bourdelle s'est installé en 1885. Il y travailla jusqu'à sa mort en 1929. Les parquets, les boiseries, les meubles sont d'origines. Le Centaure mourant en plâtre est toujours en place, c'est certainement l'une des oeuvres les plus émouvantes du sculpteur et l'un des plus beaux témoignage de sa maturité.

Mythologie:

 Dans la mythologie grecque, un centaure est une créature mi-homme mi-cheval que l'on disait issue soit d'Ixion et de Néphélé, soit de Centauros et des juments de Magnésie.

Héraclès fut un temps l'hôte de Pholos, un centaure,  tandis qu'il traquait le sanglier d'Érymanthe. Il exprima un jour le souhait de boire du vin : Pholos le prévint qu'il n'osait ouvrir la jarre à vin, qui était commune à tous les centaures. Mais sur l'insistance du héros, il s'y résolut : alors les autres centaures, sentant l'odeur du vin, devinrent furieux et se jetèrent sur Héraclès, qui en tua plusieurs et poursuivit les autres. Après avoir été chassé du mont Pélion, Chiron s'était installé au cap Malée. Or les autres centaures, toujours traqués par Héraclès, parvinrent jusqu'à lui ; là, le héros utilisa ses flèches empoisonnées et en décocha une par mégarde sur Chiron, son tuteur. Celui-ci, rongé de douleurs mais ne pouvant mourir parce qu'il était immortel, obtint finalement de Zeus de mourir à la place de Prométhée.

 

Bourdelle - Centaure mourant - Photos: Lankaart (c)

Bourdelle - Centaure mourant - Photos: Lankaart (c)

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Rédigé par rafael

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Publié le 9 Mai 2020

Emile Bernard - Egypte

Emile Bernard - Egypte

"Du Grand Caire d'Egypte à la Grenade d'Andalousie, voyage fait par moi, le peintre Emile Bernard, ma femme Hanénah et monfils Otsi, l'an 1896, du 20 Juillet au 16 Août de la même année. "

Ainsi est répertorié à l'Institut National d'Histoire de l'Art, la chronique du voyage d'Emile Bernard sur le pourtour méditerranéen. Pourtant, ce voyage marque un renversement profond chez l'artiste, un retour vers le classicisme, pour un tenant du mouvement moderne, un compagnon de Gaugin et un membre reconnu de l'Ecole de Pont-Aven.  Ces tableaux sont une troublante démonstration des revirements possibles d'un homme de l'art.  Qui saura ce qui chez ce Fauve a pu lui faire changer sa vision sur le monde.

Lankaart (c)

 
Emile Bernard - Egypte
Emile Bernard - Egypte

Emile Bernard - Egypte

Emile Bernard - Egypte

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Rédigé par rafael

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Publié le 12 Mars 2020

Paul Jouve
Paul Jouve

Paul Jouve

Paul Jouve né en 1878, va marquer profondément la peinture animalière durant tout le XXe siècle. Dès 1900 ses œuvres pour l'exposition universelle à Paris marquent les esprits. Mais ce sont ses voyages en Algérie en 1907, en Extrême-Orient en 1922, puis en Afrique en 1931 qui vont affirmer son style puissant et sauvage. 

Maître incontesté de la figuration animalière à son époque il publiera de nombreux livres, illustrations et participera à plusieurs projet de décoration dont celui du paquebot Normandie, monument de l'Art Déco.

Lankaart (c)

Paul Jouve - Panthère
Paul Jouve - Panthère

Paul Jouve - Panthère

Paul Jouve

Paul Jouve

Paul Jouve
Paul Jouve

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Rédigé par rafael

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Publié le 12 Décembre 2019

Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion

Oeuvre majeure de Josep Maria Subirachs, les sculptures qui ornent la Façade de la passion conçue par Gaudin ont été réalisées de 1987 à 2005.

Premier étage 
Deuxième étage 
Troisième étage 

 

Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
Gaudi - Josep Maria Subirachs- Sagrada familia - Façade de la Passion
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Rédigé par rafael

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Publié le 3 Novembre 2019

Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)

Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)

Le parc de Frogner à Oslo est un très grand parc public situé à l'ouest du centre ville. Créé au milieu du XXe siècle c'est un exemple parfait des parc art déco des années 30 alliant aménagement paysager classique, grands parterres gazonnés dans la tradition des parcs anglais et aménagements architecturaux ou sculpturaux monumentaux comme peut l'être à Paris le parc du Palais de Chaillot. Ici c'est l'ensemble de sculptures constitué par le Vigelandsanlegg (Installation Vigeland) qui donne son côté monumental au parc. 

Lankaart (c)

 

Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)

Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)

Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
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Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)

Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
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Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)

Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)

Oslo - Le Parc de Frogner - Photos: Lankaart (c)
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Rédigé par rafael

Publié dans #PARCS et JARDINS, #ART DECO

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Publié le 28 Septembre 2019

Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)

Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)

Conçu par les architectes Arnstein Arneberg et Magnus Poulsson l'hôtel de ville d'Oslo est l'un des monuments les plus marquants de la capitale scandinave. Commencé en 1931, le bâtiment fut achevé en 1951, le chantier ayant été interrompu pendant la seconde guerre mondiale, le style reste toutefois très proche du style Art Déco en vogue dans les années 30 en Europe, style que l'on retrouve dans les compositions sculpturales qui accompagnent le monument. Le bâtiment, actuellement en rénovation, accueille tous les ans la cérémonie de remise du prix Nobel.

 

Lankaart (c)

 

 

 

Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)

Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)

Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)
Oslo - Hôtel de Ville - Photos: Lankaart (c)

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Rédigé par rafael

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Publié le 4 Octobre 2018

La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)
La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)
La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)

La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)

La Havane, est depuis sa fondation en 1515, une ville où tous les styles architecturaux se côtoient avec bonheur. Le style art déco est particulièrement présent, la ville ayant eu un développement urbain important durant les années 30. L'originalité du style art déco cubain est l'utilisation de la couleur qui vient renforcée les effets plastiques des modénatures. Immeubles de logements, bâtiments publics, hôtels offrent de nombreux exemples de cette architecture originale.

 

RR.

La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)
La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)
La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)
La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)
La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)

La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)

La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)
La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)
La Havane - Art Déco - Photos: Lankaart (c)
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Rédigé par rafael

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Publié le 13 Mai 2018

Tunsie - Femmes

Tunsie - Femmes

Orientaliste « ethnographique », Roubtzoff refuse les excentricités du genre mais réalise une série de nus où le peintre applique les recettes de la tradition occidentale à des modèles européens et orientaux. Dans son journal écrit à la fin de sa vie et les quelques articles qu’il rédige pour la revue Tunisie (« Un quart de siècle en Tunisie », 1938), il défend un Orient résolument fidèle à ses traditions : « un peintre arabe ne doit pas oublier qu’il est arabe et non pas Von Dongen. Ni Cézanne non plus. L’Arabe doit conserver intacte sa mentalité musulmane, même s’il fréquente Montparnasse ». En 1924, lors d’un voyage en Turquie, ce pourfendeur du modernisme peint surtout la ville de Brousse « plus séduisante que Constantinople trop ravagée par les incendies [...] et le tourisme ».

De son vivant, les achats par l'État et plusieurs expositions à Tunis et en métropole lui ménagent une place importante dans la vie artistique de la colonie, évidemment à contre-courant de Boucherle et de l'École de Tunis. En 2010, un hommage officiel lui fut rendu en Tunisie avec l'exposition « Roubtzoff et la médina » - 48 dessins minutieusement réalisés en 1944, ainsi que quelques toiles, représentatives d’un art dont la mémoire fut entretenue dès la mort de l’artiste. Roubtzoff, dont les toiles ornent encore nombre de résidences officielles, est aujourd’hui le peintre tunisien le mieux coté sur le marché de l’art. Ses œuvres les plus importantes sont signées et datées en français et en arabe.

Wikipedia

 

 

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 19 Avril 2015

Paul Jacoulet

ポール・ジャクレー - 폴 자쿨레

Paul Jacoulet (1896-1960) est un artiste français ayant vécu la majeure partie de sa vie au Japon et plus généralement en Asie, connu pour ses estampes japonaises ukiyoe fines et colorées. Paul Jacoulet, alors qu'il a 30 ans, décide de suivre un camarade et de découvrir la Micronésie, qui est alors le mandat des îles du Pacifique, mandat de la Société des Nations sous administration de l'Empire du Japon depuis 1920. Il part pour un premier voyage en mars 1929 avec son ami Yujirô Iwasaki et est très profondément marqué par ce séjour, qui le décide à devenir artiste. Il peint de nombreuses esquisses et aquarelles sur son itinéraire. Chaque année, jusqu’en 1932, il passe les printemps dans les îles Mariannes sur l'île de Saipan, dans les Îles Carolines, aux Îles Yap, Chuuk et Pohnpei, dans les Palaos, les îles Marshall, les Manado et les Célèbes. L’artiste prend conscience de la fragilité de certaines populations de Micronésie, notamment de l’île de Yap, auxquelles il s’attache particulièrement. Il fixe sur le papier ces scènes évanescentes de vies pleines de charme. Hommes, femmes, enfants, objets de la vie quotidienne, parures, tatouages, bijoux ou accessoires deviennent des sujets artistiques, qu’il replacera plus tard dans ses estampes lumineuses qui renouvellent le genre de l'ukiyo-e.

Paul Jacoulet

폴 자쿨레 - ポール・ジャクレー

 

En 1933, il crée son atelier, qu'il nomme l’Institut Jacoulet des estampes (Jacoulet Hanga Kenkyu-jo) dans le quartier d'Asakusa à Tokyo. Il collabore avec des maîtres graveurs et imprimeurs, selon la tradition du ukiyo-e. Il produit et expose ses premières séries d’estampes et connaîtra, bientôt une certaine renommée.


Pendant la Seconde Guerre mondiale, Paul Jacoulet reste dans sa maison de Tokyo et ne déménage à Karuizawa dans les montagnes de la préfecture de Nagano, que lorsque les bombardements sont trop violent sur la ville en 1944. Son travail artistique s'arrête, la clientèle étrangère ayant quitté le Japon et les matériaux se font rares. Il se consacre donc à la culture de fruits et de légumes pour assurer sa subsistance. Il est toutefois un des rares étrangers à être autorisé à voyager à Saipan et à Okinawa. Il fréquente aussi Noël Nouet, autre français créateur d'estampes vivant depuis 1926 au Japon.


Reconnaissance américaine[modifier | modifier le code]
Avec l'occupation américaine du Japon, Paul Jacoulet est recruté à l'automne 1946 par le Commandant Charles T. McDowell pour devenir professeur d'art au Tokyo Army College (1946-1948), à la demande du général Douglas MacArthur, grand collectionneur de son œuvre. Cet intérêt de MacArthur, alors au sommet de sa carrière, contribueront à sa notoriété aux États-Unis. Trois expositions sont organisées sur deux bases américaines au Japon dès 1946. Paul Jacoulet achète un grand terrain et une maison à Karuizawa, où il emménage en mars 1948. Quinze estampes paraissent en 1948, trois l’année suivante, puis au rythme de trois à six par an jusqu’en 1960. Les expositions à l’étranger se succèdent, d'abord sur la base américaine de Guam en 1947, puis à Los Angeles en 1950, New York en 1951, Helsinki en 1952 et Perth en 1955. En 1953, la santé de l’artiste se détériore, les premiers symptômes du diabète se manifestent. D’octobre 1954 à avril 1955, Paul Jacoulet entreprend un long voyage avec Thérèse, sa fille adoptive depuis 1951, et qui est la fille de son assistant Jean-Baptiste Rah. Ce périple les mène à Hong Kong, Singapour, en Australie, à Tahiti et aux Antilles. De retour à Karuizawa, l’artiste prépare un grand projet de cent vingt estampes sur les populations en voie d’extinction en Asie et dans le Pacifique. Paul Jacoulet meurt en 1960.

Paul JacouletPaul Jacoulet
Paul JacouletPaul Jacoulet

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Rédigé par rafael

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