Articles avec #art contemporain tag

Publié le 30 Juin 2020

 

OLIVIER CAZENOVE Olivier CAZENOVE (3)

 

Le dessin a une grande importance dans l'œuvre d'Olivier Cazenove et c'est une manière pour lui de saisir la place des êtres dans la banalité de leur quotidien. Il est de ces artistes chercheurs, toujours en quête de nouvelles actions sur la matière, la couleur et les êtres. Ses derniers travaux (lambda et digigraphie) témoignent de ces actions et de cette capacité à exercer une autorité, un pouvoir sur un monde qu'il se crée.

 

Olivier Cazenove Expe C 68

 



L’œuvre résulte d’une adéquation aux conditions physiques, géologiques (relatifs à la science des matériaux qui constituent le globe terrestre, en particulier ceux directement accessibles à l’observation) ou géodésiques (relatifs à la science de la forme et des dimensions de la Terre) dues à la localisation du site, dont elle devient le reflet ou le faire-valoir. Quatre buses de 6 mètres de long et de 2.5 mètres de haut ont été spécialement construites pour cette oeuvre. Elles se font face […]



Toute sa vie, Francis Bacon (1909-1992) considéra le triptyque Trois Études pour des figures au pied d'une crucifixion (Tate Modern, Londres) comme son premier tableau. Historiquement, rien n'est moins vrai : quelques-unes des œuvres qu'il réalisa dans les années 1930 subsistent et ont été exposées, quoique rarement du vivant de l'artiste. Théoriquement rien n'est plus justifié : les trois études ne sont en effet qu'un fragment d'une plus grande composition que l'artiste ne réalisera […]


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Rédigé par rafael

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Publié le 28 Mai 2020

Andy Warhol - Propos sur l'art

Andy Warhol - Propos sur l'art

"La commercialisation de l'art est l'étape qui vient après la création. J'ai commencé comme artiste commercial, et je veux terminer comme artiste."

 

"La mort c'est beaucoup d'argent, chérie. Elle peut vraiment vous faire devenir une « star »."

 

"Faire de l'argent, c'est de l'art, et le travail est de l'art. Faire de bonnes affaires est le meilleur art qui soit."

 

 

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 27 Février 2020

Marinette Cueco
Marinette Cueco
Marinette Cueco

Marinette Cueco

Marinette Cueco pratique depuis 1960 le tissage et la tapisserie et, depuis 1978, elle applique ces techniques au végétal.

Lorsqu’elle commence à travailler les herbes, elle fabrique des tissus ajourés aux formes aléatoires, des objets libres et fragiles, et dans le même temps privilégie des formes géométriques simples (carrés, rectangles, triangles, sphères).

Elle scrute la nature pour mieux la mettre en forme, la transformer : elle noue, tresse, lie, entrelace et festonne. En conjuguant la texture, le rythme et la couleur, elle fait de la nature le lieu et le matériau de ses interventions. Sous ses gestes simples surgissent des concrétions minérales et formes végétales.

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Marinette Cueco
Marinette Cueco
Marinette Cueco

Marinette Cueco

Marinette Cueco
Marinette Cueco
Marinette Cueco

Marinette Cueco

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Rédigé par rafael

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Publié le 25 Février 2020

Henri Cueco - Les hommes rouges
Henri Cueco - Les hommes rouges

Henri Cueco - Les hommes rouges

Henri Cueco, né à Uzerche (Corrèze) le 19 octobre 1929 et mort le 13 mars 2017 à Paris, est un peintre et écrivain français.

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Henri Cueco

Henri Cueco

À partir de la fin des années 1950, Cueco peint des séries (Paysages, Natures mortes, Portraits, Rivières, Salles de bains, Jeux d'adultes, Hommes rouges…) recourant aux moyens techniques des mass-médias, d'après des photos tirées de la presse : figures découpées, aplats de couleur, pointillés et rayures. Il fait alors partie des peintres du mouvement de la figuration narrative, qui se développe au milieu des années 1960.

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Henri Cueco

Henri Cueco

Henri Cueco

Henri Cueco

Henri Cueco

Henri Cueco

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Rédigé par rafael

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Publié le 13 Février 2020

Atila Biro - La naissance du grand mégat

Atila Biro - La naissance du grand mégat

Atila Biro, né Attila Bíró, le 20 mars 1931 à Budapest et mort le 22 mars 1987 à Paris, est un architecte, peintre, graveur à l'eau-forte et lithographe hongrois, naturalisé français.

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« Dans l'étendard déployé des arcs-en-ciel hologrammes, là où les bruits n'existent plus, celui qui contemple une toile d'Atila renonce à lui-même. Il se trouve confronté à un univers outre-couleur, où la vie ne s'échange plus contre la mort. Ici flottent dans l'apesanteur d'une lumière prismatique des cosmonautes sans émotions. Sont-ils de lointains messagers de notre monde éteint ? L'avenir et le passé ont-ils encore un sens ? L'homme a-t-il fini par dominer son propre rêve ? La couleur est-elle la seule porte d'accès à l'infini voyage ? Bien fou qui peut trancher en regardant par le hublot de la toile. Mais pour celui, plus attentif, qui chercherait à percer le vrai mystère des signes, une certitude peu à peu se fait jour : au-delà de l'aspect flamboyant et somptueux de l'organisation chromatique, se joue une démarche gestuelle et expressive. Elle se met au service de la sourde angoisse qui affleure et qui bat, plus visible dans l'œuvre dessiné de l'artiste. » - Jean Vautrin

Atila Biro - Les fenêtres s'envolent

Atila Biro - Les fenêtres s'envolent

Grâce à son amitié avec Georg Karl Pfahler, il participe à la fondation du « Groupe des Onze » dont font partie Friedrich Sieber et Günther Kirchberger. La première exposition du groupe se tient en 1957 à la Galerie 17 de Munich. Elle est bientôt suivie d'autres à Londres (New Vision Center Gallery), Bruxelles (Galerie Les Contemporains), Rome (Galleria La Tartaruga) et de nouveau à Londres (Drian Gallery). Attila Bíró termine ses études à Stuttgart en 1958 avec un diplôme d'ingénieur-architecte. Il s'installe alors à Paris et travaille dans différents bureaux d'architectes, jusqu'à ce qu'il puisse vivre de sa peinture et s'y consacrer.

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Atila Biro

Atila Biro

C'est par la rencontre en 1959 des peintres américains de l'abstraction informelle Paul Jenkins et Sam Francis qu'il trouve la voie qui demeurera la sienne, celle d'une libre figuration structurée par le chromatisme de l'arc-en-ciel. C'est alors qu'il prend le nom d'artiste d'Atila, ou Atila Biro, son pseudonyme se constituant donc du simple retrait de la seconde lettre "t" de son prénom.

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Rédigé par rafael

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Publié le 11 Février 2020

Gilles Aillaud
Gilles Aillaud

Gilles Aillaud

Gilles Aillaud (1928-2005) est un artiste français du mouvement figuratif. Fils de l'architecte Emile Aillaud, il développe son art dans les années 60 et 70 au sein des mouvements de la Nouvelle Figuration et de la Figuration narrative. Ses sujets de prédilection sont les animaux dans les zoos et les paysages déserts du bord de mer. Décorateur de théâtre, il travailla sur de nombreux projets avec le peintre espagnole Arroyo.

Lankaart (c)

Gilles Aillaud
Gilles Aillaud
Gilles Aillaud

Gilles Aillaud

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Rédigé par rafael

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Publié le 9 Février 2020

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp est un ensemble de huit tableaux signés collectivement par les peintres Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati, réalisé en 1965, dans le cadre de l'exposition « Figuration narrative dans l'art contemporain » à la galerie Creuze à Paris et aujourd'hui conservé au Musée Reina Sofia à Madrid.

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Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

La série de huit tableaux s'attaque à l'art conceptuel de cette figure emblématique de l'avant-garde, symbole des falsifications intellectuelles de la culture bourgeoise, qui « anesthésie les énergies vitales et fait vivre dans l'illusion de l'autonomie de l'art et de la liberté de création »2, ainsi qu'aux formes d'art estimé dévoyé, qui s'en réclamaient alors, du Pop art et du Nouveau réalisme. Ainsi, dans la 8e et dernière toile, on voit leurs défenseurs américain comme européen, Andy Warhol et Pierre Restany, soutenir de part et d'autre l'arrière du cercueil de Duchamp, recouvert du drapeau américain et conduit par Robert Rauschenberg, suivi d'Arman, Claes Oldenburg et Martial Raysse.

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Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Les auteurs de ces toiles critiquaient chez Duchamp son refus de s'engager, eux qui pratiquaient une peinture politique qu'ils voulaient plus proches de la vraie vie que des musées. Avec ses ready-mades, Duchamp mystifiait, à leurs yeux, l'image de l'artiste, comme s'il suffisait qu'il touche un objet pour en faire une œuvre d'art.

Aillaud explique dans la préface de l'œuvre : « Pour nous qui entendons nous manifester comme de véritables individus dans le temps et l'espace, il ne s'agit donc pas d'inventer ou de découvrir de nouvelles formes d'expression artistique mais de donner davantage à penser ».

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Rédigé par rafael

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Publié le 7 Février 2020

Leonardo Cremonini
Leonardo Cremonini

Leonardo Cremonini

Peintre emblématique des scènes artistiques française et italienne des années 1950 à 1990, Leonardo Cremonini (1925-2010) connut la gloire de son vivant. Admiré par ses pairs tels que Francis Bacon et par les écrivains, à l’instar d’Alberto Moravia, Italo Calvino, Umberto Eco, Louis Althusser, Michel Butor ou Régis Debray, son œuvre est représentée dans de nombreuses collections publiques (Musée national d'art moderne, Musée d'art moderne de la Ville de Paris, MoMa, Galerie d’art moderne de Milan...) et privées.

T&L Galerie

Leonardo Cremonini

Leonardo Cremonini

Attiré par les ambiances balnéaires de son enfance italienne, à partir de cette époque, Cremonini représente estivants hébétés sur les plages, enfants jouant et couples inconsolés qu'il décline en autant de situations dramatiques qu'elles sont banales. Ce dramatique sans drame, il le figure avec une peinture au chromatisme exacerbé, captant parfaitement l'atmosphère lourde de la chaleur d'été, tout en restant silencieuse.

T&L Galerie

Leonardo Cremonini
Leonardo Cremonini
Leonardo Cremonini

Leonardo Cremonini

Umberto Eco disait de Cremonini : « sa peinture, même si elle est éminemment "picturale" [larges étalements, écarts, partitions géométriques et effacements de la matière], n'en est pas moins très littéraire et philosophique : elle raconte, organise des intrigues ambiguës et sous-entend une série de raisonnements [visuels bien sûr] sur le rôle du sujet, du regard, du désir et de la volupté ».

Leonardo Cremonini - Les écrans du soleil - 1968

Leonardo Cremonini - Les écrans du soleil - 1968

Leonardo Cremonini - Les indiscrétions d'une chambre - 1970

Leonardo Cremonini - Les indiscrétions d'une chambre - 1970

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Rédigé par rafael

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Publié le 5 Février 2020

Eduardo Arroyo
Eduardo Arroyo

Eduardo Arroyo

Représentant majeur de la Figuration narrative et de la Nouvelle figuration espagnole qui se développa en Europe au début des années 1960, ses tableaux traitent de l'exil, des assassinats politiques, des complicités dont bénéficie le régime de Franco, des espagnolades qui masquent la réalité fasciste de l'Espagne et des bases américaines qui soutiennent l'impunité de Franco.

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Eduardo Arroyo
Eduardo Arroyo

Eduardo Arroyo

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Rédigé par rafael

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Publié le 3 Février 2020

Erro
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Erro

Guðmundur Guðmundsson, dit Erró, est un artiste islandais postmoderne, né le 19 juillet 1932 à Ólafsvík.

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Erro
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Erró est un des fondateurs d'un mouvement appelé la Figuration narrative au début des années 1960 en France. De nombreux artistes participent à l'émergence de ce style artistique comme Valerio Adami, Hervé Télémaque, Peter Klasen.

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La figuration narrative est un mouvement artistique apparu, principalement dans la peinture, au début des années 1960 en France, dans le cadre du retour à la nouvelle figuration et en opposition à l'abstraction et aux mouvements contemporains du nouveau réalisme et du pop art, auquel elle est néanmoins associée.

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Erro
Erro

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Le mouvement de la figuration narrative n'a pas été structuré, en particulier, par un manifeste mais a cependant été théorisé par le critique d'art Gérald Gassiot-Talabot dans un ouvrage paru en 1965. Il s'agit d'un courant d'expression qui restreint initialement le champ de la nouvelle figuration en considérant comme narrative toute œuvre qui se réfère à une représentation figurée dans la durée, soit par la circulation d'objets dans la toile, soit par séquences, y compris sous forme de polyptyques, et qui veut généralement redonner à la peinture une fonction politique et critique de la société de consommation. Parmi ses sources d'inspiration (cadrages, montages, etc.) on compte la bande dessinée, le cinéma, la photographie, la publicité… en fait, l'ensemble des images du quotidien.

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Rédigé par rafael

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