Articles avec #xxie: l'art contemporain aujourd'hui tag

Publié le 6 Mars 2015

BERNDNAUT SMILDE

 

 

Berndnaut Smilde (Groningen, 1978) est un artiste néerlandais diplômé en 2005 de l’Université Hanze àGronginen.

En 2012 il a créé une série de nuages, dont « Nimbus II, 2012 ', d’abord réalisée dans la chapelle de la Vierge de Hoorn, puis au sein de Saatchi Gallery à Londres. Time Magazine a appelé cette technique l’une des cinquante meilleures inventions de l’année 2012.

 

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Berndnaut-Smilde-Nimbus-Cukurcuma-Hamam-

 

Berndnaut Smilde, 'Nimbus Dumont' High Res

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 4 Mars 2015

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Tara Donovan (née en 1969 à New York) est une artiste américaine vivante et travaillant à Brooklyn (New York). Elle est connue pour son installation d'art in situ qui utilise des matériaux de tous les jours et dont la forme s'inscrit dans l'art génératif.

 

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Le travail de Tara Donovan est basé sur l'utilisation de matériaux de tous les jours: scotch, verre, plaques de papier, cure-dents, pailles, pour créer de grandes sculptures qui sont souvent biomorphiques. Ses sculptures souvent fragiles sont le résultat d'un travail long et délicat d’assemblage. Tara Donovan travail à partir du matériau, la forme et le résultat final étant la résultante d'un long travail d'appropriation.

 

Tara Donovan explique qu'elle tente d'imiter la nature en travaillant ces différents matériaux.

 

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Tara donovan flash30

 

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tara donovan 3

 

tara donovan nuage

 

Source: Wikipedia

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 1 Mars 2015

Tomás Saraceno - Poetic Cosmos of the Breath - 2007

Poetic Cosmos of the Breath était un dôme solaire expérimental créé par l’artiste Tomas Saraceno. Il a été mis en place, le 22 Septembre 2007 à Gunpowder Park, Essex au Royaume-Uni.

Artiste argentin, né en 1973, Tomas Saraceno met en scène dans l’espace des installations étranges et fantastiques : résilles métalliques, bulles de plastiques, globes etc... qui redonnent à l’espace une autre dimension.

Tomás Saraceno - Poetic Cosmos of the Breath - 2007
Tomás Saraceno - Poetic Cosmos of the Breath - 2007

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Rédigé par rafael

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Publié le 15 Février 2015

Desert Breath D.A.ST. ARTEAM monumental-land-art-i-copie-1

 

« Desert Breath » est une installation imaginée et réalisée par l’artiste Danae Stratou, la designer Alexandra Stratou et l’architecte Stella Constantinides. Elles ont collaboré de 1995 à 1997 pour créer cette installation située à El Gouna au milieu du désert égyptien près de la Mer Rouge. D’en haut, on aperçoit des motifs en relief ou en creux sur une distance de plusieurs centaines de mètres et une surface de 100 000 m². Une installation monumentale qui est toujours visible aujourd'hui.

 

Desert Breath D.A.ST. ARTEAM monumental-land-art-i-copie-2

 

Desert Breath D.A.ST. ARTEAM monumental-land-art-i-copie-3

 

Desert Breath D.A.ST. ARTEAM monumental-land-art-installati

 

Photos: Desert Breath D.A.ST. ARTEAM (c)

Source: RR

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Rédigé par rafael

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Publié le 14 Février 2015

Olafur-Eliasson-21

 

Olafur Eliasson est un artiste contemporain danois, né à Copenhague le 15 février 1967. Il est fortement attaché à l'Islande, pays d'origine de ses parents, où il a passé une partie de son enfance. Dès 1993, il s'établit à Cologne puis à Berlin en 1994. 

 

L'une des spécificités de son travail réside dans l'intérêt qu'il porte à la surface, la structure cristalline, les déformations, la lumière et ses effets, la couleur, les formes géométriques sans oublier la dimension narrative, dans le sens où ses œuvres laissent facilement une trace dans la mémoire sous forme d'image ou de sensation.

 

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Olafur-Eliasson-24

 

Olafur Eliasson qualifie son atelier de studio-laboratoire où le questionnement, la recherche et l'expérimentation constituent la base essentielle de sa démarche artistique. Ses œuvres intègrent les notions d'espace et de temporalité, du design et de la science qu'il met en relation. L'artiste réussit ainsi à lier des domaines qui ne présentent pas forcément de points communs au premier abord.

 

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Son œuvre explore la relation existant entre la nature et la technologie, comme lorsque des éléments tels que la température, l'olfactif ou encore l'air se convertissent en partie en éléments sculpturaux et en concepts artistiques.

 

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« Un artiste est impliqué dans la vie, dans la réalité du monde, dans l'idée du progrès. Mon studio est construit sur cet engagement. » Olafur Eliasson

 

De ses débuts, dans son premier atelier berlinois où il travaille seul dans un premier temps, puis aidé de deux ou trois assistants, le studio Eliasson ne cesse de grandir. En 2002, il s'établit dans les locaux d'un entrepôt désaffecté, non loin du musée d'art contemporain Hamburger Bahnhof, à l'Ouest de Berlin (près du mur). Actuellement, il regroupe une trentaine de personnes, aux nationalités et compétences diverses, à savoir des architectes, artistes, techniciens mais également des historiens d'art. Les architectes constituent la majorité de cette équipe pluridisciplinaire. Si la plupart des collaborateurs de l'artiste sont employés de manière permanente, d'autres personnes interviennent sur des projets spécifiques de manière occasionnelle. Ce fut notamment le cas pour le philosophe Paul Virilio, le théoricien des sciences Bruno Latour ou encore de célèbres architectes tels que Yona Friedman et Rem Koolhaas.

 

Olafur Eliasson passerelle

 

D'autre part, il entretient une étroite collaboration avec l'architecte, théoricien et artiste islandais Einar Thorstein depuis une dizaine d'années. Leur première réalisation commune est un pavillon datant de 1996.

 

En 2007, l'artiste se lance à nouveau à la recherche de locaux plus spacieux permettant d'accueillir en plus de l'atelier de production, un espace réservé à la réalisation de projets en collaboration avec des étudiants, ceci lui permettant d'élargir son champ d'expérimentation. Cette démarche suit la volonté de rassembler la pratique de l'atelier d'artiste et la théorie de la formation académique. Le studio est perçu comme une machine performante. Bien qu'essentiel pour la réalisation et l'expression artistique, il représente un outil pour la conception et non le thème de son art.

 

 

 

Aujourd'hui, le studio Eliasson est probablement l'un des plus importants dans le monde de l'art. L'artiste revêt parfois un statut particulier au sein de "l'entreprise" : celui de « client » dans le sens où il ne réalise pas forcément seul toutes les étapes du projet. Il se caractérise comme un « donneur d'idées », un « inventeur de concepts ». Il est en quelque sorte le chef d'orchestre, confiant diverses missions à ses collaborateurs. Les œuvres de l'artiste portent en elles les traces de l'expérimentation. Ainsi, les étapes de recherche, de fabrication et de finalisation sont aussi importantes les unes que les autres : elles constituent la finalité-même de "l'objet d'art". Cependant, le questionnement et le processus expérimental apparaissent aux yeux de l'artiste bien plus enrichissant que la réponse en elle-même.

 

Le dépassement perpétuel des limites connues constitue le principal moteur de son inspiration. Il exploite tous les champs du réel afin de créer une composition originale et innovante. La lumière, et en particulier ses effets visuels, occupent une place importante dans sa recherche artistique. Un espace a d'ailleurs été aménagé à cet effet, entièrement blanc, afin d'optimiser la perception des sujets selon le type d'éclairage employé. La couleur est très présente dans ses œuvres, selon lui : « [elle] intensifie la réalité à tout moment. » 

 

Pour lui, l'esprit et le corps ne font qu'un, de même que le titre de l’œuvre et l’œuvre elle-même. Dans l'intitulé de ses travaux, Eliasson fait souvent appel au pronom personnel "Your" ("ton/ta" ou "votre" en français). Son langage artistique se définit à travers la mise en scène des espaces et l'intervention des spectateurs, qui prennent le rôle d'acteurs. Une grande part de liberté est laissée à chacun dans son appropriation et son interprétation personnelle.

 

Le Studio possède son propre magazine : TKT (initiales correspondant à "Take Your Time", "Prends ton temps" en français). Celui-ci paraît trois fois par an

 

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Olafur-Eliasson-pfaueninsel

 

Source: Wikipedia

 

Il collabore à la réalisation d'Harpa, une salle de concert et un centre des congrès situé à Reykjavik, capitale de l'Islande. Le concert inaugural a eu lieu le 4 mai 2011. C'est le cabinet d'architecture danois Henning Larsen qui a dessiné le bâtiment, en coopération avec l'artiste danois Olafur Eliasson et Einar Þorsteinn Ásgeirsson. Le bâtiment est constitué d'un cadre en acier revêtu de panneaux de verre de formes irrégulières et de différentes couleurs. En 2013, le bâtiment remporte le Prix Mies van der Rohe décerné par l'Union européenne et la Fondation Mies van der Rohe.

Harpa - Islande - Reykjavik

Harpa - Islande - Reykjavik

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Rédigé par rafael

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Publié le 10 Février 2015

Hashimoto Gas

 

Jacob Hashimoto vit et travaille à Paris, il est né en 1973 dans le Colorado. S'appuyant sur son héritage japonais il crée des structures tridimensionnelles légères composées de milliers de cerfs-volants miniatures. Hashimoto a réalisé de nombreuses expositions surtout en Italie et aux USA.

 

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Source: RR

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 11 Novembre 2014

 

Joseph Nechvatal, né à Chicago aux États-Unis en 1951, est un peintre, plasticien et artiste numérique américain.

 

 

Depuis ses premières peintures assistées par robots en 1986, Joseph Nechvatal est un artiste qui n'a eu de cesse de questionner les relations entre le réel et le virtuel. En procédant à des jeux d'aller-retours entre ces deux espaces, il tente d'abolir la frontière qui les sépare. Le projet Computer Virus est né de la volonté de produire des peintures à l'aide d'algorithmes mettant en jeu des processus «viraux». Il repose sur un outil de simulation qui permet d'injecter virtuellement des organismes artificiels dans une peinture et de les observer la transformer et la dégrader. Certaines étapes de ces «attaques» peuvent ensuite faire l'objet d'une impression sur canevas, à l'aide de robots, pour revenir sur un support concret. Après quelques points de repères historiques, cet article présente le modèle de simulation et sa mise en œuvre, qui permet de concilier l'exploration aléatoire de processus complexes et une direction artistique.

 

 

Depuis, le projet a connu des évolutions au fil des expositions. L'un des axes de développement majeur a consisté à renforcer le caractère immersif de l'installation, par enrichissement de l'expérience sensorielle du spectateur. L'aspect visuel, la forme des virus, leur taille, leur couleur, mais aussi la façon dont l'environnement est représenté, tous ces éléments ont fait l'objet de nombreuses variations. Ainsi l'environnement peut être montré dans sa globalité, mais il est aussi possible de n'observer qu'une portion de l'image, permettant de voir davantage de détails, un peu comme si l'on se penchait sur un microscope. Un mode de poursuite automatique permet de choisir un virus parmi tous ceux présents dans l'image et de le poursuivre de façon à le garder toujours au centre de l'image.

 

 

 

Source: Wikipedia

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 2 Septembre 2014

Roberto ferri scene

 

Roberto Ferri ( né en 1978) est un artiste italien. Il est profondément inspiré par les peintres Baroques (Caravaggio en particulier) et les maîtres du Romantisme, de l'Académisme et du Symbolisme.

 

Roberto-Ferri christ

 

Roberto ferri NAIADE

 

roberto ferri espectáculo muro

 

Roberto ferri NOLI-FORAS-IRE

 

Roberto ferri pan

 

roberto ferri scene 2

 

Source: RR W

Pour en savoir plus: http://www.robertoferri.net/

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 13 Mai 2014

Pascal Colrat 7

 

"Pascal Colrat est né le 21 août 1969 à Paris. Après avoir fait l'École Supérieur des Beaux-Arts de Paris, il choisit très tôt comme support d¹expression l'affiche où l'image dans sa démultiplicité utilise des réseaux de diffusions variées et croise un public très large et populaire.

 

Il travaille ainsi pour différentes institutions culturelles et politiques ­Amnesty International, Act Up, Le Tarmac de la Villette, l'Opéra de Lille, la Scène nationale de Petit-Quevilly / Mont-Saint-Aignan, le Grand Théâtre de Lorient etc. ­.

Par ailleurs, il exposera au Centre Georges Pompidou, en mai 2002, une importante série de diptyque, "Signes de la Biélorussie", résultats de son travail sur ce pays, ayant pour propos la dénonciation du drame de l'aprèsTchernobyl dans un climat post communiste fort. A l'opposé, son voyage à Los Angeles, grâce au prix de la Villa Médicis Hors les Murs, l'amène à réaliser une confrontation, toujours en diptyque, entre starisation extrême et violence dans les gangs.

Son intérêt pour les signes et images étrangers l'amènera, en mars 2003, en résidence en Inde. Ses images imprimées sur des sacs en toile indien qui défileront dans vingt villes en Inde sous le vocable "Bag from India".

Dans le cadre de la manifestation Hors Limite en Seine Saint Denis, il part aux Caraïbes en 2005 et choisit le support de la carte postale qu'il a déjà expérimenté, pour réaliser une série d'images sur l'enfermement et l'esclavagisme : "Matoutou Falaise".

 

Pascal Colrat 2

Pascal Colrat 6

 

Pascal Colrat utopie

Pascal Colrat 4Pascal Colrat beirut affiche

 

Exposé régulièrement depuis 1998 à la Galerie Mouvements Modernes, il présente, sous son égide, à la Fiac en 2004, un miroir pictogramme "You and me". En 2005, il réalise une série photographique et plastique autour de la notion du travail "Du bois dont on se chauffe" présentée à la galerie du Passage de Retz à Paris.

Poursuivant cette recherche, "Une affaire de famille" est exposée à la Blanchisserie Galerie durant l'automne 2006. En septembre de la même année, il part à Beyrouth sur les traces de la guerre et réalise un nouvel ouvrage "Quatre jours à Beyrouth" publié aux éditions Textuel.

 

Durant l’automne 2008, il exposera le troisième volet de son oeuvre consacrée à sa famille et au travail à la Galerie Talmart qui le représentera désormais : “La Soupe des renards”. Cette exposition sera aussi présenté à Alger en décembre 2009/janvier 2010."

 

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Pascal Colrat Affiche Roi Lear Theatre de l Aquarium

Pascal Colrat 5

 

Pascal Colrat CR-VE G-N-RALE 1 -2

 

Source et pour en savoir plus: http://www.pascalcolrat.fr/home-index.htm

 

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Publié le 31 Octobre 2013

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«La meilleure façon d’exprimer la lumière, c’est de parler de l’ombre. L’ombre n’existe que par la lumière et la lumière n’existe que par elle-même.»

 

Rabii Abdelkebir

 

rabii abdelkebir composition

 

Né en 1944 à Boulemane, Abdelkébir Rabi’ suit les cours de l’Ecole normale de Fès (1961) pour devenir enseignant. De 1967 à 1988, il enseigne dans les établissements secondaires. Il se forme seul à l’art en lisant des ouvrages spécialisés et en consultant les documents artistiques qu’il trouve dans les bibliothèques de la ville et en effectuant des stages artistiques en France. En 1988, il enseigne à l’université Hassan II l’Art et l’Esthétique. Il se retire de l’enseignement en 2003 pour se consacrer à la peinture. Sa première exposition personnelle a lieu en 1968 à Fès.

 

Rabi’ commence à peindre dans un style figuratif et s’achemine progressivement vers une peinture abstraite dans les années 1970. Depuis 1980, l’oeuvre de Rabi’ occupe une place tout à fait originale dans la peinture marocaine. Il se livre à une minutieuse préparation du support par des strates successives d’enduits qu’il lisse et polit. Apparaissent de vigoureux traits noirs articulés entre eux et conquis sur un blanc initial. Le signe sensible, d’un noir opaque ou transparent, est inscrit pour l’essentiel en une seule fois. Ainsi lumière et ombre s’affrontent selon les expériences intimement mêlées de la vie spirituelle et de la création picturale. Cette spiritualité intense qui sous-tend l’oeuvre lui donne amplitude et hauteur.

 

L’artiste concentre son énergie à la création de formes capables de rendre compte du déploiement infini du temps, de faire vibrer l’espace de la toile. Chaque tableau de Rabi’ résulte d’une méditation différente avec son schéma organisateur et son rythme propre, il est donc un acte de foi, au sens fort de ces deux termes et appartient à cette «vérité de la certitude» qu’évoque Rabi’ dans un de ses textes, déjouant les explications par trop rationnelles. Il est peintre, non de la matière, mais de la lumière, que captent ensemble les larges sillons noirs et la surface claire.

 

 

rabii abdelkebir as-ta

 

rabii abdelkebir composition 2

 

Source: http://www.vosartistes.com

 

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Rédigé par rafael

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