art nouveau

L'Accomplissment (détail) et l'Arbre de vie , carton provenant de la fresque du Palais Stoclet,

Les années 1902-1903 constituent un tournant dans l'œuvre de Klimt, et une période d'intense créativité. Il entame la réalisation du Cycle d'Or" avec les Serpents d'Eau, le Portrait d'Adèle Bloch-Bauer et Danaé. En 1904, le banquier belge Adolphe Stoclet lui commande la réalisation des mosaïques murales de la salle à manger d'un luxueux palais qu'il construit à Bruxelles sur les plans de l'architecte Hoffman. La richesse décorative de Klimt éclate dans L'Attente et dans L'Accomplissement, qu'il réalise pour Adolphe Stoclet.

L'Attente (détail), carton provenant de la fresque du Palais Stoclet

Source: Wikipedia

La Tentation de saint Antoine

Félicien Rops est avant tout un dessinateur ; il utilise à sa façon différentes techniques toutes ensemble, les crayons (dont de couleurs), le pastel, la détrempe, la gomme ; les dessins les plus prestigieux sont : L'Attrapade, Le Bouge à Matelots, La Tentation de saint Antoine, La Dame au cochon - Pornokrates (1879).

Félicien Rops écrit à propos de cette œuvre : « Ma Pornocratie est faite. Ce dessin me ravit. Je voudrais te faire voir cette belle fille nue chaussée, gantée et coiffée de noir, soie, peau et velours, et, les yeux bandés, se promenant sur une frise de marbre, conduite par un cochon à « queue d'or » à travers un ciel bleu. Trois amours - les amours anciens - disparaissent en pleurant (...) J'ai fait cela en quatre jours dans un salon de satin bleu, dans un appartement surchauffé, plein d'odeurs, où l'opopanax et le cyclamen me donnaient une petite fièvre salutaire à la production et même à la reproduction. » (Lettre de Félicien Rops à H. Liesse, 1879.1)

Quelques commentaires parmi d'autres suivent l'exposition de l'œuvre : « Certains voient en ce cochon à la queue dorée l'image de la luxure et du lucre pilotant la femme, qui n'a pour seule excuse que son aveuglement; d'autres y perçoivent l'image de l'homme, bestial et stupide, mené en laisse par la femme. Cette image du cochon, comme celle du pantin ou du pierrot, est partagée par bien des contemporains de Rops. »

« Avec Pornokrates, nous assistons à l'avènement en art d'une femme contemporaine, arrogante, parée, impitoyable que glorifie Rops. »

Félicien Rops est également un graveur de talent utilisant les techniques telles que la gravure à plat, la lithographie, la gravure en creux (l'eau-forte), la pointe sèche (l'aquatinte), la gravure de reproduction (l'héliogravure). Parmi ses gravures les plus connues figurent La Peine de mort, L'ordre règne à Varsovie, La Médaille de Waterloo, La Buveuse d'absinthe, La Grève, Pornokrates ou Mors syphilitica.

Rops définit ainsi sa démarche artistique, en maître de la Femme et du Désir :

« Je tâche tout bêtement et tout simplement de rendre ce que je sens avec mes nerfs et ce que je vois avec mes yeux, c'est là toute ma théorie artistique. J'ai encore un autre entêtement, c'est celui de vouloir peindre des scènes et des types de ce XIXe siècle, que je trouve très curieux et très intéressant; les femmes y sont aussi belles qu'à n'importe quelle époque, et les hommes sont toujours les mêmes. De plus, l'amour des jouissances brutales, les préoccupations d'argent, les intérêts mesquins, ont collé sur la plupart des faces de nos contemporains un masque sinistre où l'instinct de la perversité, dont parle Edgar Poe, se lit en lettres majuscules ; tout cela me semble assez amusant et assez caractérisé pour que les artistes de bonne volonté tâchent de rendre la physionomie de leur temps. ».

Pornokrates

Source: Wikipedia

Danaé, 1907-1908, Coll. particulière.

Danaé,  la légende :

Acrisios, son père, apprend d’un oracle qu’il sera tué par son petit-fils. Il enferme sa fille Danaé dans une tour de bronze. Mais Zeus séduit par la beauté de la jeune fille, l’enfante sous la forme d’une pluie d’or. De cette union nait le héros Persée.

Gustav Klimt reprend ce thème très connu et en fait une interprétation empreinte d’un  érotisme absolu. C’est certainement le plus beau tableau sur l’acte sexuel de l’art européen, elle exprime, dans sa position en fœtus, à la fois la terre sans cesse fertilisé par le ciel, l’innocence qui s’éveille au plaisir, le trouble et l’abandon face à l’amour. Sa chevelure rousse accentue la profusion ornementale chère à Klimt.

Le parc Güel d’Antoni Gaudi à Barcelone est l’une des œuvres les plus importantes de l’artiste. C’est notamment dans cette œuvre qu’il a pu mettre en pratique une partie importante de ses recherches formelles, spatiales et structurelles. Accroché à la colline, bénéficiant d’un relief très prononcé et de très belles vues sur le centre de Barcelone, le parc rassemble aussi bien des espaces paysagers que des parties très architecturées. Le relief a permis à Gaudi de créer plusieurs séquences de progression dans le parc en les superposant et en jouant sur des parcours sous arcades et des promenades en balcon sur le jardin et la ville.

La promenade commence par deux pavillons typiquement art Nouveau qui accueillent le visiteur, puis un grand escalier monumental décoré permet d’accéder à la première terrasse. Celle-ci se prolonge dans la colline par une immense salle hypostyle conçue à l’origine pour pouvoir accueillir un marché.


De part et d’autre des escaliers permettent d’accéder à l’esplanade principale implanté au-dessus de la salle, elle offre de très belles vues vers la ville, un balcon continue, tout en ondulations et décoré de faïences est devenu l’un des lieux de rencontres les plus fréquenté de la ville.


A partir de l’esplanade une série de promenades permettent de poursuivre l’ascension de la colline, certaine associent des galeries surprenantes aux colonnes penchées, des espaces sous rocailles où foisonnent les détails constructifs les plus fous. La nature, la roche et l’architecture se mêle et s’entre mêle au gré des folies et de l’imagination de l’artiste.

On les appelle les Serpentines ou les Serpents d'eau dans les légendes qu'on invente à leur sujet car nul marin n'est jamais revenu de leur monde. Elles fascinent Gustave Klimt qui les représentera dans de nombreuses oeuvres. Les Serpentines ne sont pas venimeuses, elles n'ont ni crocs ni langue fourchue, elles ne s'enroulent pas autour de leur proie pour l'étouffer. Dès qu'un bateau assombrit le lit, elles montent simplement caresser la coque de leurs dos graciles, en un ballet timide et furtif. Elles fascinent Gustave Klimt qui les représentera dans de nombreuses oeuvres.

Le trait marqué, les poses complexes générant une multiplication de lignes obliques, la chair comme tuméfiée des corps, les fonds parfois tourmentés, la provocation de certains nus ont amené à rapprocher Schiele du courant expressionniste qui marque alors les pays germaniques. Néanmoins, le peintre ne recherche pas systématiquement la stridence de la couleur comme le font ses collègues allemands. Au contraire, les figures sont souvent sur un fond blanc, accentuant encore le dépouillement de leur nudité. C'est ce même dépouillement qui le différencie de Klimt ; ce dernier ayant une "horreur du vide" caractéristique de l'Art nouveau et du Jugendstil des années 1900.

Jan Toorop est né dans l'île de Java, dans ce qui était alors les Indes néerlandaises. Il a étudié à Delft et Amsterdam (Rijksakademie van beeldende kunsten), ce qui lui a permis de développer un style basé sur un mélange de motifs javanais avec le Symbolisme et des personnages élancés et curvilignes qui préfigurent l'Art Nouveau. Sa période Art nouveau s'étale de 1891 à 1899. Il fut membre du Groupe des XX à partir de 1884. Il se marie avec Annie Hall en 1886. Il expose en 1900 et 1902 à Vienne en compagnie d'artistes de la Sécession.

 Source: Wikipedia

Ce tableau fait partie des sept oeuvres que Klimt présenta à la deuxième exposition de la « Sécession » (1898-1899). C'est à première vue une peinture assez conventionnelle. La silhouette mince de la jeune femme, sa pose gracieuse et l'effet duveteux donné à sa robe créent une impression flatteuse digne d'un portraitiste professionnel. En fait, Klimt tirait désormais l'essentiel de ses revenus de portraits de femmes, et ses clientes réagirent étonnamment bien aux représentations de moins en moins orthodoxes qu'il faisait d'elles. Ce tableau, avec son format carré et sa composition en diagonale, annonce les audaces plus perceptibles encore que l'on trouve dans les portraits de Fritza Riedler et d'Adèle Bloch-Bauer. Heureusement pour Klimt, il y avait à Vienne un certain nombre de familles de la grande bourgeoisie qui appréciaient la nouveauté dans le domaine de l'art, et il ne manqua donc jamais de clients. Sonja Knips était l'une de ses grandes admiratrices. Elle possédait plusieurs de ses oeuvres, exposées avec goût dans la demeure que lui avait construite l'architecte Josef Hoffmann.

Klimt a peint également quelques paysages, privilégiant une toile carrée (comme beaucoup d'artistes de la Sécession), avec une absence totale de personnages, ce qui donne une ambiance de particulière sérénité. Ces tableaux sont peints « sur le vif » et terminés en atelier.

  Cette œuvre s’intitule La Vie et la Mort et date de 1916. Klimt se sent vieillir et voit sa mort approcher (il mourra deux ans plus tard). Cette peinture reprend les thèmes qui lui sont chers : à droite, la Vie représentée à tous les âges de l’homme et surtout de la femme. Les corps s’enchevêtrent avec sensualité (courbes) dans une certaine sérénité, voire jouissance (visage de la femme à gauche). A gauche (sinistra en latin), la Mort veille, prête à frapper (ici au sens propre) à tout instant ; cette mort est toute empreinte de religiosité ( multiplication des croix).