art nouveau

Publié le 14 Septembre 2013

Egon schiele dessinEgon Schiele femme aux jambes étendues

 

Egon Schiele est une figure emblématique de l’art d’Europe Centrale au début du XXe siècle. Né  en 1890 à Tullin en Autriche  il devient rapidement un membre très actif de la Sécession Viennoise, influencé par Gustave Klimt il exprime tout son talent à travers la peinture mais aussi le dessin.


Il se caractérise très vite par une grande économie de moyen, un réalisme souvent à la limite des convenances de l’époque et un expressionisme très vif. Ses autoportraits témoignent d’une recherche toujours plus poussé de l’expression psychologique des personnages. Mais ce sont ses dessins qui expriment le mieux cette approché débridé, érotique et naturaliste du monde, des femmes et des hommes. Les corps sont décrits dans toute leur brutalité et leur sensualité brute. Le nu le fascine et occupe une place très importante dans son œuvre, il y trouve une vérité loin des apparences d’une société en pleine décomposition sociale et politique.
 

Egon Schiele femme de l'artiste Egon Schiele la mere
 Egon schiele Nu Egon schiele Nu (2)

 


Le corps humain devient le médium d’une expressivité artistique sans limite qui le pousse jusqu’en prison en 1912. En 1918 il succombe à la grippe espagnole, il avait 28 ans. Il laisse une œuvre incomparable d’une très grande force.

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 31 Août 2013

Tiffany vase 4

 

C'est dans le domaine du verre que Louis Comfort Tiffany (1848- 1933) est le plus connu, dans toutes ses formes : vitraux, vases, lampes, bijoux, objets divers. Il s'y intéresse dès 1870 en débutant une collection d'antiquités. Il introduit plusieurs nouveautés dans la technique de verrier dont certains ont fait l'objet de brevets : « verres drapés » où la pâte en fusion est repliée sur elle-même, emploi de plusieurs couches superposées, inclusion de morceaux de verre coloré... Son apport le plus remarquable est la création de son « verre Favrile » qui inclut des sels métalliques.

La création de « vitraux Tiffany » a été une activité importante pour Tiffany qui a produit plusieurs milliers d'exemplaires dans son atelier. Concevant le dessin, il a été aidé pour cela par son équipe, dont les membres les plus connus furent Agnès Northrop et Frederick Wilson. Les thèmes prédominants étaient la religion et les paysages. Sa technique délaisse le traditionnel serissage au plomb au profit d'un enrobage des vitraux avec un ruban de cuivre autocollant sur lequel est appliqué de la graisse à soudure afin de faciliter l'adhérence de l'étain de soudure.

Ses multiples lampes restent l'une de ses créations les plus connues, même si Tiffany ne goutait guère à la production de masse qu'elles impliquent, préférant implicitement la fabrication d'œuvres uniques. Elles coïncident avec l'apparition de l'éclairage électrique. Leurs décors floraux ont fait une partie de la réputation de l'artiste.

 

Tiffany vase 3

 

Tiffany vase

 

Tiffany vase 5Tiffany vase 2

 

Photos: Metropolitan Museum New-York.

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 29 Août 2013

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En 1895, le collectionneur et marchand français d’origine allemande Samuel Bing ouvre à Paris un magasin d'objets d'art et le baptise « L'Art nouveau », reprenant ainsi l'expression créée par la revue belge l'Art moderne, fondée en 1881.

Ce terme d’« Art nouveau » sera utilisé pour qualifier les créations des architectes et décorateurs avant-gardistes de la fin du XIXe et des premières années du XXe. Le mouvement se manifestera à une échelle internationale, s’étendant de Londres à Vienne et à Chicago.

L’emploi de lignes sinueuses, de courbes et de formes organiques représentera l’une de ses caractéristiques majeures.

L'expression « Art nouveau » consacre un phénomène exprimé sous un grand nombre d'appellations, et, parfois, de sobriquets : en Autriche et en Allemagne, le Jugendstil (« style des jeunes ») succède au Neustil (« style nouveau »), tandis que le Sezessionstil (« style de la Sécession ») reste cantonné à Vienne. Les États-Unis connaissent le style Tiffany, la Grande-Bretagne le mouvement Arts and Crafts, les Pays-Bas le Nieuwe Kunst et la Belgique le mouvement ou ligne belge et le style Horta. En Espagne, on parle de Arte joven ou de modernismo, en Italie de Stile floreale ou de Stile Liberty, de style 1900, nouille, métro, voire rastaquouère en France.

 

Félicien Rops Pornokratesjean Delville l'ecole de platon détailCarlos Schwabe l'abge de la mort

Pornokrates de Félicien Rops, jean Delville l'Ecole de Platon détail, l'Ange de la mort de Carlos Schwabe

 

L'Art nouveau a pour ambition de fonder un style qui ne doive rien au passé et qui puisse imprégner tous les niveaux de l'activité quotidienne, de l'architecture à la mode vestimentaire, dans la rue comme dans les intérieurs. Le but final en serait l'œuvre totale (appelée Gesamtkunstwerk par les Allemands), où se résumeraient les aspirations à la modernité d'une société en pleine transformation. Mais, au lieu de donner le pas à l'ingénieur – ou au designer – sur l'artiste, comme le fera le XXe, l'Art nouveau pense que l'artiste seul est en mesure de donner au monde moderne un visage harmonieux.

 

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Gaudi, Barcelone, détails d'architecture

 

Le regain d'intérêt pour la période médiévale apparu dans la seconde moitié du XIXe, tant en Europe qu'aux États-Unis, a une incidence certaine sur l'émergence de l'Art nouveau : ainsi, à l'exemple des sculpteurs de chapiteaux des cathédrales médiévales, certains artistes opèrent un retour à l'observation et à l'imitation de la nature tout en produisant de nouvelles formes, dans de nouveaux matériaux.

L'architecte et théoricien français Eugène Viollet-le-Duc, dans ses Entretiens sur l'architecture, (1863-1872) stigmatise la platitude des décors néoclassiques, qui ne correspondent plus aux réalités de l'époque.

En Angleterre, William Morris, disciple de John Ruskin, ouvre la voie au renouveau stylistique en s'insurgeant – à l'instar des préraphaélites, auxquels il se lie – contre le manque d'imagination de ses contemporains. En 1861, il ouvre à Londres le premier magasin consacré à la maison et à sa décoration. L'objet d'art y est placé en harmonie avec son environnement.

 

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Hokusai

 

Avec l'ouverture du Japon aux étrangers, vers 1860, les Occidentaux se passionnent pour les objets extrême-orientaux, dont ils apprécient la sophistication des formes et la richesse des matériaux. Le japonisme, comme les autres courants, régénère l'inspiration des créateurs.

 

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Blossfeldt, Photos de plantes

Désireux de donner de nouveaux fondements à l'art, les artistes de la fin du XIXe multiplient textes et interventions et se dotent de nombreuses institutions : revues, expositions, salons, groupes et associations. Le peintre et affichiste Eugène Grasset publie notamment un recueil de botanique appliquée à l'art : la Plante et ses applications ornementales. Le peintre Henry Van de Velde publie en 1895 à Bruxelles ses Aperçus en vue d'une synthèse de l'art, tandis que l'architecte belge Victor Horta prône un renouvellement des motifs décoratifs inspiré directement de la nature. Il écrit : « Préfère la tige et le bouton à la fleur éclose. » La plante gonflée de sève, à la tige sinueuse, séduit parce qu'elle devient symbole de ce printemps de l'art, de cette renaissance esthétique. Ver Sacrum (« le Printemps sacré »), revue autrichienne de la Sezession (mouvement de la « Sécession »), le révèle bien par le choix de son titre.

 

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Bijoux de Lalique, Affiche de Mucha

 

Le renouveau de l'art passe par la refonte de la hiérarchie artistique. La distinction entre arts majeurs et arts mineurs est abolie : l'artiste, soucieux d'implanter l'harmonie dans la vie quotidienne, ne conçoit plus l'objet isolé de son environnement. Désormais, l'art est dans tout, et il découle de l'utile. Cette liaison du beau et de l'utile apparaît dans un contexte de révolution industrielle: la machine inquiète et séduit à la fois, car elle déshumanise le travail tout en produisant pour le plus grand nombre. L'art est offert à tous et s'attache à tous les domaines : William Morris, assez proche des utopistes, ne dessine-t-il pas des papiers peints ou des objets destinés à la production industrielle ? Lutter contre l'académisme, c'est aussi lutter contre l'élitisme, car, selon Van de Velde, « ce dont seule une minorité profite est à peu près inutile ». Le retour à l'observation non conventionnelle de la nature, l'abolition de la distinction entre arts majeurs et arts mineurs concourent à ouvrir l'art au plus grand nombre. L'artiste devient militant, et se trouve investi d'un rôle essentiel : faire entrer la beauté dans la vie.

 

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 Vases de Tiffany et Gallé

 

De nouveaux buts et de nouvelles sources d'inspiration appellent de nouveaux matériaux : tandis que les motifs floraux sont reproduits à l'infini sur les tissus, papiers peints, reliures, affiches, meubles, et que l'image de la femme, tant bénéfique que maléfique, se trouve à la fois exaltée et banalisée comme un simple motif décoratif, l'architecture voit s'imposer l'utilisation du fer, du verre, de la céramique. Dévoilée, la structure métallique de l'édifice devient aussi ornement. L'architecte français Hector Guimard recouvre nombre de ses façades de fonte travaillée avec liberté : la matière semble saisie en pleine métamorphose. La virtuosité des maîtres verriers – Paul Daum, Émile Gallé, René Lalique, Louis Comfort Tiffany – n'a d'égale que leur inventivité. Adapter le matériau à la modernité du temps (utilisation du béton) ou révéler celui qu'on négligeait (adoption de la brique, économique et décorative) devient une exigence essentielle.

 

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Eugène Vallin, salle à manger à Nancy.

 

Pour réintroduire l'harmonie dans le décor de la vie quotidienne, les architectes de l'Art nouveau prévoient jusqu'aux plus petits détails du mobilier et de l'aménagement intérieur.

L’emploi de lignes courbes et d’éléments végétaux et floraux est généralisé mais Glasgow et Vienne conservent à la ligne droite et aux surfaces nues une fonction particulière (Charles Rennie Mackintosh, Josef Hoffmann). La production de mobilier est partout florissante. La céramique, où Gauguin a pu faire figure de pionnier, est illustrée par de nombreux artisans remarquables comme le Danois Thorvald Bindesbøll, le Néerlandais Theodoor Colenbrander, auxquels il convient de joindre le Français Henri Cros, spécialiste de la pâte de verre. La verrerie, le bijou connaissent un véritable âge d’or. Si les broderies les plus déliées sont dues au sculpteur suisse Hermann Obrist, la Grande-Bretagne est la productrice des plus beaux tissus imprimés, les chintz d'Arthur H. Mackmurdo et de Charles F. Annesley Voysey.

 

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Illustration de Beardsley, Affiches de Mucha

Les répercussions de l'Art nouveau sur l'art du livre constituent un de ses aspects les plus passionnants. Non seulement l'époque abonde en livres illustrés remarquables, mais c'est la conception même du rapport texte-illustration qui se voit bouleversée, tandis qu'apparaissent de nouveaux caractères typographiques. Les plus grands illustrateurs du mouvement sont, en Grande-Bretagne, Walter Crane, Aubrey Beardsley, Frank Brangwyn, Edmund Dulac et Arthur Rackham, en Belgique Georges Lemmen, en France Eugène Grasset, en Allemagne Peter Behrens, Melchior Lechter, Thomas Theodor Heine, en Italie Alberto Martini, en Russie Ivan Bilibine. À la suite de William Morris, qui crée en 1890 son célèbre Golden Type, Georges Auriol et Grasset à Paris, Koloman Moser à Vienne et surtout Otto Eckmann à Munich vont révolutionner la typographie. La reliure est surtout représentée par le Néerlandais Carel Adolph Lion Cachet et le Nancéien René Wiener. L'affiche Art nouveau, de son côté, est d'une somptuosité et d'une efficacité rarement atteintes depuis, avec ses maîtres incontestés, Mucha et Bradley, et aussi Beardsley, Grasset, G. de Feure, Moser… Enfin, c'est à l'Art nouveau qu'un genre à ses débuts, la bande dessinée, doit son chef-d'œuvre : Little Nemo in Slumberland, de l'Américain Winsor McCay (1889-1934).

 

Klimt le baiser the Kiss (2)Franz von stuck JudithGustav Adolf Mossa Elle 1905

Le Baiser de Klimt, Judith de Franz von Stuck et Elle de Gustav Adolf Mossa

 

Dans une large mesure, la peinture de l'Art nouveau et la peinture symboliste se confondent. En effet, l'une et l'autre reçoivent l'héritage préraphaélite et ses thèmes de prédilection, l'exaltation (maléfique ou bénéfique) de la femme en premier lieu. Mais si la sensibilité est la même, une différence très nette s'établit au niveau de l'expression, par exemple lorsqu'on compare l'Autrichien Gustav Klimt au Français Gustave Moreau. Aux réflexions sur les mythes du second, les compositions du premier s'opposent comme un cri à une méditation. Gauguin et Munch exceptés, qui le débordent en tous sens, les peintres qui incarnent le mieux l'Art nouveau sont : en Angleterre, Walter Crane ; en Suisse, Ferdinand Hodler ; en Belgique, Fernand Khnopff ; en Autriche, Gustav Klimt ; en Italie, Giovanni Segantini ; aux Pays-Bas, Johan Thorn Prikker et Jan Toorop. Dans le domaine de la sculpture les figures majeures sont Gaudí et Hermann Obrist.

 

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Gaudi à Barcelone

 

Si l'on ne retenait que l'influence de Morris ou de Van de Velde, peintres venus à l'architecture, celle-ci pourrait paraître sous la dépendance des arts plastiques. Mais, tout en préférant pour son décor, comme les arts appliqués, les formes végétales à la répétition des éléments classiques ou aux pastiches « de style », l'architecture profitera davantage de la volonté d'ouverture aux réalités contemporaines, qui est l'un des points de la « doctrine » de l'Art nouveau ; elle fera siennes les conclusions des « rationalistes » du XIXe, utilisant les techniques récemment mises au point pour le fer, le verre, etc. En rompant délibérément avec un art qui ne disposait plus que de formules épuisées, l'Art nouveau a préparé la révolution architecturale des « années 1920 » ; s'il ne la réalisa pas lui-même, c'est parce que l'emploi du béton armé devait remettre tout en question. Gaudi restera l'une des figures majeurs de ce mouvement.

 

Dès son apparition, l'Art nouveau déclenche des polémiques dans un contexte artistique figé par le néoclassicisme. « Laissez tomber les anciennes traductions des vieux styles », clament les créateurs de l'Art nouveau. Le propos porte autant sur l'art que sur la société, et il explique sans doute la violence des réactions des contemporains. Le caractère international de l'Art nouveau inquiète, et ses liens avec le socialisme effraient. Cet « internationalisme » explique l'ampleur et la soudaineté du succès du mouvement, mais cela fut aussi un de ses points faibles.

 

Tous les articles sur l'Art Nouveau: http://www.lankaart.org/categorie-10919840.html

Source: http://www.larousse.fr

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 6 Juillet 2013

John La Farge Autumn

 

John La Farge (1835 - 1910) est un peintre américain, artiste au réalisme sensible il exécuté de nombreuses décorations notamment à l'église de la Trinité à Boston et à l'église de l'Ascension à New-York. Il fut également illustrateur et peintre verrier. Il voyagea au Japon et dans les îles. il fut considéré comme un marginal à son époque.

 

John La Farge Spring

 

John La Farge Pivoines agitées par le vent

 

John la farge visage

 

DA

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 1 Avril 2013

Alphonse Osbert muse

 

 

A la fin du XIXe Alphonse Osbert mène des expériences plus poussées sur la lumière, où il se rapproche du Salon des indépendants, où il rencontre Maurice Denis et surtout Puvis de Chavannes. Sa peinture devient de plus en plus décorative, dans le sillage du maître, et connaît un succès grandissant dans un monde de l’art, qui évolue lui-même grandement : Osbert participe au salon de la Rose+Croix (son esthétique est très proche de celle prônée par le Sâr Péladan) et fréquente Stéphane Mallarmé. Soutenu par le journal La Plume et reconnu par la critique, il reçoit les artistes dans son atelier et devient ainsi un des principaux peintres symbolistes. Son style ne se renouvelle que peu après 1900. Toutefois, le succès est acquis : il expose partout en France et à l’étranger et, soutenu par l’État, reçoit des commandes importantes. C’est entre autres la décoration du hall de l’établissement thermal de Vichy (1902-1904) ou celle de la salle des séances de la mairie de Bourg-la-Reine (1911-1913).

 

Alphonse Osbert Chant du soir 1906

 

Alphonse Osber antique

 

Alphonse Osber sappho

 

alphonse Osbert nuit

 

 Source: Wikipedia

 

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Publié le 11 Janvier 2013

Mucha Cathédrale Saint Guy Prague

 

Mucha s'installe définitivement à Prague en 1928 et réalisera la décoration du Théâtre National et de la Maison Municipale, un complexe réunissant salles de concert, salles de réceptions et d'expositions, restaurant ainsi que les vitraux pour la cathédrale. Ensemble unique d'une très grande beauté.

 

Mucha vitraux cathedrale pargue (6)

 

 

Mucha vitraux cathedrale pargue (10)Mucha vitraux cathedrale pargue (11)

 

Mucha vitraux cathedrale pargue (2)

 

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Mucha vitraux cathedrale pargue (5)Mucha vitraux cathedrale pargue (8)

 

Photos: lankaart (c)

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 27 Décembre 2012

Jean delville L'homme dieu

 

LA PRIÈRE D'UN MAGE

 

                           

Mon âme est devant vous comme un aigle altéré,

ô vous, Dieu de Lumière où convergent les mondes !

Je viens, atome obscur, des géhennes profondes

où l'Erreur et l'Humain réunis ont erré.

 

Les faux dieux teints de sang et les vapeurs immondes

de l'argile instinctif par l'enfer généré

roulent, forces du mal, sous mon vol éthéré,

aux tragiques chaos des choses infécondes.

 

O, vous, Dieu des Splendeurs dont l'idéal sourit

à la beauté des corps et celle de l'esprit,

dans le pétrissement de nos germes informes,

 

hors du nombre et du temps, parmi l'illimité,

vous êtes l'essence immortelle des formes,

et la Terre un soupir de votre éternité!

 

jean Delville fresque l'homme dieu détail

 

jean delville homme dieu

 

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 20 Décembre 2012

Gustav Adolf Mossa Elle 1905

 

Artiste à la production polymorphe, Gustav-Adolf Mossa laisse derrière lui, outre son œuvre picturale, un grand nombre de textes parmi lesquels des livrets d'opéras ou autres pièces lyriques. Il faut considérer son œuvre dans ses rapports avec la musique, la peinture et la littérature. Il a puisé son inspiration dans l'œuvre des grands écrivains dont il était un lecteur assidu et en particulier Baudelaire.

Ses œuvres aux compositions souvent dramatiques, aux dessins fouillés, souvent caricaturaux, analysent des situations de vie en font preuve d'une certaine lucidité psychologique.

L'œuvre de Gustav-Adolf Mossa est un ensemble de références à des mythes, des fables qu'il manie tel un psychanalyste : conflits des pulsions de vie et des pulsions de morts, Éros et Thanatos et plus particulièrement dans la représentation de Salomé qui hante presque tous les symbolistes, mais aussi dans celles de Sapho et Dalila.

 

Gustav Adolf Mossa marie magdeleine 1907

 

gustav adolf Mossa la mort

 

Gustav Adolf mossa dessin

Source: Wikipedia

 

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Publié le 7 Décembre 2012

Klimt le baiser the Kiss (2)

 

A la charnière entre les XIXe et XXe siècle, entre académisme et modernité, l'art entre dans une période de création originale et nouvelle dont Klimt est un bon exemple.

 

Par sa conception moderne de l'art, Klimt s'inscrit dans le mouvement de la Sécession Viennoise dont il est le premier Président et qui veut s'éloigner des règles esthétiques et techniques de l'Académie en recherchant une autre expressivité. Il s'inspire du symbolisme de même que des estampes japonaises. Le rôle de l'art doit connaître une nouvelle définition dans la société et cette recherche s'exprime ici avec le Baiser.

 

Un couple est enlacé sur un parterre de fleurs à l'image d'une prairie, et est enveloppé dans un ample vêtement doré. La décoration de ce dernier, à l'image d'une mosaïque, varie selon le sexe : des rectangles noirs et blancs pour l'homme, des cercles colorés pour la femme. De cet ensemble émergent les têtes et les mains qui constituent l'expression la plus forte de l'intimité dans cette peinture. La femme agenouillée se donne à son compagnon les yeux fermés et se laisse aller à la passion de l'amour. Cette peinture évoque un monde d'harmonie où le couple est isolé dans la sublimation du sentiment amoureux, ignorant du monde réel et évoluant ensemble dans une même impression de puissance amoureuse. Klimt assimilait le plaisir sexuel à la joie artistique et lui donnait une dimension spirituelle. Il était aussi particulièrement attaché à la représentation d'une beauté idéale.

 

Cette peinture, initialement placée dans la salle à manger du palais Stoclet à Bruxelles est ensuite acquise par la Österreichische Galerie de Vienne.


Klimt le baiser the Kiss

 

Source: Clio

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Publié le 28 Novembre 2012

Hodler paysages

 

Hodler est considéré comme le peintre suisse qui a le plus marqué la fin du XIXe et le début du XXe siècle. Il est  un fervent paysagiste et, dès 1890, stylise fortement ses thèmes, au point que ses lacs et massifs montagneux se transforment en métaphores de l'éternité. Hodler, en cette fin de XIXe siècle, s'approche de l’expressionnisme avec des figures colorées et géométriques.

 

Hodler paysages (2)

 

Hodler paysages (3)

 

Hodler paysages (4)

 

Hodler paysages (5)

 

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Rédigé par rafael

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