art moderne

Publié le 18 Janvier 2020

Bissière - Composition 1957

Bissière - Composition 1957

Bissière - Les quatre saisons

Bissière - Les quatre saisons

Roger Bissière (1886-1964) est un peintre français de la nouvelle Ecole de Paris. Dès 1914 il expose à paris et se lie avec André Lhote, Georges Braque; Juan Gris et André Flavory. Il participe dans les années 20 au développement de la revue L'Esprit Nouveau aux côtés de Le Corbusier et Ozenfant. Tout à la fois critique, journaliste, professeur et peintre il est l'un des acteurs du mouvement moderne à Paris dans les années trente. 

Bissière cesse, pendant la guerre, de peindre, pratiquant durant la décennie suivante d'aventureuses activités, « la culture avortée de la lavande » (12 000 pieds) ; « l'élevage romantique du mouton confié à la garde d'une ancienne élève, Charlotte Henschel, rescapée du nazisme et de l'académie Ranson ; l'entreprise forestière avec un compagnon nommé Manessier ; l'élevage de la vache (17 têtes et pas une goutte de lait) ; la transformation d'une Alfa Romeo de course en gazogène ; les fours à charbon de bois ; le déboisage à la jeep... », écrit Walter Lewino.

 

« Dix ans de solitude et de silence c'est long.
Pendant dix ans je n'ai eu pour confidents que moi-même et quelques vaches paisibles que je menais paître le long des prés et des bois, sous le soleil et les nuages. […]
J'ai oublié bien des choses inutiles. J'en ai appris d'essentielles.
Peut-être ai-je appris à regarder en moi-même.
Les bêtes, les arbres, le vent et le soleil, ce qu'aima tant le petit frère d'Assise, tout cela a pris pour moi un sens nouveau, son sens véritable.
Un sens profond, dense et lourd.
Je me suis senti saturé d'un monde d'images et de couleurs dont il fallait absolument s'alléger. […]
Et si quelques-uns, ayant regardé s'attardent et sentent sourdre quelque sympathie pour l'homme que je suis, j'aurai gagné.
Si j'ai perdu et si nul ne me tend la main, je remettrai les miennes dans mes poches, plus profondément »
Roger Bissière

 

Il revient à la peinture dans les années 50. 

« J'ai dû bien mal m'exprimer puisque vous avez conclu que je tenais à être un peintre abstrait. Or je n'ai cessé de répéter que j'étais non figuratif, je me refusais absolument à être abstrait. Pour moi un tableau n'est valable que s'il a une valeur humaine, s'il suggère quelque chose, et s'il reflète le monde dans lequel je vis. Le paysage qui m'entoure, le ciel sous lequel j'évolue, la lumière du soir ou du matin. Tout cela je ne cherche pas à l'imiter, mais inconsciemment je le transpose et le rétablis dans tout ce que je fais. […] Pour moi un tableau abstrait est un tableau raté, toute vie en est absente, c'est comme ceux qui empaillent le monde. »

Roger Bissière

Bissière - Hommage à Théocrite - 1946

Bissière - Hommage à Théocrite - 1946

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Publié le 6 Janvier 2020

Shreve, Lamb et Harmon - 245 Park Avenue, New York City

Le 245 Park Avenue à New-York est un gratte-ciel de 198 m de hauteur, construit en 1967, il est l'oeuvre des architectes Shreve, Lamb et Harmon. Connus pour avoir réalisé l'Empire State Building à New-York, ils ont pour le 245 Park Avenue pris un parti résolument moderne dans la veine des grandes réalisation de Mies Van der Rhoe. 

(c) Lankaart

 

 

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Publié le 2 Janvier 2020

Franck lloyd Wright - Dessins
Franck lloyd Wright - Dessins
Franck lloyd Wright - Dessins
Franck lloyd Wright - Dessins

Les dessins de Franck lloyd Wright illustrent parfaitement les intentions du célèbre architecte américain: intégration à la nature, dialogue des formes simples, silhouettes épurées et élégantes. Réalisés au crayon selon une technique constante durant toute sa carrière ils sont le vivant témoignage de l'art assumé du maître. Auteur de nombreux projets, tours, musées, hôtels et surtout maisons dans le style Prairie qui caractérise les années 30.

(c) Lankaart

Franck lloyd Wright - Dessins
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Publié le 26 Décembre 2019

Le Corbusier - Paris - Maison du Brésil - Photos: Lankaart (c)
Le Corbusier - Paris - Maison du Brésil - Photos: Lankaart (c)

Le Corbusier - Paris - Maison du Brésil - Photos: Lankaart (c)

Au sud-Est de la Cité Universitaire à Paris la Maison du Brésil a été fondé en 1959, le bâtiment illustre la collaboration entre Lucio Costa, célèbre architecte brésilien installé à Rio de Janeiro et l'Atelier de Le Corbusier, en charge entre autre du suivi de la réalisation. Se style moderne il évoque par bien des aspect le bâtiment construit non loin, rue du Chevaleret, par Le Corbusier pour l'Armé du Salut: la Cité du Refuge.

(c) Lankaart

Le Corbusier - Paris - Maison du Brésil - Photos: Lankaart (c)
Le Corbusier - Paris - Maison du Brésil - Photos: Lankaart (c)
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Publié le 12 Octobre 2019

Église Notre-Dame de Royan - Vitraux - Claude Idoux - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan - Vitraux - Claude Idoux - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan - Vitraux - Claude Idoux - Photos: Lankaart (c)

Église Notre-Dame de Royan - Vitraux - Claude Idoux - Photos: Lankaart (c)

Claude Idoux durant les années 50 et 60, en compagnie de Lenormand, fait des recherches pour synthétiser l'inconscient et la foi dans une fusion entre le surréalisme et l'art sacré. Ils étudient les fresques du Moyen Âge et modernisent ces techniques. « Les toiles de Idoux pourraient être comparées à des épures de décomposition de rayons lumineux en spectres prismatiques, s'entrecroisent en figures compliquées, mêlant leurs couleurs limpides » (Emmanuel Bénézit)

Sa contribution à la réalisation de l'Eglise Notre Dame de Royan et notamment son travail sur les vitraux sont remarquables.

Source: Wikipedia

Église Notre-Dame de Royan - Vitraux - Claude Idoux - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan - Vitraux - Claude Idoux - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan - Vitraux - Claude Idoux - Photos: Lankaart (c)

Église Notre-Dame de Royan - Vitraux - Claude Idoux - Photos: Lankaart (c)

Église Notre-Dame de Royan - Vitraux - Claude Idoux - Photos: Lankaart (c)
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Publié le 8 Octobre 2019

Simon et Morisseau - Royan - Marché central - Photos: Lankaart (c)
Simon et Morisseau - Royan - Marché central - Photos: Lankaart (c)

Simon et Morisseau - Royan - Marché central - Photos: Lankaart (c)

"Avec les villes de Dunkerque, Toulon, Le Havre, Saint-Dié et Calais, Royan fait partie des villes classées « laboratoire d'urbanisme et d'architecture moderne » en 1949. Cette décision gouvernementale visait à reconstruire rapidement ces villes détruites à plus de 80 % pendant la Seconde Guerre mondiale, en utilisant les techniques les plus innovantes en matière d'architecture. De fait, Royan compte de nombreux édifices datant des années 1950 portant la marque, ou du moins ayant subi l'influence, des grands architectes de l'époque : Le Corbusier, Oscar Niemeyer, Guillaume Gillet, pour ne citer que les principaux. " Wikipedia

Le marché central construit entre 1953 et 1956 par les architectes Simon et Morisseau fait partie des bâtiments les plus remarquables de cette époque. D'inspiration typiquement brésilienne la couverture toute en ondulations utilise la technique du voile mince en béton (7 cm). la forme évoque les coquillages, les vagues, le sable, la mer, la plage.

Simon et Morisseau - Royan - Marché central - Photos: Lankaart (c)
Simon et Morisseau - Royan - Marché central - Photos: Lankaart (c)

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Publié le 6 Octobre 2019

Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)

Église Notre-Dame de Royan - Photos: Lankaart (c)

Royan, sur la côte ouest de la France,  fut en grande partie détruite par des bombardements alliés lors de la seconde guerre mondiale. Le 5 janvier 1945 l'église de Notre-Dame de style néo-gothique fut entièrement détruite. Lors de la reconstruction de la ville de Royan les édiles décidèrent de reconstruire l'Eglise Notre-Dame mais dans un style moderne affirmé. La conception et la réalisation de l'édifice sous la direction des architectes Guillaume Gillet et Marc Hébrard aboutirent en 1958.

Chef d'oeuvre de l'art moderne cette église d'inspiration gothique peut accueillir 2 000 personnes, la nef centrale d'une hauteur de 36 mètres constitue un espace unique. Le béton brut employé pour la construction démontre ici toutes ses qualités plastiques.

 

Lankaart (c)

 

Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)

Église Notre-Dame de Royan - Photos: Lankaart (c)

Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
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Église Notre-Dame de Royan - Photos: Lankaart (c)

Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)

Église Notre-Dame de Royan - Photos: Lankaart (c)

Église Notre-Dame de Royan  - Photos: Lankaart (c)
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Publié le 24 Septembre 2019

Munch - La Mort de Marat - Photos: Lankaart (c)
Munch - La Mort de Marat - Photos: Lankaart (c)

Munch - La Mort de Marat - Photos: Lankaart (c)

Munch a peint deux tableaux sur le thème de la mort de Marat. Lors de ses séjours parisiens il avait pu admirer l'oeuvre de David peinte en 1793. Dans cette oeuvre, aux couleurs sublimes, Charlotte Corday apparaît dans toute sa splendeur morbide, symbole de la détresse et des désillusions d'une relation amoureuse qui s'achève dans le crime et le sang. 

Pour Munch, cette relation s'apparente à celle qu'il entretien avec sa maîtresse Tulla Larsen qui en 1902 le blesse à la main d'un coup de revolver. On peut noter dans le tableau la main droite ensanglantée de Marat qui fait écho au drame qu'a vécu le peintre. 

Lankaart (c)

 

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Publié le 24 Juin 2019

Macke - Kairouan

Macke - Kairouan

Macke - Kairouan III

Macke - Kairouan III

En avril 1914, à l'aube de la première guerre mondiale, les trois artistes et amis Paul Klee, August Macke et Louis Moilliet entreprirent leur légendaire voyage en Tunisie. Une’« émulation » créatrice fascinante a nourri l'inspiration des trois amis durant ce voyage et a permis, notamment à Klee et à Macke, des réalisations exceptionnelles sur le plan artistique.

En l’espace de deux semaines, durée du séjour en Tunisie, Paul Klee  créa 35 aquarelles et 13 dessins, August Macke 33 aquarelles et 79 dessins exécutés dans trois carnets d’esquisses. Quant à Louis Moilliet, qui ne fut pas aussi productif sur place, il créa ses œuvres les plus marquantes lors de séjours ultérieurs au Maroc et dans le sud de l’Espagne. Pendant longtemps, la Tunisie resta pour Klee une importante source d’inspiration. Sa création fut sans cesse stimulée par le souvenir de ce voyage ou par les travaux qu’il réalisa sur place ; et on compte, jusqu’au début des années trente, plus de 20 œuvres se rapportant à cet événement.

Le voyage en Tunisie est un événement clé pour comprendre l'art du XXe siècle . 

Source: Centre Kleel de Berne - Zentrum Paul Klee

Klee - Kairuan

Klee - Kairuan

Klee - Tunisie

Klee - Tunisie

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Publié le 20 Juin 2019

Derain - Pierrot et Arlequin

Derain - Pierrot et Arlequin

Ce célèbre tableau du musée de l’Orangerie est une commande de Paul Guillaume à André Derain. Ce dernier choisit de représenter deux personnages de théâtre, de la commedia dell’arte italienne : Arlequin dans son costume à losanges colorés, coiffé d’un bicorne, et Pierrot dans son habit blanc à collerette, la tête recouverte d’une calotte noire. Parmi les peintres, Paul Cézanne (1839-1906), Auguste Renoir (1841-1919) et Pablo Picasso (1881-1973) s’étaient déjà intéressés à ce thème de saltimbanques en vogue depuis le XVIe siècle.
Derain crée cependant une œuvre originale : Arlequin et Pierrot, un genou levé, jouant tous deux de la guitare, sont figurés sur un fond neutre, dans une danse sans fin, tels des marionnettes ou des pantins. Leur regard ne se rencontre et l’expression de leur visage est grave. La toile dégage donc une certaine mélancolie. Derain prépara cette œuvre par de nombreux dessins préparatoires. Il soigna aussi la petite nature morte située en bas à droite du tableau qui cale la composition. On a enfin reconnu dans Pierrot un portrait de Paul Guillaume.
Cette toile fut publiée plusieurs fois du vivant du commanditaire. On la reconnaît sur une photographie de son appartement de l’avenue de Messine. Derain évoque cette œuvre à l’arrière-plan du portrait de Domenica Guillaume qu’il réalisa en 1928-1929, conservé au musée de l’Orangerie.

Provenance : Paul Guillaume ; Domenica Walter

Musée de l'Orangerie

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Rédigé par rafael

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