Publié le 10 Mars 2015

mende masque sierra leone

Musée de Tervuren, Bruxelles

 

Les masques Sowei sont utilisés dans le cadre du Poro, la société secrète féminine des Mende que l’on retrouve au Liberia, au Sierra Leone et en Guinée. Ils sont portés par des femmes, mais ce sont toujours des hommes qui les sculptent.

Le masque sowei est utilisé durant les cérémonies d’initiation des jeunes filles au sein des sociétés secrètes féminines sande, parfois aussi appelé bundu. Le masque comme c’est le cas généralement en Afrique noire a pour fonction de donner vie aux esprits. C’est sans doute une des raisons pour laquelle il n’est en général pas porté par les femmes qui contrairement aux hommes donnent vie de façon naturelle par l’enfantement. Dans le cas du masque sowei, il s’agirait de l’esprit de la société sande. Cet esprit féminin serait symbole de fécondité et sortirait des eaux à l’occasion du rituel. Le masque est de type heaume (porté à la manière d’un casque) et représentant une tête de femme au large front bombé.

 

Les caractéristiques communes aux différents masques sowei, sont liées aux symboles de beauté, de richesse et de bonne éducation. La petite bouche fine et le petit menton triangulaire seraient signes de sagesse et de beauté - les yeux clos en amandes feraient référence au monde des esprits mais aussi à une attitude d’humilité et de réserve - les plis du cou seraient à la foi une marque de beauté, un signe de prospérité mais feraient aussi référence aux remous produits lorsque l’esprit sort de l’eau. - Le front grand et proéminent symbolise l’intelligence et la sagesse – la coiffure sophistiquée serait signe de richesse et de noblesse - la peau lisse et noir entretiendrait le mystère. Rarement les masques sowei comportent des marques de scarifications. Celles-ci peuvent parfois être présentes sur les pommettes du visage, mais n’y seraient que dans un but esthétique et sans signification symbolique.

 

Source: Musée de Tervuren, Wikiversité

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ARTS PREMIERS AFRIQUE

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Publié le 9 Mars 2015

Scythe - Bijoux

L’art scythe est essentiellement animalier : il réussit à reproduire toutes les poses qu’un animal peut prendre avec un extraordinaire sens du mouvement. Ce trait se retrouve chez tous les peuples de la steppe mais jamais il n’égale la perfection des Scythes. C’est un art populaire, pratiqué par la communauté tout entière comme en témoignent les pièces de harnachement des chevaux où le style scythe animalier est le plus manifeste. Ce peuple de nomades a privilégié la représentation des animaux réels qu’il pouvait observer quotidiennement dans la steppe ou d’animaux mythiques composites comme le griffon. Parmi les animaux réels, il faut souligner une prédilection pour les cervidés, représentés sur les objets courants ou sur de splendides bijoux, avec de très longues cornes s’étendant en arrière sur toute la longueur du corps de l’animal. Cette prééminence du motif du cerf est peut-être à rapprocher de certaines croyances considérant cet animal comme le conducteur des âmes vers l’au-delà. Outre les cervidés, les animaux le plus souvent représentés sont le léopard, les oiseaux, et notamment les rapaces, le sanglier, l’ibex, l’ours, le loup et les poissons. Les réalisations artistiques scythes traduisent un goût prononcé pour l’or. L’extraordinaire quantité d’objets en or retrouvés dans les kourganes a de quoi étonner plus d’un archéologue : diadèmes, colliers, ceintures, bracelets, boucles d’oreille, bagues, torques, pendentifs, amulettes, perles, boucles… Sur la plupart des défunts, on a retrouvé des pendants d’oreille et bien souvent des bagues à tous les doigts. L’or était utilisé pour décorer les armes, la vaisselle, les vêtements. Cet or provenait certainement des gisements réputés des monts Altaï. Bien que la vie nomade ne permît pas l’établissement d’artisans à demeure, les Scythes surent remarquablement maîtriser les techniques de l’orfèvrerie : travail au repoussé, bijoux cloisonnés… D’innombrables objets de la vie courante sculptés ou découpés dans le bois, la corne et le cuir témoignent des préoccupations esthétiques du peuple scythe. Seule exception, la poterie dont les productions locales étaient assez ordinaires d’où le recours à l’importation de poteries grecques.

Scythe - BijouxScythe - Bijoux
Scythe - BijouxScythe - Bijoux

Certains des objets retrouvés sont vraisemblablement issus de butin de guerre ou de cadeaux faits par les souverains voisins pour acheter la paix avec ces turbulents nomades. Il semble ausi que des artisans d’origines étrangères (Assyriens, Ourartéens, Grecs) s’étaient installés en Scythie même : ils développèrent un artisanat plus pécifiquement scythe, enrichi d’éléments proche-orientaux. L’art scythe conjugue l’art animalier des peuples de la steppe avec des influences perses (incrustations de pierres précieuses dans les bijoux) et hellénistiques (représentation des figures humaines). Il présente ainsi une certaine parenté avec celui des Cimmériens, des Mèdes et celui de la civilisation du Luristan, ce qui est assez naturel en raison de leur parenté ethnique. Même lors de contacts très brefs avec d’autres civilisations, les Scythes en retiraient un enrichissement : on a retrouvé des statuettes du dieu égyptien Bès jusqu’en Sibérie et des représentations de la fleur de lotus à Kiev et à Pazyryk.


L’art scythe survivra à ces créateurs en inspirant à son tour les créations artistiques des peuples de la steppe qui apparurent ultérieurement mais aussi en influençant le style artistique de civilisations sédentaires (Chine, Vikings, Celtes et même Mérovingiens). De nos jours, les nomades des steppes subarctiques continuent à reproduire le motif, fréquemment utilisé par les orfèvres scythes, de l’aigle enlevant un cerf.

 

Source : http://www.cliolamuse.com/

Scythe - BijouxScythe - Bijoux
Scythe - BijouxScythe - Bijoux

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Rédigé par rafael

Publié dans #EUROPE AGE DU BRONZE et DU FER

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Publié le 8 Mars 2015

hashimoto 3

 

Artiste américain d’origine japonaise, le monde de Jacob Hashimoto se compose de motifs en abondance. Associant une esthétique pop au style papier japonais, Jacob Hashimoto parvient à faire le lien entre ses deux cultures et nous transporte dans un monde parallèle à la fois enfantin et graphique.

De l’installation monumentale à la pièce murale, l’artiste ici joue avec de nombreuses variations sur le blanc. Sa technique passe par la fabrication artisanale de pièces qui rappellent le cerf-volant, assemblées ensuite pour créer un espace enivrant et éclectique.

 

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Hashimoto-installations 02

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: l'ART CONTEMPORAIN aujourd'hui

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Publié le 7 Mars 2015

Klee - Couleurs

"La couleur me possède. Point n'est besoin de chercher à la saisir. Elle me possède, je le sais. Voilà le sens du moment heureux : la couleur et moi sommes un. Je suis peintre."

  • Journal (1957), Paul Klee, éd. Grasset, coll. Les Cahiers Rouges, 1959 Journal III, p. 309

Klee a un intérêt marqué pour la couleur, la tonalité, sans produire des œuvres de grandes surfaces. « Pourquoi faire grand quand tout peut s’exprimer sur une feuille modeste d’épistolier, par une construction de la couleur délicate comme un champ de fleurs », écrit Valérie Duponchelle dans « La symphonie de Paul Klee ». (Le Figaro, 13/12/2013). L’art de l’arabesque l’inspire avec le jeu des lignes par lesquelles il exprime la réalité, ainsi que l’art du tissage et le principe des « carrés magiques ». Musicien et peintre il recherche « le rythme pictural » combiné avec les rythmes naturels, comme la marée. Il faudrait encore mentionner l’influence de l’art égyptien découvert en 1928-1929 ou celle des mosaïques byzantines vues à Rome.


On ne saurait tout dire, car l’artiste nous échappe, pour le bonheur de nos yeux. «[Son œuvre est faite] d’aller et retour, de vagues qui fluent et refluent, ignorant l’anecdote, la circonstance et les «modes qui se démodent».» (Jean-Louis Prat et Antoni Tàpies, Paul Klee, Saint-Paul-de-Vence, 1979)

Klee - Couleurs
Klee - Couleurs

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART MODERNE

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Publié le 6 Mars 2015

BERNDNAUT SMILDE

 

 

Berndnaut Smilde (Groningen, 1978) est un artiste néerlandais diplômé en 2005 de l’Université Hanze àGronginen.

En 2012 il a créé une série de nuages, dont « Nimbus II, 2012 ', d’abord réalisée dans la chapelle de la Vierge de Hoorn, puis au sein de Saatchi Gallery à Londres. Time Magazine a appelé cette technique l’une des cinquante meilleures inventions de l’année 2012.

 

berndnaut-smilde

 

Berndnaut-Smilde-Nimbus-Cukurcuma-Hamam-

 

Berndnaut Smilde, 'Nimbus Dumont' High Res

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: l'ART CONTEMPORAIN aujourd'hui

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Publié le 5 Mars 2015

L'oiseau-tonnerre - Thunderbird

L'oiseau-tonnerre (Thunderbird en anglais) est une créature légendaire à la forme d'oiseau, commune aux religions de plusieurs populations amérindiennes d'Amérique du Nord. C'est un concept populaire dans l'art amérindien de la côte nord-ouest de l'Amérique du Nord, qui apparaît souvent sur les totems. Le nom de l'oiseau-tonnerre proviendrait du bruit que produisent ses ailes lorsqu'il vole. Il est aussi considéré comme une créature de la cryptozoologie, issue de rapports d'observations de personnes qui décrivent avoir vu des oiseaux gigantesques dans le ciel américain.

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART PREMIERS AMERIQUE

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Publié le 4 Mars 2015

tara donovan 5

 

Tara Donovan (née en 1969 à New York) est une artiste américaine vivante et travaillant à Brooklyn (New York). Elle est connue pour son installation d'art in situ qui utilise des matériaux de tous les jours et dont la forme s'inscrit dans l'art génératif.

 

Tara-Donovan-Final-3

 

Le travail de Tara Donovan est basé sur l'utilisation de matériaux de tous les jours: scotch, verre, plaques de papier, cure-dents, pailles, pour créer de grandes sculptures qui sont souvent biomorphiques. Ses sculptures souvent fragiles sont le résultat d'un travail long et délicat d’assemblage. Tara Donovan travail à partir du matériau, la forme et le résultat final étant la résultante d'un long travail d'appropriation.

 

Tara Donovan explique qu'elle tente d'imiter la nature en travaillant ces différents matériaux.

 

tara donovan 4

 

Tara donovan flash30

 

tara donovan 8

 

tara donovan 3

 

tara donovan nuage

 

Source: Wikipedia

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: l'ART CONTEMPORAIN aujourd'hui

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Publié le 3 Mars 2015

 

Nouvelle-irlande tatauNouvelle-irlande tatau 2
 Ethnologisches Museum, Berlin            

 

Les îles Tabar sont un groupe de trois îles de Papouasie-Nouvelle-Guinée, situé au large de la côte nord de la Nouvelle-Irlande. Elles font partie de l’archipel Bismarck et sont rattachées administrativement à la province de Nouvelle-Irlande.

 

Ce groupe est composé de Tabar, Tatau and Simberi. L’île principale est Tabar, d’une superficie de 218 km² et dont le point culminant atteint 622 mètres. On y parle le mandara.

 

Source: Wikipedia

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART PREMIER OCEANIE

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Publié le 2 Mars 2015

Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay (2)

 

" Une forêt de lauriers couvre quelque 70 % de ce parc situé au centre de l'île de Gomera, dans l'archipel des Canaries. L'humidité de la vapeur d'eau condensée des sources et de nombreux cours d'eau y favorisent une végétation luxuriante, proche de celle de l'ère tertiaire, qui a presque entièrement disparu d'Europe méridionale en raison des changements climatiques. "

 

 

Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay (6)

 

Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay

 

Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay (8)

 

Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay (10)

Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay (11)

 

Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay (3)

Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay (4) Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay (7)

 

Espagne Canaries La Gomera Parc national de Garajonay (5)

 

Source: UNESCO

Photos: lankaart (c)

 



Située en bordure du Tarn, la vieille ville d'Albi, dans le sud-ouest de la France, reflète l'épanouissement d'un ensemble architectural et urbain médiéval dont témoignent aujourd'hui encore Le Pont-Vieux, le bourg de Saint-Salvi et son église (10e-11e siècle). Au 13e siècle, la ville devint […]

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Rédigé par rafael

Publié dans #UNESCO PATRIMOINE NATUREL

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Publié le 1 Mars 2015

Tomás Saraceno - Poetic Cosmos of the Breath - 2007

Poetic Cosmos of the Breath était un dôme solaire expérimental créé par l’artiste Tomas Saraceno. Il a été mis en place, le 22 Septembre 2007 à Gunpowder Park, Essex au Royaume-Uni.

Artiste argentin, né en 1973, Tomas Saraceno met en scène dans l’espace des installations étranges et fantastiques : résilles métalliques, bulles de plastiques, globes etc... qui redonnent à l’espace une autre dimension.

Tomás Saraceno - Poetic Cosmos of the Breath - 2007
Tomás Saraceno - Poetic Cosmos of the Breath - 2007

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: l'ART CONTEMPORAIN aujourd'hui

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