Publié le 24 Mars 2015

Botero

Fernando Botero est un peintre colombien né à Medelin en 1932. D’abord illustrateur il s’oriente rapidement vers la peinture après le triomphe de son exposition à Bogota en 1952. Désireux d’élargir son art il voyage à travers le monde et vit à Madrid, à Florence, où il réside pendant deux ans, à Paris, Mexico et New-York. Botero créé un univers original grâce à sa peinture qui reste très méticuleuse, son utilisation des couleurs chaudes et sa représentation systématique d’une population grossis, bouffis et conventionnelle. Botero joue sur cette provocation en demi-teinte dénonçant la société de consommation et le conformisme de la société latino-américaine. Sa peinture s’accompagne d’un travail sur la sculpture qui reprend les mêmes thèmes.


Source : DA RR

Botero
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Rédigé par rafael

Publié dans #ART CONTEMPORAIN

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Publié le 23 Mars 2015

Victoria and Albert Museum, Londres, IIe-IIIe siècle ap. JC

Victoria and Albert Museum, Londres, IIe-IIIe siècle ap. JC

La vallée de Swat, au Pakistan, a une riche histoire qui remonte à plus de deux mille ans. La vallée, appelée Udyana dans les temps anciens vivra sous l’influence des Achéménides pendant une courte période avant que des dirigeants locaux reprennent le contrôle de la vallée. Les villes et Udegram Barikot, appelés Ora et Bazira dans les comptes grecs, ont été prises par Alexandre en 327 av. En 305 avant JC, la région est devenue une partie de l’empire Maurya. Enfin la dynastie des Kouchans prend possession de la vallée, à cette époque la civilisation du Gandhara prospéra dans la région. Les Kouchans ont été renversés par les Huns blancs au 5ème siècle de notre ère. Des 8 CE de siècle, les Arabes ont commencé à exercer une pression depuis l’ouest et l’Afghanistan. L’ère musulmane à Swat commence par l’arrivé de Mahmud de Ghazni l’Afghan, qui au XIe siècle conquiert l’ensemble de la région. Pendant l’époque bouddhiste la vallée fut un foyer très important de l’art du Ghandara.

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Rédigé par rafael

Publié dans #INDE BOUDDHISTE et JAIN

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Publié le 22 Mars 2015

Cameroun - Mambila - Masques Suaga

Les Mambila sont un peuple d’Afrique centrale et de l’Ouest, surtout présent au sud-est du Nigeria, mais également de l’autre côté de la frontière, au nord-ouest du Cameroun. La plupart vivent sur le plateau de Mambila. Ce peuple d'origine Bantou se sépara du groupe principal Bantou il y a deux mille ans vers le nord-Cameroun et le Nigeria et, sous la pression des Peuls musulmans, se déplacèrent vers le sud au cours des XVIIe siècle et XVIIIe siècle. Bien que ce peuple se fut installé en altitude, les Peuls réussirent, notamment avec le trafic d'esclaves sous la direction de leur chef Sambo, à réduire la population à 16 000 individus. Parmi leurs réalisations les plus remarquables figurent notamment les statuettes en bois sculpté et les masques-casques, mais surtout des poteries. Ces œuvres sont fréquemment utilises dans des rituels thérapeutiques.

Cameroun - Mambila - Masques Suaga

Les masques Suaga sont utilisés lors des fêtes. Les danseurs dans certains villages étaient parés de plantes et de plumes en complément du masque. De forme zoomorphe les masques Suaga restent néanmoins difficiles à rattacher à une espèce particulière, on est plutôt face à un mélange entre différents animaux : chiens, lions, singes, gazelles.

Cameroun - Mambila - Masques Suaga

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Rédigé par rafael

Publié dans #ARTS PREMIERS AFRIQUE

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Publié le 21 Mars 2015

Amitayus, Boston Museum, XVIIe-XVIIIe

Amitayus, Boston Museum, XVIIe-XVIIIe

Cette sculpture mongole représente Amitayus. Il tient le vase de la longévité et porte des bijoux très fleuri, la conception des feuillages correspond aux panneaux de sa couronne. Le visage carré, les épaules larges, et la base de lotus très grand avec des perles d’épaisseur et pétales très large plats sont typiques des sculptures mongoles du XVIIIe siècle.

Amitabha, Amitayus ou encore Amida1 est un bouddha du bouddhisme mahayana et vajrayana. Il règne sur la « Terre pure Occidentale de la Béatitude » monde merveilleux, pur, parfait, dépourvu du mal et de souffrance. Cette terre pure, lieu de refuge en dehors du cycle des transmigrations - ou l'équivalent du nirvana selon certaines conceptions - est au centre des croyances et pratiques des écoles de la Terre pure. Ce bouddha, qu'on appelle aussi le bouddha des bouddhas, est très populaire chez les mahayanistes, en particulier dans le monde chinois, en Mongolie, en Corée, au Japon, au Tibet et au Viêtnam.

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Rédigé par rafael

Publié dans #BOUDDHISME CLASSIQUE

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Publié le 19 Mars 2015

Amoghapasha - Népal - XIVe

Amoghapasha Lokeshvara est, dans la religion bouddhiste, le protecteur de la vallée de Katmandou. Il peut être debout ou assis et a généralement une tête et six ou huit bras, mais peut avoir trois têtes et 2, 4 ou 12 bras, chaque main tenant un attribut (l’un d’eux est une corde) ou faisant un geste symbolique. Ces autres attributs sont une corde, un vajra, un flywhisk, un lotus, un pot d’eau et un sceptre. Ces statues ont été généralement faites au Népal, elles sont en cuivre ou en bois polychrome. Cette statue date du XIVe siècle.

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Rédigé par rafael

Publié dans #BOUDDHISME CLASSIQUE

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Publié le 17 Mars 2015

Carl Andre

Carl Andre est un artiste plasticien américain, se rattachant au minimalisme, né le 16 septembre 1935 à Quincy (Massachusetts). Il abandonne progressivement la peinture pour s'orienter vers la sculpture, développant des sculptures sur bois influencées par Brancusi et par les peintures noires de Stella, puis des assemblages de blocs de bois brut. À cours d'argent, il travaille parallèlement (1959-1964) comme mécanicien et conducteur pour la Pennsylvania Railroad (Compagnie des chemins de fer de Pennsylvanie) dans le New Jersey. L'horizontalité de l'architecture ferroviaire semble alors l'inspirer pour l'élaboration de ses futures œuvres. En 1965, il participe avec Robert Morris, Donald Judd et Larry Bell à l'exposition « Shape and Structures » organisée par Henry Geldzahler à la Galerie Tibor de Nagy à New York. Quelques mois plus tard il réalise sa première exposition personnelle où il expose des assemblages de poutres horizontales en styroforme (matière plastique industrielle).


Dans les années 1970, l'artiste réalise de nombreuses grandes installations comme Blocks and Stones pour le Center for the Visual Arts de Portland (Oregon) (1973). En 1972, La Tate Gallery de Londres fait l'acquisition de son Equivalent VIII (1966), communément appelé The Bricks (Les Briques), qui consistent en 120 briques réfractaires arrangées en rectangle, qui eut un succès de scandale international. Il réalise de plus en plus d'œuvres en extérieur, comme Stone Field Sculpture (Hartford, Connecticut, 1977).


En 1970, il bénéficie d'une exposition personnelle au musée Guggenheim de New York et, depuis lors, il expose régulièrement, soit seul, soit en groupe, dans les principaux musées, galeries et centres d'art en Amérique et en Europe, parmi lesquels on peut citer le Laguna Gloria Art Museum à Austin (Texas) en 1978, le Stedelijk Van Abbemuseum à Eindhoven (Pays-Bas) en 1987, le Museum of Modern Art d'Oxford (Royaume-Uni) en 1996 et le Musée Cantini de Marseille (France) en 1997.


Andre a été poète avant de s'intéresser à la sculpture, il dispose des mots, « particules de langage », sans grammaire ni syntaxe, et comme les matériaux dans ses sculptures, il les utilisent pour leur charge affective. Ce travail, comprenant calligrammes, opéras et livres, a été présenté en Amérique et en Europe. Une importante collection a été rassemblée par le Stedjlik Museum d'Amsterdam, cependant sa poésie n'a jamais encore été éditée, d'où la méconnaissance qu'en a le public. Andre vit et travaille à New York. Il est représenté par la Galerie Paula Cooper à New York.




Source : Wikipedia

Carl Andre
Carl Andre
Carl Andre

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART CONTEMPORAIN

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Publié le 14 Mars 2015

Manuelle Gautrand Shox room citroen Paris (10)

 

L'architecte Manuelle Gautrand a conçu pour Citroën un « centre de communication » que le fabricant automobile a ouvert au public sur les Champs Elysées en 2007.

 

« C’est un rêve pour un architecte de construire sur les Champs-Elysées », a avoué Manuelle Gautrand « Nous ne voulions pas écrire la marque avec des lettres, mais avec son élément historique le plus cher : le double chevron », Elle a essayé de l’exprimer « de la manière la plus poétique et la plus inventive possible », par un « pliage » de l’enveloppe. Derrière la vitrine, la communication de la marque Citroën se poursuit par un « arbre à voitures »… de couleur rouge. D’étonnants « plafonds kaléidoscopiques », disposés en sous face des tournettes, reflètent et diffractent l’image des carrosseries.

 

Manuelle Gautrand Shox room citroen Paris (11) Manuelle Gautrand Shox room citroen Paris (2)
Manuelle Gautrand Shox room citroen Paris Manuelle Gautrand Shox room citroen Paris (6)
Manuelle Gautrand Shox room citroen Paris (7) Manuelle Gautrand Shox room citroen Paris (9)

 

Manuelle Gautrand Shox room citroen Paris (8)

 

Source: RR

Photos: Lankaart (c)



L’extension de Manuelle Gautrand vient envelopper une certaine idée de la collection. Libre invention dédiée aux collections d’art brut, elle se déploie en forme de doigts ou de racines et prolonge l’œuvre de Roland Simounet. Manuelle Gautrand est née en 1961. Diplômée d’architecture, elle crée […]

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: ARCHITECTURE

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Publié le 13 Mars 2015

Olafur Eliasson panorama 2

 

Le ARoS Aarhus Kunstmuseum est un musée d'art à Aarhus, au Danemark, il est l'oeuvre des architectes danois Schmidt Hammer Lassen. ARoS est l'un des plus grands musées d'art en Europe du Nord. Le musée a ouvert en 2004.

 

Le musée a bénéficié en 2011 de l'ajout de la passerelle circulaire "Your rainbow panorama" de Olafur Eliasson. L'installation a permis d'augmenter la fréquentation du musée.

 

Olafur Eliasson08 panorama

 

Olafur Eliasson passerelle 6

 

Olafur Eliasson panorama

 

Olafur Eliasson panorama 3

 

Olafur Eliasson passerelle

 

olafur-eliasson-rainbow

 

Olafur Eliasson passerelle 8

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: ARCHITECTURE

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Publié le 12 Mars 2015

Tang - Chevaux

Les sculptures en terre cuite (souvent de la céramique peinte simple, mais aussi de type sancai) réalisées expressément dans un but funéraire représentaient des serviteurs du défunt, qui devaient participer à la reconstitution de la vie qu’il avait menée de son vivant. Elles renvoient donc à des activités humaines. On y trouve ainsi des dames d’honneur, des musiciens et musiciennes, mais aussi des cavaliers ainsi que des cavalières (notamment des joueuses de polo déjà évoquées) et des animaux, dont de nombreux chevaux,.Les tombes des débuts de la période Tang présentent un art funéraire surtout lié à la thématique des cérémonies et du voyage dans l’au-delà (avec des statuettes de personnel participant aux cérémonies, d’animaux et de chariots pour un cortège funèbre)

Tang - Chevaux

La richesse de l'iconographie équine dans les tombes chinoises témoigne de l'importance qu'accordaient les aristocrates aux haras et aux arts équestres. Les sculptures en pierre en haut relief des six coursiers de l'empereur Taizong qui ornaient sa tombe (650) en sont un superbe témoignage (aujourd'hui dispersées entre le musée de Xi'an et le musée de l'Université de Philadelphie). Qu'il s'agisse des chevaux en liberté de l'époque Han, des chevaux harnachés de l'époque Wei ou des chevaux au dressage de l'époque Tang, les potiers ont eux-aussi apporté un soin tout particulier au rendu des poses, des races et des expressions des animaux.  Aux petits chevaux mongols, puissants et aux jambes courtes appréciés à l'époque des Trois Royaumes et des Six Dynasties succèdent les chevaux fins importés du Ferghâna à l'époque des Tang. Un nombre de plus en plus important de mingqi (figurines funéraires) est placées dans les tombes au VIIIe siècle.Pour exemple,  une tombe de taille moyenne, comme celle du prince Huizhang (724) au Shaanxi, n'en comptait pas moins d'un millier dont la moitié était des représentations équestres. Chevaux au dressage, comme c'est le cas sur les deux céramiques du musée Cernuschi, chevaux harnachés, en liberté, au galop, montés par des guerriers, des fauconniers, des danseuses, des musiciennes ou des joueuses de polo, tout est prétexte à figuration.Outre la terre cuite peinte, de nombreux mingqi de chevaux sont réalisés en terre cuite à glaçure plombifère colorée en" trois couleurs" (sancai) avec des oxydes métalliques, ce qui permet de rendre les robes alezan ou pie des bêtes.

 

Source: Musée Cernuschi

Tang - Chevaux
Tang - Chevaux

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Rédigé par rafael

Publié dans #CHINE

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Publié le 11 Mars 2015

null Il n'y a pas d'amour heureux.
 

 

Rien n'est jamais acquis à l'homme Ni sa force

Ni sa faiblesse ni son coeur Et quand il croit

Ouvrir ses bras son ombre est celle d'une croix

Et quand il croit serrer son bonheur il le broie

Sa vie est un étrange et douloureux divorce

Il n'y a pas d'amour heureux

 

Sa vie Elle ressemble à ces soldats sans armes

Qu'on avait habillés pour un autre destin

À quoi peut leur servir de se lever matin

Eux qu'on retrouve au soir désoeuvrés incertains

Dites ces mots Ma vie Et retenez vos larmes

Il n'y a pas d'amour heureux

 

Mon bel amour mon cher amour ma déchirure

Je te porte dans moi comme un oiseau blessé

Et ceux-là sans savoir nous regardent passer

Répétant après moi les mots que j'ai tressés

Et qui pour tes grands yeux tout aussitôt moururent

Il n'y a pas d'amour heureux

 

Le temps d'apprendre à vivre il est déjà trop tard

Que pleurent dans la nuit nos coeurs à l'unisson

Ce qu'il faut de malheur pour la moindre chanson

Ce qu'il faut de regrets pour payer un frisson

Ce qu'il faut de sanglots pour un air de guitare

Il n'y a pas d'amour heureux.

 

 

 

Louis Aragon.

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART MODERNE

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