Publié le 22 Mai 2011

 

La Sagrada Familia de Gaudi est l'une des œuvres maitresse de l'architecte catalan. Appelé très tôt sur le chantier de l'édifice, Gaudi en transforma complètement les plans et y consacra toute la fin de sa vie, inlassablement il suivait l'évolution de ce chantier gigantesque. En parallèle de sa production architecturale catalane qui fera de lui l'un des maître de l'art nouveau il s'attachait à parfaire cette œuvre. A la fin de sa vie il vivait sur le chantier, suivant au quotidien l'évolution de la réalisation de son rêve. Commencé en 1882, la cathédrale n'est à ce jour toujours pas terminé, Gaudir mort en 1926, bien qu'ayant travaillé pendant plus de quarante ans sur l'édifice n'en a réalisé qu'une partie, l'une des porte, une partie du chœur, et plusieurs tours.

 

 

Gaudi fit de la Sagrada Familia son chef d'oeuvre absolue, développant des principes structurelles audacieux et une mise en scène de l'espace intérieur de l'édifice surprenante. La décoration mi-floral, mi-animal, l'élancement des tours, la multiplication des nervures et des prouesses techniques font de la Sagrada Familia une œuvre à part dans l'histoire de l'architecture.

 

 

Les travaux toujours en cours se poursuivent sur la base des esquisses et maquettes de Gaudi en respectant les grands principes du maître et en faisant appel à des artistes contemporains pour réaliser les vitraux, les sculptures des portes etc.. L'achèvement des travaux est prévue pour 2026, centenaire de la mort de l'artiste, le chantier gigantesque œuvre perpétuel au centre de la ville fait partie intégrante aujourd'hui de l'âme même de la ville de Barcelone, comme un cœur qui jamais ne s'arrête.





 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART NOUVEAU

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Publié le 22 Mai 2011

Foster - British Museum - Photos: Lankaart (c)

Foster - British Museum - Photos: Lankaart (c)

"Le fronton et les colonnades se détachent du reste de l'édifice comme s'ils étaient éclairés par des projecteurs. Le portique sud, propre comme un sou neuf, donne sur la «grande cour» du British Museum. Des millions de visiteurs l'emprunteront à partir d'aujourd'hui pour admirer l'une des plus belles réalisations architecturales de Londres. Une immense salle des pas perdus, entourée de trésors et enfermée dans une châsse de verre et d'acier. Une serre géante abritant les cultures du monde.

 

Le musée, qui se targue d'être le plus fréquenté du monde (même si sa gratuité rend le comptage aléatoire), respire à nouveau après un siècle et demi d'asphyxie. Ce n'était qu'un long couloir, austère et poussiéreux, déployé sur quatre côtés. La foule s'y pressait comme dans le tube, le métro londonien. Grâce à l'architecte Norman Foster, le bâtiment néoclassique possède enfin un espace à la mesure des joyaux qu'il contient. Mais une pierre un peu trop blanche a failli gâcher la fête (lire ci-dessous).

Foster - British Museum - Photos: Lankaart (c)

Foster - British Museum - Photos: Lankaart (c)

Mécanique des fluides. La grande cour est au British Museum ce que la pyramide est au Louvre, un monument d'acier et de verre à la gloire de la culture, mais aussi une vaste gare de triage qui régule le trafic à travers l'édifice. «Cet espace central permet d'accéder aux galeries latérales ou de changer de niveau», a expliqué Norman Foster. Des passerelles mènent au premier étage. Les quatre portiques ouvrent sur les salles les plus célèbres. C'est le musée le plus encombré du monde. Chaque année, près de 6 millions de visiteurs se bousculent à travers ses corridors sans fin. Jusqu'à hier, les galeries servaient autant de passage que de lieu d'exposition. Les marbres du Parthénon succédaient à la pierre de Rosette et aux lions de Nimrud selon un itinéraire obligé. Pas de raccourci possible dans cet immense quadrilatère.

 

Foster - British Museum - Photos: Lankaart (c)

Foster - British Museum - Photos: Lankaart (c)

«Ce lieu, conçu à l'origine pour accueillir 100 000 personnes, était devenu totalement inadéquat», souligne son directeur, Robert Anderson. En 1850, l'architecte Robert Smirke avait bien aménagé un jardin au coeur de l'ouvrage. Mais, sept ans plus tard, son frère Sydney avait construit au milieu du terre-plein la fameuse salle de lecture circulaire. La rotonde et son dôme devaient abriter la British Library, la bibliothèque nationale, mais le site allait vite devenir trop petit. Après la guerre, la cour avait disparu sous le béton et des kilomètres de rayonnages. Le musée aurait croulé sous la paperasse sans le transfert, en 1998, de ses 18 millions de volumes vers la nouvelle bibliothèque Saint Pancras. Le déménagement terminé, la cour intérieure pouvait renaître et relier à nouveau chacun des fils du bâtiment. Une mécanique des fluides paisible et régulière remplace le chaos.

 

La verrière se développe par vagues successives. Les lignes de fuite tracées par les armatures métalliques impriment un mouvement qui entraîne le visiteur vers les salles voisines. Toile d'araignée. Norman Foster, ce roi de la transparence, créateur, entre autres, du nouveau Reichstag, a tissé entre les murs une gigantesque toile d'araignée. Un filtre sur chaque carreau absorbe une partie de la lumière. Vue du ciel, la toiture prend une couleur verte et semble onduler sous l'effet du vent. Vue de l'intérieur, elle danse avec les nuages. La salle de lecture est toujours là, avec ses tables disposées en cercles concentriques. L'architecte n'a pas voulu supprimer ce lieu mythique, fréquenté assidûment par Marx, Dickens, Shaw ou encore Mortimer, le héros d'Edgar P. Jacobs. Concurrence.

 La bibliothèque sera accessible à tous et ne contiendra que des livres liés à l'activité du musée, ainsi qu'une énorme banque de données, Compass, consultable sur une cinquantaine de terminaux. La rotonde, doublée d'un escalier extérieur, évoque une tour de Babel. Elle héberge sur ses flancs des cafés, des restaurants et des librairies. La cour, grande comme «deux terrains de football», existe indépendamment du musée et ne contient qu'une poignée de statues décoratives. Elle restera ouverte après la fermeture des salles d'exposition et accueillera spectacles et conférences. Deux auditoriums ont été aménagés en sous-sol. «Nous souhaitions que cela reste un espace public», déclare Spencer de Grey, l'associé de Norman Foster. Les architectes voulaient reconstituer «la place d'une petite cité», où la population se retrouve, le soir venu. Avec ce British Museum rénové, un an après l'ouverture de la Tate Modern, Londres entend s'imposer comme la capitale des expos et creuser son avance sur Paris.

 La concurrence est aussi très rude pour les autres musées britanniques. La nouvelle Tate a fait perdre 100 000 visiteurs rien qu'à la National Gallery, selon une enquête récente du Sunday Telegraph. «Il faut s'attendre à une seconde décimation, prévient le Dr Simon Thurley, directeur du musée de Londres, dans le même journal. La Tate Modern nous avait déjà pris nos plus jeunes visiteurs. Nous allons maintenant perdre notre clientèle familiale, au profit du British Museum.»."

 

Libération, Culture 07/12/2000

 

Foster - British Museum - Photos: Lankaart (c)

Foster - British Museum - Photos: Lankaart (c)

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART CONTEMPORAIN

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Publié le 21 Mai 2011

le Brun hercules

Bayonne, musée Bonnat. (c) Visipix.com

 

Le Brun est le peintre attaché à la cour de Louis XIV, l'exemple de la peinture classique au service du roi. dans ce tableau d'Hercule, il démontre sa parfaite maîtrise de la composition dans un goût très baroque qui rappelle les tableaux de Rubens.

 

Mythologie: les travaux d'Hercule, le septième: les chevaux de Diomède.

 

Diomède, roi de Thrace, fils de Mars et de Cyrène, avait des chevaux furieux qui vomissaient feu et flamme. Il les nourrissait, dit-on, de chair humaine et leur donnait à dévorer tous les étrangers qui avaient le malheur de tomber entre ses mains. Hercule prit Diomède, le fit dévorer par ses propres chevaux, les amena ensuite à Eurysthée, et les lâcha sur le mont Olympe où ils furent dévorés par les bêtes sauvages.

Ce fut dans cette expédition qu'Hercule bâtit en Thrace la ville d' Abdère, en mémoire de son ami Abdérus que les chevaux de Diomède avaient dévoré.

 

Source: http://www.dicoperso.com/term/adaeaeb1aca3a45c,,xhtml

 




Les jardins de l'Orangerie à Versailles ont été créé de 1684 à 1686 par Le Nôtre, soit avant les grands travaux du château. Jules Hardouin-Manssart va composer un bâtiment original sous la grande terrasse du château, formé d'une galerie de 155 m. de long dont la façade est orienté au sud pour pouvoir bénéficier au maximum du soleil. La galerie centrale est encadré de deux galeries latérales consruite sous les "escaliers des cent marches", au centre les parterres de l'orangerie forment une […]



Musée des Beaux-Arts de Rennes Parmi la trentaine d'oeuvres connues de Georges de La Tour, cette scène, d'une extrême simplicité technique et iconographique, s'inscrit par son clair-obscur, ses tons chauds et son cadre serré, dans la tradition caravagesque. Comme dans tous ses tableaux nocturnes, La Tour recherche les formes rondes et lisses. Les deux silhouettes immobiles se découpent à la lueur d'une bougie. La flamme que le personnage de gauche dissimule au spectateur renvoie une douce […]

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Rédigé par rafael

Publié dans #CLASSICISME

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Publié le 19 Mai 2011

Duerer 1471-1528, Albrecht, Nuernberg 93 years old man viel

(c) Visipix.com 

 

Les suites de gravure qui ont fait la  renommée de Dürer sont deux séries de gravures sur bois - une « Petite Passion » composée de 37 gravures et une « Grande Passion » de 15 gravures plus une feuille de titre - et une « Passion » gravée sur cuivre de seize feuilles. À cela s'ajoutent une « Vie de Marie » de 19 gravures et une feuille de titre et surtout son « Apocalypse » rassemblant 15 gravures plus une feuille de titre.

  

Il sert de référence pour les graveurs italiens et nordiques qui lui succèdent: Jacopo de' Barbari, Giulio Campagnola et Marc-Antoine Raimondi ou les petits maîtres de Nuremberg comme Georg Pencz et les frères Beham Barthel et Hans.

 

Source: http://fr.wikipedia.org/wiki/Albrecht_D%C3%BCrer

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #RENAISSANCE EUROPE DU NORD

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Publié le 18 Mai 2011

Alsop Architects RobbieYoung Wright Architects toronto art

 

Une grande boîte suspendue depuis 2004 sur des poteaux à 26 mètres de hauteur : c’est l’OCAD, l’Ontario College of Art and Design, dessiné par l’agence Alsop en collaboration avec les architectes de Toronto Robbie, Young et Wright. C’est certainement l’un des bâtiments les plus surprenants d’Amérique du Nord. La "boîte" suspendu dans le ciel mesure 9 m de haut, 31m de large et 81 m de long, il est porté par 12 poteaux de couleur, sa réalisation est une véritable prouesse technique. Le projet d’Alsop reprend les évocations utopistes des années soixante-dix et notamment les machines délirantes qu’Alsop avait inventées à l’époque.

 

Alsop Architects RobbieYoung Wright Architects tor-copie-1

 

Alsop Architects RobbieYoung Wright Architects tor-copie-2

Photos: (c) Lankaart.

Rob




Le débat fut long autour de la réalisation de ce mémorial aux juifs d’Europe assassiné lors de l’Holocauste. Aussi bien au sein des populations allemandes et berlinoises, qu’au sein du parlement. C’est en 1999 que le Bundestag prend finalement la décision de créer le mémorial qui sera inauguré en 2005, soit 15 ans après les premières discussions. Bien que Berlin est déjà de nombreux lieux de recueillement, que le musée Juif soit en cours de réalisation, la nécessité d’un mémorial qui soit […]



Au coeur de la City de Londres Richard Rogers a créé en 1986 un bâtiment phare du dévellopement économique de la plateforme financière qu'est devenu Londres à cette époque. Dans le prolongement de son travail sur le Centre Pompidou il met en scène à l'extérieur du bâtiment tous les "fluides" qui inervent l'ouvrage: escaliers, ascenseurs, réseaux, gaines de ventillations, WC, etc... le tout recouvert d'inox. Cette nouvelle silhouette surprenante constitue un spectacle en soit. Au coeur de […]



Le Reichstag à Berlin est un bâtiment au passé lourd, témoin et acteur de l'histoire récente de l'Allemagne. Construit à la fin du XIXe siècle par l'architecte Paul Wallot dans un style éclectique, le bâtiment imposant comportait à l'origine une coupole. Incendié dans des circonstances mystérieuse le 28 février 1933, il ne sera pas reconstruit de suite. Hitler profittera de cet incendie pour lancer une chasse au sorcière contre les communistes. En 1945 l'armée soviètique, après avoir […]

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: ARCHITECTURE

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Publié le 17 Mai 2011

Beardsley 1872-1898, Aubrey, England Venus between Terminal

(c) Visipix.com

 

Aubrey Vincent Beardsley, (1872-1898), est un illustrateur britannique, souvent associé au mouvement Art nouveau. Son influence sur l'art du XXe siècle a été permanente aussi bien auprès des peintres, que des illustrateurs ou les dessinateurs de BD.

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART NOUVEAU

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Publié le 16 Mai 2011

imperatrice helene

 

Hélène ou Sainte Hélène (vers 247/250 - vers 329/330), est une  impératrice romaine, épouse de Constance Chlore et mère de Constantin. Elle fut souvent représenté dans l'iconographie paléochrétienne.

 

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ARTS BYZANTIN PALEOCHRETIEN ORTHODOXE et RUSSE

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Publié le 15 Mai 2011

Martini 1280-1344, Simone, Siena, Italy anonciation

Détail de L'Annonciation (1333) tempera sur bois, Florence, Galerie des Offices. (c) Visipix.com

 

Simone Martini, né en 1284 à Sienne, et mort à Avignon en 1344, est un peintre siennois, contemporain de Ambrogio Lorenzetti, élève de Duccio. Il utilise les techniques de la fresque et de la tempera sur bois.

 

En 1333, pour la cathédrale de Sienne, il signe L'Annonciation en collaboration avec son beau-frère Lippo Memmi, un autre peintre siennois, qui peint les deux panneaux latéraux. L'œuvre est transférée en 1798 à la galerie des Offices, à Florence.

 

Source: http://fr.wikipedia.org/wiki/Simone_Martini

 
 
 

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Rédigé par rafael

Publié dans #GOTHIQUE

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Publié le 14 Mai 2011

le titien portrait de philippe II

 

Au XVe siècle le portrait en pied fait son apparition dans la peinture italienne. Ces œuvres plus grandes ne demandent pas à être vues d'aussi près que les petits panneaux du siècle précédent et le recul nécessaire à leur observation rend superflus les détails pointilleux. À la différence de ses aînés, Titien cherche à caractériser ses modèles en saisissant à la fois leur aspect physique et moral. Il cherche aussi à leur insuffler la vie en travaillant sur la justesse de leur regard et de leur expression.

 

Source: http://fr.wikipedia.org/wiki/Titien

 
 
 

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Rédigé par rafael

Publié dans #RENAISSANCE ITALIE

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Publié le 13 Mai 2011

Tassili fresques (13)

 

Toutes les peintures et gravures du Tassili N'Ajjer sont d'une grande finesse, d'une exceptionnelle qualité d'exécution et très réalistes. Elles recouvrent pour la plupart les parois d'abris situés aux pieds des rochers en grès du plateau mais certaines d'entre elles sont à ciel ouvert et recouvrent des pans entiers du massif. Elles représentent des scènes de la vie quotidienne mêlant figuration d'êtres humains et d'animaux. Certaines devaient probablement faire partie d'un rituel destiné à assurer une chasse prolifique à la tribu.

 

Grâce à ces oeuvres, nous avons pu avoir confirmation que le Sahara loin d'avoir été toujours un désert était, au contraire, un lieu verdoyant parsemé de points d'eau où poussaient arbres et fleurs et où les animaux vivaient en troupeaux. Le bestiaire fort complet représenté nous permet de savoir quels animaux sauvages vivaient à cette époque aux abords du tassili, éléphants, hippopotames, girafes, gazelles, ….

 

Tassili fresques

 

Tassili fresques (15)

 

Tassili fresques (3)

 

Tassili fresques (19)

 

Tassili fresques (9)

(c) Visipix.com

 

Source: http://www.construis-ton-jeu.com/monument/peintures%20rupestres%20du%20tassili%20n'ajjer_presentation-10.html 

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Rédigé par rafael

Publié dans #PREHISTOIRE

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