Publié le 4 Février 2012

Tirthankara, British Museum, Londres

Le Tirtankhara dans le tradition Jain est un prophète qui à différentes époques est venu rétablir la juste connaissance de la doctrine Jain. Cette sculpture du XIIe siècle illustre bien les principes de la religion des Jaïns: pour se libérer de toutes tentations, du karma et du passif de nos vies antérieures, il faut pratiquer l'ascèse, le renoncement, la mortification du corps et la non violence absolue ( ahimsa ) vis à vis de tout être de la création. Né au VIe siècle av. JC, à la même époque que le bouddhisme, le Jaïnisme proné par Vardhamana rassemble une communauté de fidèle, environ 3 millions, très soudé et respectueuse des principes de vie énoncé par le prophète. L'art Jaïn, bien qu'influencé par l'art bouddiste, garde sa propre force, la sérenité qui se dégage de cette sculpture en est la preuve.
 


 

Photos: (c) Lankaart

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #INDE BOUDDHISTE et JAIN

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Publié le 3 Février 2012

Velasquez Marchand eau 1619

Wellington Museum, Londres. 1620

 

Cette toile représente un homme agé, porteur d'eau qui tend à un enfant une verre d'eau.L'homme de condition modeste n'en est pas moins digne et sûr de lui. Vélasquez, une fois de plus, met en scène un morceau de vie d'une grande banalité en lui donnant d'une part un grand réalisme dans les détails, les effets et les rendus de matières: verre, céramique, bois, tissus, d'autre part un aspect symbolique dans le regard croisée et la confrontation entre l'âge cannonique du porteur d'eau et la jeunesse candide de l'enfant. Méditation sur le temps qui passe ? Ce tableau, dans sa grande sobriété cache bien des mystères.

 



Musée du Prado, Madrid Les Ménines (en espagnol : Las Meninas les demoiselles d'honneur), également connu sous l'appellation La famille de Philippe IV, est le portrait le plus célèbre de Diego Velázquez. Il a été peint en 1656. La composition complexe et énigmatique de la toile interroge le lien entre réalité et illusion et crée une relation incertaine entre celui qui regarde la toile et les personnages qui y sont dépeints. Cette complexité a été la source de nombreuses analyses qui font de […]

 

 

 



La ferveur religieuse de Philippe de Champaigne le désignait comme un interprète idéal de la piété ascétique des Chartreux. Le refus de tout pathos inutile, le goût de l'économie formelle, l'usage d'une gamme colorée austère souverainement maîtrisée font de cette oeuvre hautement spirituelle l'une des plus belles créations classiques de Philippe de Champaigne. (c)Visipix.com Pieter Claesz - Nature morte à tête de mort La nature morte comme forme d'art à part entière est en réalité une […]


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Rédigé par rafael

Publié dans #CLASSICISME

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Publié le 2 Février 2012

Haeckel 1834-1919, Ernst, Germany Arachnida

 

Pour le plaisir ...

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART NOUVEAU

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Publié le 31 Janvier 2012

 

" L'une représente Hélène, debout, droite, se découpant sur un terrible horizon éclaboussé de phosphore et rayé de sang, vêtue d'une robe incrustée de pierreries comme une châsse; tenant à la main, de même que la dame de pique des jeux de cartes, une grande fleur; marchant les yeux larges ouverts, fixe, dans une pose cataleptique. A ses pieds gisent des amas de cadavres percés de flèches, et, de son auguste beauté blonde, elle domine le carnage, majestueuse et superbe comme la Salammbô apparaissant aux mercenaires, semblable à une divinité malfaisante qui empoisonne, sans même qu'elle en ait conscience, tout ce qui l'approche ou tout ce qu'elle regarde et touche. "

 

Huysmans, Le salon Officiel de 1880.

 

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #SYMBOLISME - NABIS

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Publié le 31 Janvier 2012

Henri Cueco

Henri Cueco

À partir de 1962, Cueco peint des séries (« Rivières », « Salles de bains », « Jeux d'adultes », « Hommes rouges ») recourant aux moyens techniques des mass média : figures découpées, aplats de couleur, pointillés et rayures. Il fait alors partie des peintres du mouvement de la Figuration narrative, qui se développe au milieu des années 1960. Il est le fondateur de l'association Pays-Paysage (1979).

Dans les années 1980, Cueco revient en peinture au motif, paysages et natures mortes, comme les lieux mêmes du réel avec lesquels la confrontation devient de plus en plus difficile : la peinture serait cette expérience de l'inachèvement et de la non-résolution.

 

Source: Wikipedia

 
Henri Cueco
Henri Cueco

Henri Cueco

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART CONTEMPORAIN

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Publié le 30 Janvier 2012

Kōji Morimoto (2)

 

Kōji Morimoto est né le 26 décembre 1959 dans la Préfecture de Wakayama. Il se passionne dès son enfance au dessin ainsi qu'à l'animation et tout particulièrement aux séries Space Battleship Yamato et Ganba no Bōken. Après être sorti diplômé le l'école de Design d'Ōsaka, il fait ses débuts dans l'animation en 1979 en entrant dans les studios Madhouse.

 

Il change ensuite de studio pour Annapuru, le studio d'Akio Sugino, où il rencontre sa futur femme, l'animatrice Atsuko Fukushima. En 1984, il travaille pour son compte, et fonde avec Yoshiharu Satō et la productrice Eiko Tanaka le Studio 4°C.

 

 

Kōji Morimoto (3)

 

Kōji Morimoto

 

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ARTS GRAPHIQUES BD XXe et XXIe

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Publié le 29 Janvier 2012

Musée des arts premiers, Louvre, Paris

Les Kongos sont l'un des peuples du Congo actuel. Ils utilisent dans leur rites d'envoutement et de désenvoutement des figurines de protections, les minkondi. Celle-ci peut représenter des hommes ou des animaux, la particularité de ces figurines c'est de recevoir à travers un rite bien établi des lames métalliques ou des clous qui concentre sur la figurine les menaces ou les envoutements.

Peu à peu le minkondi deviend une figurine étrange couverte de clous, une sculpture chargé de tous les maux de la tribu, chaque clou renvoyant à un évènement, une crainte, un malheur, la figurine deviend un étrange receptacle de la mémoire collective. Seul la tête sort indemne de la pratique, car le nez et les yeux sont des intermédiaire entre le monde d'ici et l'au delà.

 

Photos: (c) Lankaart

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ARTS PREMIERS AFRIQUE

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Publié le 28 Janvier 2012

gericault Derby of Epsom

Derby d'Epsom, Louvre, Paris. 1821.

 

Passionné par les chevaux, Géricault réalisa de nombreux tableaux les représentant. Travaillant un temps aux écuries impériales il eut ainsi l'occasion de les étudier en détails et nous laissa de très nombreux "portraits" de chevaux. Cette œuvre ne s'apparente toutefois pas à ces séries de portraits mais illustre un thème mettant en scène des chevaux, comme l'artiste l'a fait a de nombreuses reprises, tels Officier de chasseurs à cheval de la garde impériale chargeant de 1812 ou La Course de chevaux libres à Rome de 1819.

 

En voyage à Londres de 1820, Géricault va intégrer des influences locales à son œuvre : représentation pittoresque d'un événement de la vie quotidienne, influence des paysages de Constable et goût pour les « sporting paintings », autant d'éléments qui se diffuseront en France dans les années suivantes.

 

D'autre part, cette œuvre constitue un rare - et donc précieux - exemple de peinture daté de son voyage en Angleterre, Géricault préférant y travailler la lithographie. Il peignit cette toile pour le marchand de chevaux anglais Adam Elmore. Le tableau fut acquis par le Musée du Louvre en 1866.

 

Illustration: visipix.com

Source: Wikipedia



Musée du Louvre, Paris Théodore Géricault (1791-1824) est un peintre français, disparu très jeune, sa carrière fut profondément marqué par les débuts du romantisme. Si sa formation fut très académique, dès 1812 il rompt avec les principes défendu par David pour développer une peinture plus en phase avec ses goûts. Passionnées par les chevaux qu’il peint sans relâche durant ses voyages à Florence, Rome puis Londres; il offre des tableaux empreint d’une grande liberté où les chevaux font […]

 

 

 


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Rédigé par rafael

Publié dans #ROMANTISME ET NEOGOTHIQUE

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Publié le 27 Janvier 2012

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Ravi Shankar est un musicien sitariste et compositeur indien né le 7 avril 1920 à Vârânasî (Benarès, Inde).

 

Le son particulier du sitar, avec tous ses effets de résonance sympathique, attira très vite les musiciens rock des années 1960, en pleine recherche d'originalité, d'effets exotiques mystérieux et psychédéliques. En 1966, George Harrison des Beatles devint son élève et joua du sitar sur Norwegian Wood, puis d'autres titres par la suite. Brian Jones des Rolling Stones utilisa également le sitar sur Paint It, Black. Collin Walcott (qui fondera le groupe Oregon) fut le premier musicien occidental à intégrer le sitar et les tablâs dans la plus grande partie de ses compositions, après avoir été roadie sur une tournée de Ravi Shankar.

 

En 1967, Ravi Shankar fonde son école Kinnara à Los Angeles. La même année, il joue au Monterey Pop Festival, en 1969 à Woodstock, et en 1971 au concert pour le Bangladesh (organisé par G. Harrison).

 

Source: Wikipedia

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #INDE ISLAM

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Publié le 26 Janvier 2012

Picasso - Maternité

Picasso - Maternité

Picasso - Maternity - Mutterschaft - Maternidad - Maternità

 

De 1905 à 1906, Picasso connaît sa « période rose ». Celle-ci se caractérise par un optimisme mélancolique : il use de gammes de roses, d’ocres, de rouges pour représenter le monde du cirque, des saltimbanques, les humbles, les chevaux et la maternité.

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART MODERNE

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