Publié le 6 Avril 2012

Puvis de Chavanne vision du bonheur Rouen

 

"On s’élève au-dessus de la terre avec Puvis de Chavannes, ou plutôt on voudrait s’élever avec lui dans ce monde de rêve, de paix profonde, dans cette atmosphère voilée, mais nullement pesante, où vivent des personnages d’une vie éthérée, mais non irréelle ; ce beau paysage, on croit le connaître ; on a ressenti dans quelque jour heureux la joie d’une belle journée d’été, mais non pas, certes, avec cette force, cette intensité. Le charme des deux panneaux pour le musée de Rouen ne pénètre que peu à peu, mais il finit par vous isoler de toutes les peintures qui les entourent. Que sera-ce quand on les verra en place, sans cette tenture rouge qui, au premier abord, en détruit la suave harmonie ? "

 

Proust 

 

Puvis de Chavanne vision du bonheur Rouen - Copie

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #SYMBOLISME - NABIS

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Publié le 6 Avril 2012

Musée du Louvre Paris
 

Hubert Robert (1733-1808) est un peintre voyageur. Après un séjour un séjour à la villa Médicis à Rome, il parcourt l’Italie, dessinant des scènes pittoresques et les ruines nombreuses et grandioses de l’antiquité. Reçu à l’académie en 1766 à Paris, il repart en Provence et en Italie, peignant les mêmes motifs, paysages de ruines ou de grandes constructions monumentales notamment de l’antiquité. Ce sont ces vues qui le rendront célèbres.

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Rédigé par rafael

Publié dans #ROCOCO

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Publié le 6 Avril 2012

Nefertari tombeau

 

XIXème Dynastie, vers 1250 av. JC.

 

Néfertari « Grande Epouse Royale » de Ramsès II a bénéficié d’un vaste complexe funéraire dans la vallée des Reines à Louxor (ancienne Thèbes). Construit du vivant de la reine le complexe était richement ornée, malheureusement peu d’objets ont survécu au pillage de la tombe. On atteint la tombe après avoir descendu 18 marches taillées dans la roche menant à une antichambre puis à un deuxième escalier qui plonge dans les profondeurs de la montagne. Le caveau principal est flanqué de 3 petites chambres. L’antichambre et son annexe son richement décorées entre autres de deux représentations du Dieu solaire. A gauche on peut découvrir le dieu Khépri  qui incarne le soleil levant sous la forme d’un scarabée.  En face le dieu Rê-Horakhty hiérocéphale incarne le soleil couchant.

 

On peut également voir des représentations de la déesse Hathor et de la déesse-vautour Nekhbert aux ailes largement déployées.  Dans le corridor on peut voir des fresques représentant Néfertari offrant des boissons aux déesses Isis et Nephthys.  Les scènes de l’annexe montrent la reine accompagnée par une divinité, le dieu Harsiésis, Horus fils d’Isis, à tête de faucon, qui la conduit au dieu solaire.

 

L’ensemble des ces fresques somptueuses sont un vivant témoignage de l’art accomplie de l’ancienne égypte.

 

nefertari tombeau isisNefertari tombeau Horus
nefertari tombeau portraitNefertari tombeau thot

 

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #EGYPTE ANTIQUITE

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Publié le 6 Avril 2012

 

Les Hospices de Beaune sont un exemple intéressant du style gothique appliqué à un bâtiment civil. Beaune est une ville au moyen-âge prospère, non loin de Dijon elle est intégré au Duché de Bourgogne qui à l’époque est une puissance politique à part entière qui s’oppose aux rois de France.


La création de l’Hôtel-Dieu date de 1443, à la fin de la guerre de cent ans qui a ravagé une partie importante de la France. Malgré la signature du traité d’Arras en 1435, des bandes armés, les « écorcheurs », continuent à sévir dans les campagnes. La ville de Beaune est dans une situation économique très difficile, la plupart des habitants vivent dans la pauvreté et n’ont plus de ressources stables. Nicolas Rolin, chancelier du duc de Bourgogne Philippe le Bon, décide de créer les hospices à l’intention des pauvres de la ville. En 1452, les hospices ouvrent et accueillent vieillards, infirmes, orphelins et malades. L’Hôtel-Dieu est sous la responsabilité des Sœurs Hospitalières qui officieront jusqu’au XXe siècle.
 


Le bâtiment s’organise autour d’une cour centrale. On trouve dans le bâtiment de grandes salles pour les malades, des chapelles et tous ce qui peut être utile pour les hospices, cuisines, lingerie, salles de préparation, pharmacie etc.… Les toits d’une partie des bâtiments ont été couverts de tuiles vernissées dans le style typique de la Bourgogne lui donnant son caractère et son identité. De nombreuses œuvres d’art ont été rassemblées aux cours des siècles aux hospices formant aujourd’hui une très belle collection.



 

Photos :(c) Lankaart
 

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Rédigé par rafael

Publié dans #GOTHIQUE

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Publié le 5 Avril 2012

Le Nid, Musée du Louvre, Paris

 

François Boucher (1703-1770) est l’un des grands peintres français du XVIIIe. Reçu à l’académie en 1734, ses commandes auprès de la cour vont lui permettre d’imposer un style qui va rapidement se diffuser dans toute l’Europe. Il met à l’honneur la sensualité et le libertinage, offrant à la cour de Louis XV une peinture plus familière, proche des aspirations de l’aristocratie loin du faste écrasant du siècle de Louis XIV. Ses qualités de peintres, sa virtuosité lui permettent de mettre en avant la femme dans des situations très diverses, aussi bien des scène de genre que des évocations antiques, mais toujours avec le souci de faire de celle-ci un être plein de grâce et de sensualité à la porté du monde qui l’entoure, et non un être diaphane et idéalisé appartenant à un autre monde.  Son style subit les critiques, notamment de Diderot,  dès la mort de Mme de Pompadour en 1764. Le Néo-classicisme allait bientôt rejeter cette approche légère et féminine  de la vie.


 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ROCOCO

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Publié le 4 Avril 2012

Dahlem Museen, Berlin
 

Les bronzes en forme d’animaux sont une production courante dans l’Iran du premier millénaire AP. JC. Les exemples abondent, dont l’utilité est souvent sujet à controverse, bruloir à parfum, lampe, flacon à parfum ? Le mystère reste parfois entier. Par contre l’art et le raffinement de ces objet est indéniable, parfois félin, parfois oiseaux, les artistes laissent libre cour à leur imagination.

Ce très belle oiseau du VIIIe siècle conservé à Berlin est un parfaite exemple de cet art accomplie, la dimension statique et monumentale de l’objet lui donne une présence indéniable malgré ses dimensions modestes, la qualité de la gravure, la finesse des détails lui confèrent également une grande élégance.  
 


 


 Photos: (c) Lankaart

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #ISLAM CLASSIQUE, #IRAN

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Publié le 4 Avril 2012

Nature morte, Gemaldegalerie, Berlin


Pieter Claesz (1597-1661) est l’un des grands maîtres hollandais de la nature morte. Ses compositions et sa technique absolument parfaite dégage une poésie empreinte de nostalgie, un regard profond sur la vie, le temps qui s’écoule, la mort. Le propre des natures mortes, l’un des thèmes récurant de la peinture hollandaise de l’époque. Ses effets de reflets  chatoyants, la transparence du verre, le reflet du métal sont d’un très grand réalisme mais en même temps sont terriblement mélancolique.

 


Watteau - Pélerinage à l'île de Cythère

Pélerinage à l'île de Cythère, Musée du Louvre, Paris Jean-Antoine Watteau (1684-1721) est une peintre français d’une très grande sensibilité. Ses tableaux, loin des grandes compositions d’un Lebrun, préfigure ce que sera la peinture française au milieu du XVIIIe siècle. C’est à travers son tableau Pèlerinage à l’île de Cythère, qu’il présente pour sa réception à l’académie, que l’on ressent le plus ce qui fait la qualité de son œuvre : la délicatesse de son toucher, ses sujets très galants […]


La nature morte comme forme d'art à part entière est en réalité une conception occidentale de l'après-Renaissance. Un tableau sur bois (1504, Alte Pinakothek, Munich) du peintre vénitien Jacopo De'Barbari, représentant un perdreau et une paire de gants, est généralement considéré comme la première véritable nature morte. Le genre se développe par la suite essentiellement aux Pays-Bas, où des artistes tels que Jan Bruegel , Pieter Claesz, Willem Kalf et Frans Snyders réalisent de luxuriants […]

 



Peintre flamand (1576-1639) spécialisé dans les tableaux naturaliste d’animaux et de fleurs il travailla notamment à la cour de Rodolphe II qui l’envoya dessiner des paysages du Tyrol, où il effectua nombre d’études d’animaux d’après nature, comme également, dans son jardin zoologique. Certains de ses tableaux donnent lieu à des curieuses scènes mythologiques ou bibliques.

 

 

 

 

 


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Rédigé par rafael

Publié dans #CLASSICISME

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Publié le 4 Avril 2012

Bonjour,

 

Lankaart s'ouvre au partenariat :

 

- Annonce d'exposition

- Mise en valeur de votre patrimoine

- Lien vers vos sites internet

 

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lankaart@gmail.com

 

 

 

 

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Rédigé par rafael

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Publié le 4 Avril 2012



Le Grand Palais à Paris est l'un des monuments les plus importants de la capitale.

Il fait partie des ouvrages qui ont tout à la fois été les symboles de l'exposition universelle de 1900 et qui ont marqués durablement le paysage urbain parisien. En effet la décision de réaliser une nouvelle exposition universelle à Paris, après celle de 1889 qui a vu la réalisation de la grande galerie des machines et de la tour Eiffel, est prise afin de contrer les ambitions allemandes en ce domaine et de celé par la même occasion l'amitié franco-russe. La décision retenue est d'organiser cette exposition autour d'un nouvel espace urbain formé par une nouvelle perspectives crée entre les Champs Elysées et les Invalides. Sur cette perspectives seront réalisée, et conservées, le Grand Palais, le Petit Palais et le pont Alexandre III (en hommage au Tsar de l'époque), sera également réalisé non loin de l'exposition la nouvelle gare d'Orsay.

Le Grand Palais est le monument phare de cette exposition, il en sera le palais des Beaux-arts et pourra par la suite accueillir de grandes manifestations artistiques. Un concours est organisé et faute de lauréat c'est à un groupe d'architecte auquel on confie la réalisation de l'ouvrage. Faisant fis d'une harmonie d'ensemble, on assiste de fait à un gigantesque collage.


Henri Deglane réalise la partie principale donnant sur l'actuelle avenue Winston Churchill, la partie intermédiaire avec le salon d'honneur est attribué à Albert Louvet et la partie arrière avec le palais d'Antan à Albert Thomas, l'architecte Charles Girault en charge par ailleurs du Petit Palais étant en charge d'assurer la coordination d'ensemble. Le résultat ne vaut que par la création de l'immense verrière qui couvre l'espace principal d'exposition, le reste de l'édifice relevant d'un style éclectique sans véritable cohérence et sans beaucoup d'intérêt.

Exposition Serra au Grand Palais (2008)

L'espace centrale, 240 M. de long, 45M. de hauteur est un volume gigantesque, pouvant recevoir de nombreuses expositions, dans la ligné de la tour Eiffel. Une fois de plus l'architecture métallique démontre son potentiel extraordinaire, tout à la fois au niveau fonctionnel et au niveau plastique et spatiale. La lumière zénithale qui baigne l'espace, la richesse de la décoration florale, la légèreté de la structure en font un édifice unique. Sa récente rénovation au début du XXIe siècle a remis en valeur cet espace et a permis sa pérennité, autorisant à nouveau l'organisation de grandes expositions.


Le reste de l'édifice accueille aujourd'hui dans ses salons de nombreuses expositions de peintures et le Palais de la Découverte. 

 



Paris - Ville d'art et de culture

Paris est l’une des villes d’art et de culture les plus connu au monde, ses musées et l’ensemble de ses monuments forment un condensé époustouflant de l’histoire artistique de l’Europe et du monde. Au centre du bassin parisien, Paris bénéficie tout à la fois d’une riche région agricole qui peut subvenir à tous ses besoins et est au carrefour d’itinéraires commerciaux terrestre et fluviaux qui mènent du Sud au Nord de l’Europe. Ici on parlera de « Paris » comme étant l’agglomération couvrant […]

Londres - Palm House à Kew garden Decimus Burton et Richard Turner

Palm House à Kew Garden dans la banlieue sud-ouest de Londres est une serre réalisé dans la ligné du travail éffectué par l'ingénieur Joseph Paxton au milieu du XIXe siècle. Ici les ingénieurs et architecte Decimus Burton et Richard Turner ont mis à profit toute les avancées concernant la préfabrication des éléments de verres et d'acier qui permettent de créer ces grands édifices que l'aristocratie anglaise voulait pour exposer ces plantes exotiques venue de tous les coins du monde. La […]

Naples - Galerie Umberto

La Gallerie Umberto Ier à Naples est l'un des monuments les plus représentatifs de l'architecture des passages commerciaux, c'est ausi l'un des derniers. La forme de la galerie étant suplanté par l'innovation des grands magasins et leurs volumes généreux disposées autour d'un atrium. La forme reviendra au XXe siècle sous la forme du mall commerciale. Construite entre 1887 et 1891, elle est directement inspiré de la galerie Victor Emanuel II à Milan, même proportion, même façades minérals […]

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Rédigé par rafael

Publié dans #NATURALISME et IMPRESSIONISME

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Publié le 3 Avril 2012

Per Kirkeby

Per Kirkeby

Per Kirkeby, né le 1er septembre 1938 à Copenhague, est considéré comme une figure majeure de l'art contemporain scandinave. Géologue, peintre, écrivain, poète, réalisateur de film, grand voyageur, Per Kirkeby est un admirateur de l'architecture des Mayas, de Cézanne, de Manet, de Madame de Staël, d'Eugène Leroy.

Toiles délavées, écorces de terre ouverte, marbrures, cratères, précipices charbonneux, hachures et stries, verts fondus, pans violacés, ocres brûlés, jaunes soufrés, lueurs blafardes... : Kirkeby crée une œuvre minérale marquée par son sens de la composition « où se mêlent l'abstraction et la plénitude de la couleur »[réf. nécessaire] et une magie secrète, mais un maniérisme nordique.

Per Kirkeby

Per Kirkeby

 Kirkeby réalise plusieurs tableaux en même temps qui peuvent rester en attente durant de longues périodes, car il n'a pas « une grande confiance dans un résultat spectaculaire » dès lors qu'il « peint rapidement » :

 « Tant que je peux expliquer pourquoi les choses sont à une certaine place dans mes toiles, j'estime que ce n'est pas bon. Il faut que ça lâche, que ça devienne un mystère... »

 Il pense être « dépendant des choses vues et perçues », même si elles sont recouvertes de plusieurs couches de matières :

 « Je suis un peintre de l'ancienne école, qui est soumis et dépendant des choses perçues et vues, comme de la lumière qui l'entoure. Aussi mes tableaux changent selon que les saisons varient, un paysage d'automne ou une lumière d'été font des tableaux différents. »

 Per Kirkeby a aussi publié des poèmes et des romans.

Il vit et peint dans un atelier de Copenhague, et, l'été, dans sa maison de l'île de Læsø située entre le Danemark et la Suède.

 

Source: wikipedia

 
Per Kirkeby
Per Kirkeby

Per Kirkeby

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART CONTEMPORAIN

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