Publié le 9 Février 2020

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp est un ensemble de huit tableaux signés collectivement par les peintres Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati, réalisé en 1965, dans le cadre de l'exposition « Figuration narrative dans l'art contemporain » à la galerie Creuze à Paris et aujourd'hui conservé au Musée Reina Sofia à Madrid.

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Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

La série de huit tableaux s'attaque à l'art conceptuel de cette figure emblématique de l'avant-garde, symbole des falsifications intellectuelles de la culture bourgeoise, qui « anesthésie les énergies vitales et fait vivre dans l'illusion de l'autonomie de l'art et de la liberté de création »2, ainsi qu'aux formes d'art estimé dévoyé, qui s'en réclamaient alors, du Pop art et du Nouveau réalisme. Ainsi, dans la 8e et dernière toile, on voit leurs défenseurs américain comme européen, Andy Warhol et Pierre Restany, soutenir de part et d'autre l'arrière du cercueil de Duchamp, recouvert du drapeau américain et conduit par Robert Rauschenberg, suivi d'Arman, Claes Oldenburg et Martial Raysse.

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Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Les auteurs de ces toiles critiquaient chez Duchamp son refus de s'engager, eux qui pratiquaient une peinture politique qu'ils voulaient plus proches de la vraie vie que des musées. Avec ses ready-mades, Duchamp mystifiait, à leurs yeux, l'image de l'artiste, comme s'il suffisait qu'il touche un objet pour en faire une œuvre d'art.

Aillaud explique dans la préface de l'œuvre : « Pour nous qui entendons nous manifester comme de véritables individus dans le temps et l'espace, il ne s'agit donc pas d'inventer ou de découvrir de nouvelles formes d'expression artistique mais de donner davantage à penser ».

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART CONTEMPORAIN

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Publié le 7 Février 2020

Leonardo Cremonini
Leonardo Cremonini

Leonardo Cremonini

Peintre emblématique des scènes artistiques française et italienne des années 1950 à 1990, Leonardo Cremonini (1925-2010) connut la gloire de son vivant. Admiré par ses pairs tels que Francis Bacon et par les écrivains, à l’instar d’Alberto Moravia, Italo Calvino, Umberto Eco, Louis Althusser, Michel Butor ou Régis Debray, son œuvre est représentée dans de nombreuses collections publiques (Musée national d'art moderne, Musée d'art moderne de la Ville de Paris, MoMa, Galerie d’art moderne de Milan...) et privées.

T&L Galerie

Leonardo Cremonini

Leonardo Cremonini

Attiré par les ambiances balnéaires de son enfance italienne, à partir de cette époque, Cremonini représente estivants hébétés sur les plages, enfants jouant et couples inconsolés qu'il décline en autant de situations dramatiques qu'elles sont banales. Ce dramatique sans drame, il le figure avec une peinture au chromatisme exacerbé, captant parfaitement l'atmosphère lourde de la chaleur d'été, tout en restant silencieuse.

T&L Galerie

Leonardo Cremonini
Leonardo Cremonini
Leonardo Cremonini

Leonardo Cremonini

Umberto Eco disait de Cremonini : « sa peinture, même si elle est éminemment "picturale" [larges étalements, écarts, partitions géométriques et effacements de la matière], n'en est pas moins très littéraire et philosophique : elle raconte, organise des intrigues ambiguës et sous-entend une série de raisonnements [visuels bien sûr] sur le rôle du sujet, du regard, du désir et de la volupté ».

Leonardo Cremonini - Les écrans du soleil - 1968

Leonardo Cremonini - Les écrans du soleil - 1968

Leonardo Cremonini - Les indiscrétions d'une chambre - 1970

Leonardo Cremonini - Les indiscrétions d'une chambre - 1970

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART CONTEMPORAIN

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Publié le 5 Février 2020

Eduardo Arroyo
Eduardo Arroyo

Eduardo Arroyo

Représentant majeur de la Figuration narrative et de la Nouvelle figuration espagnole qui se développa en Europe au début des années 1960, ses tableaux traitent de l'exil, des assassinats politiques, des complicités dont bénéficie le régime de Franco, des espagnolades qui masquent la réalité fasciste de l'Espagne et des bases américaines qui soutiennent l'impunité de Franco.

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Eduardo Arroyo
Eduardo Arroyo

Eduardo Arroyo

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART CONTEMPORAIN

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Publié le 3 Février 2020

Erro
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Guðmundur Guðmundsson, dit Erró, est un artiste islandais postmoderne, né le 19 juillet 1932 à Ólafsvík.

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Erro
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Erró est un des fondateurs d'un mouvement appelé la Figuration narrative au début des années 1960 en France. De nombreux artistes participent à l'émergence de ce style artistique comme Valerio Adami, Hervé Télémaque, Peter Klasen.

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La figuration narrative est un mouvement artistique apparu, principalement dans la peinture, au début des années 1960 en France, dans le cadre du retour à la nouvelle figuration et en opposition à l'abstraction et aux mouvements contemporains du nouveau réalisme et du pop art, auquel elle est néanmoins associée.

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Erro
Erro

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Le mouvement de la figuration narrative n'a pas été structuré, en particulier, par un manifeste mais a cependant été théorisé par le critique d'art Gérald Gassiot-Talabot dans un ouvrage paru en 1965. Il s'agit d'un courant d'expression qui restreint initialement le champ de la nouvelle figuration en considérant comme narrative toute œuvre qui se réfère à une représentation figurée dans la durée, soit par la circulation d'objets dans la toile, soit par séquences, y compris sous forme de polyptyques, et qui veut généralement redonner à la peinture une fonction politique et critique de la société de consommation. Parmi ses sources d'inspiration (cadrages, montages, etc.) on compte la bande dessinée, le cinéma, la photographie, la publicité… en fait, l'ensemble des images du quotidien.

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Rédigé par rafael

Publié dans #ART CONTEMPORAIN

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Publié le 1 Février 2020

Shirakawa-gō
Shirakawa-gō
Shirakawa-gō

Inscrit au patrimoine mondial de l'humanité depuis 1995 (voir Villages historiques de Shirakawa-gō et Gokayama), Shirakawa-gō ainsi que le village de Gokayama (五箇山) sont surtout connus pour leurs maisons typiques dans lesquelles étaient élevés les vers à soie. Ce style architectural appelé gasshō-zukuri (en japonais, 合掌造り, construction aux paumes des mains jointes) désigne les maisons au toit très pentu afin de supporter les chutes de neige très abondantes de cette région montagneuse.

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Shirakawa-gō - Photos: Lankaart (c)
Shirakawa-gō - Photos: Lankaart (c)
Shirakawa-gō - Photos: Lankaart (c)

Shirakawa-gō - Photos: Lankaart (c)

Shirakawa-gō - Photos: Lankaart (c)
Shirakawa-gō - Photos: Lankaart (c)
Shirakawa-gō - Photos: Lankaart (c)
Shirakawa-gō - Photos: Lankaart (c)

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Rédigé par rafael

Publié dans #JAPON

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Publié le 30 Janvier 2020

Peter Doig
Peter Doig

Peter Doig

Peter Doig, né le 17 avril 1959 à Édimbourg, est un peintre contemporain britannique d'origine écossaise. Il est devenu en 2007 l'un des peintres contemporains les plus cotés du monde (en 2017, le deuxième derrière Jean-Michel Basquiat). Il vit et travaille à Trinidad.

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Peter Doig
Peter Doig

Peter Doig

Peintre de grand format, en dehors de toute référence conceptuelle et loin d'un post-expressionnisme abstrait américain, l'œuvre de Peter Doig s'inspire des romantiques allemands, du symbolisme de Munch ou du naturalisme d'Edward Hopper.

Fasciné par les espaces immenses où le rapport de l’homme à la nature est constamment en jeu, Peter Doig peint souvent des lieux sauvages, indéfinis, abandonnés, que l’homme traverse, laissant un signe de sa présence : canoës vides, maisons de travailleurs saisonniers, silhouettes solitaires devant des brumes flottantes.

Peter Doig

Peter Doig

S’appuyant sur un travail de la matière - jeu de textures, teintes pures et mélangées, effets de solarisation, halo, mises au point vagabondes -, ses œuvres échappent à une lecture univoque. Elles préconisent toujours une distance face au sujet. Les paysages sont noyés dans la nuit ou dans des halos de lumière et de brume, papillonnement des flocons ou des étoiles, labyrinthe des branches, reflets dans l’eau : il n’y a aucun rendu descriptif dans ces vues, Peter Doig peint des atmosphères, des contextes marqués par le malaise de l'homme réduit à l’étonnement et le trouble face à une nature idyllique où sa place ne va plus complètement de soi.

Peter Doig - Grande rivière

Peter Doig - Grande rivière

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: l'ART CONTEMPORAIN aujourd'hui

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Publié le 28 Janvier 2020

David Roberts - Liban et Nazareth
David Roberts - Liban et Nazareth

David Roberts - Liban et Nazareth

David Roberts (1796 - 1864) est un peintre et dessinateur écossais. Grand voyageur, il parcourt le moyen-orient en 1838 et 1839, et notamment l'Egypte et la Nubie. Il offre une vision réaliste des monuments perdus dans le désert en partie abandonnés.  

Lankaart (c)

David Roberts - Gaza

David Roberts - Gaza

David Roberts - Le Caire
David Roberts - Le Caire
David Roberts - Le Caire

David Roberts - Le Caire

David Roberts - Petra
David Roberts - Petra
David Roberts - Petra

David Roberts - Petra

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Rédigé par rafael

Publié dans #ROMANTISME ET NEOGOTHIQUE

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Publié le 26 Janvier 2020

David Roberts - Egypte

David Roberts - Egypte

David Roberts - Philae - 1838

David Roberts - Philae - 1838

David Roberts (1796 - 1864) est un peintre et dessinateur écossais. Grand voyageur, il parcourt le moyen-orient en 1838 et 1839, et notamment l'Egypte et la Nubie. Il offre une vision réaliste des monuments perdus dans le désert en partie abandonnés.  

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David Roberts - Temple d'Edfou - 1838

David Roberts - Temple d'Edfou - 1838

David Roberts - Temple d'Esme - 1838

David Roberts - Temple d'Esme - 1838

David Roberts - Temple de Tifon - 1838

David Roberts - Temple de Tifon - 1838

David Roberts - Le Nil - 1838

David Roberts - Le Nil - 1838

David Roberts - Egypte

David Roberts - Egypte

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Rédigé par rafael

Publié dans #ROMANTISME ET NEOGOTHIQUE

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Publié le 24 Janvier 2020

David - Serment de l'armée fait à l'Empereur après la distribution des aigles le 05 Décembre 1804.

David - Serment de l'armée fait à l'Empereur après la distribution des aigles le 05 Décembre 1804.

La Distribution des Aigles, de son vrai nom Serment de l'armée fait à l'Empereur après la distribution des aigles le 05 Décembre 1804 est l'exemple typique des œuvres de David au service de la gloire de l'empereur.  David  avait reçu la commande de quatre toiles pour illustrer le Sacre de Napoléon:  Le SacreL'IntronisationL'Arrivée à l'hôtel de ville et La Distribution des aigles

Ce dernier tableau commencé en 1805 ne sera achevé qu'en 1810 et constitue « une version militante des Horaces dont il reprend le geste du serment. L'idéologie critique du peintre, qui persistait dans Le Sacre, a disparu pour faire place à l'apologie du régime»

Source: Wikipedia

David - Serment de l'armée fait à l'Empereur après la distribution des aigles le 05 Décembre 1804 - Détail

David - Serment de l'armée fait à l'Empereur après la distribution des aigles le 05 Décembre 1804 - Détail

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Rédigé par rafael

Publié dans #NEO-CLASSICISME

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Publié le 22 Janvier 2020

Léonard de Vinci - La Cène

Léonard de Vinci - La Cène

La Cène de Léonard de Vinci marque une épate importante dans l'évolution de la peinture de la Renaissance Italienne. La fresque  a été peinte à la tempera, procéder lent et méticuleux, deux à trois coups de pinceaux par jour, le procédé permet la mise en place de nombreux détails: lumière sur les drapés, transparence du vert, ombres colorés sur la table, détails  impossibles à obtenir avec la technique traditionnelle à fresco. 

Léonard a réussi à insuffler les passions dans chacun des personnages qui entourent le Christ, à l'annonce des mots : " l'un de vous me trahira" surprise, incrédulité, panique, peur ... se lisent sur les visages des apôtres.  Le lent travail de Léonard aboutie au portrait de Juda, sa position est particulière, à droite sans lumière direct, dans l'ombre.

Les murs peints se prolongent dans un effet de perspective quasi irréel, la composition se projette dans la pièce du vrai réfectoire. C'est un effet inédit qui a demandé un long travail au maître. La sobriété du décor donne un aspect très moderne et intemporel à La Cène.

 

Lankaart (c)

Léonard de Vinci - La Cène - Détails
Léonard de Vinci - La Cène - Détails

Léonard de Vinci - La Cène - Détails

Léonard de Vinci - La Cène - Détail - A droite Juda dans l'ombre

Léonard de Vinci - La Cène - Détail - A droite Juda dans l'ombre

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Rédigé par rafael

Publié dans #RENAISSANCE ITALIE

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