Publié le 21 Février 2020

Prague
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« Poème épique d'architecture » pour Rainer Maria Rilke, la « ville aux cent tours » témoigne d'une richesse architecturale exceptionnelle. Tous les styles y sont représentés, mêlant notamment des chefs-d'œuvre gothiques comme le pont Charles ou la cathédrale Saint-Guy de Prague, Renaissance, baroques — avec les nombreux palais et églises du quartier de Malá Strana — Art nouveau, ses nombreuses réalisations cubistes, modernistes ou contemporaines, avec par exemple la célèbre « maison dansante ». Depuis 1992, le cœur historique de la ville est ainsi inscrit sur la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO.

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Prague
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Capitale historique du royaume de Bohême, berceau du peuple tchèque, Prague connaît son apogée au XIVe siècle sous le règne du roi de Bohême et empereur germanique Charles IV qui en fait la capitale de l'Empire. Elle est alors un centre culturel et religieux de première importance, où naissent les balbutiements de la réforme protestante lorsque Jan Hus prêche contre les abus de la hiérarchie catholique et le commerce des indulgences. Brièvement redevenue capitale impériale et culturelle au tournant des XVIe et XVIIe siècles sous le règne de Rodolphe II, Prague perd progressivement en importance jusqu'à la Renaissance nationale tchèque au XIXe siècle puis la création de la Tchécoslovaquie au lendemain de la Première Guerre mondiale, en 1918, dont elle devient la capitale.

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Rédigé par rafael

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Publié le 19 Février 2020

Lecce - Plazza del Duomo - Pouilles - Photos: Lankaart (c)
Lecce - Plazza del Duomo - Pouilles - Photos: Lankaart (c)

Lecce - Plazza del Duomo - Pouilles - Photos: Lankaart (c)

La Plazza del Duomo à Lecce est un ensemble monumental unique du sud de l'Italie. Sa géométrie particulière: la plazza est constituée de deux espaces rectangulaires qui s'organisent l'un face à l'entrée principale du Duomo, l'autre en latéral, peut sembler étrange. En effet cette composition crée une tension spatiale accentué par la position du campanile du Duomo en retrait. En sus du Duomo et du campanile, oeuvres de Giuseppe Zimbalo, le palais épiscopal et le palais du Séminaire bordent la plazza. 

 

Lankaart (c)

 

Lecce - Plazza del Duomo - Pouilles - Photos: Lankaart (c)
Lecce - Plazza del Duomo - Pouilles - Photos: Lankaart (c)
Lecce - Plazza del Duomo - Pouilles - Photos: Lankaart (c)

Lecce - Plazza del Duomo - Pouilles - Photos: Lankaart (c)

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Rédigé par rafael

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Publié le 17 Février 2020

Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)
Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)
Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)

Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)

L'église Saints-Pierre-et-Paul à Cracovie est l'un des plus beaux monuments de la vieille ville. Construite entre 1597 et 1619 par Giovanni Maria Bernardoni dans le style baroque. Sa façade est une copie de l'église du Gésu édifiée par les jésuites à Rome au paroxysme de la contre-réforme. Sur le parvis les douze statues des apôtres sont de la fin de la période baroque. 

Lankaart (c)

Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)
Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)
Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)
Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)
Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)

Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)

Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)

Cracovie - Église Saints-Pierre-et-Paul - Photos: Lankaart (c)

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Rédigé par rafael

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Publié le 15 Février 2020

Kandinsky
Kandinsky

Kandinsky

Kandinsky ( 1866 - 1944) est une figure majeur de l'art du XXe siècle. Inventeur d'un art abstrait novateur et troublant, il est aussi un théoricien engagé et militant. Né à Moscou, Kandinsky aura une carrière européenne, multipliant les séjours dans différents pays avant de s'installer en France. C'est d’ailleurs à Munich en 1896 qu'il commence à se faire connaître. Les premières années du peintre sont marqués par un engouement pour la peinture impressionniste et notamment  l'oeuvre de Monet. Ces voyages au début du siècle, Hollande (1903-1904), Afrique du Nord (1904-1905) et Italie (1906) lui ouvrent de nouveaux horizons et sa peinture s'oriente vers le Fauvisme. Il s'installe à Sèvres près de Paris, expose dans les Salons Parisiens, sa peinture très colorée  est marquée par l'influence du folklore russe. 

En 1908 il quitte Paris pour Munich puis Murnau où il s'installe avec le peintre Gabriel Münter, cette époque est marquée par une premier pas vers l'abstraction, ses paysages très colorés sont dépouillés de leurs composantes anecdotiques. L'Automne à Murnau date de cette période, on y retrouve les couleurs saturées propre au Fauvisme. 

Kandinsky - Automne à Murnau

Kandinsky - Automne à Murnau

« La couleur est le clavier, les yeux sont les marteaux et l’âme est le piano avec les cordes. » W.Kandinsky

La bascule vers l'art abstrait ce fait durant les années 1909 à 1914,. Un nouveau champ s'ouvre à Kandinsky, champ qu'il explore à travers la peinture mais aussi à travers l'écriture, il achève en 1910 Du spirituel dans l'art qui suit la fondation en 1909 de la Neue Künstlervereinigung à Munich. Les séries Improvisations et Impressions,  qui vont suivre, marquent une véritable rupture avec la peinture classique. En 1912 il publie l'almanach du Cavalier Bleu (Blau Reiter) qui lance un mouvement en Allemagne aux répercussions très importantes. 

Les années qui suivent le porte à développer l'art abstrait tout en s'engagent dans la révolution russe. Depuis 1914 il est à nouveau en Russie, après la révolution il participe à l'organisation des Musées, des Ateliers d'Art de l'Etat. En 1921 il rejoint l'école de Weimar. Sa peinture s'oriente vers une abstraction plus géométrique et mathématique. En 1933 suite à la fermeture par les nazis de l'Ecole de Weimar il s'installe à Paris. 

Kandinsky - Aquarelle abstraite - 1910

Kandinsky - Aquarelle abstraite - 1910

Kandinsky - Improvisations

Kandinsky - Improvisations

Kandinsky - Improvisation III - 1909

Kandinsky - Improvisation III - 1909

Les années qui suivent le porte à développer l'art abstrait tout en s'engagent dans la révolution russe. Depuis 1914 il est à nouveau en Russie, après la révolution il participe à l'organisation des Musées, des Ateliers d'Art de l'Etat. En 1921 il rejoint l'école de Weimar. Sa peinture s'oriente vers une abstraction plus géométrique et mathématique. En 1933 suite à la fermeture par les nazis de l'Ecole de Weimar il s'installe à Paris. Sa peinture donne libre coures à un ballet ininterrompu de signes et de formes qui se déploient et s'organisent dans un espace géométrique parfaitement maîtrisé comme dans Courbe dominante peint en 1936.Il meurt en 1944 à Neuilly laissant le champ de l'abstraction ouvert pour de nouvelles inventions.

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Kandinsky - Courbe dominante - 1936

Kandinsky - Courbe dominante - 1936

Kandinsky - Oval

Kandinsky - Oval

Kandinsky - Composition 8

Kandinsky - Composition 8

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Rédigé par rafael

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Publié le 13 Février 2020

Atila Biro - La naissance du grand mégat

Atila Biro - La naissance du grand mégat

Atila Biro, né Attila Bíró, le 20 mars 1931 à Budapest et mort le 22 mars 1987 à Paris, est un architecte, peintre, graveur à l'eau-forte et lithographe hongrois, naturalisé français.

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« Dans l'étendard déployé des arcs-en-ciel hologrammes, là où les bruits n'existent plus, celui qui contemple une toile d'Atila renonce à lui-même. Il se trouve confronté à un univers outre-couleur, où la vie ne s'échange plus contre la mort. Ici flottent dans l'apesanteur d'une lumière prismatique des cosmonautes sans émotions. Sont-ils de lointains messagers de notre monde éteint ? L'avenir et le passé ont-ils encore un sens ? L'homme a-t-il fini par dominer son propre rêve ? La couleur est-elle la seule porte d'accès à l'infini voyage ? Bien fou qui peut trancher en regardant par le hublot de la toile. Mais pour celui, plus attentif, qui chercherait à percer le vrai mystère des signes, une certitude peu à peu se fait jour : au-delà de l'aspect flamboyant et somptueux de l'organisation chromatique, se joue une démarche gestuelle et expressive. Elle se met au service de la sourde angoisse qui affleure et qui bat, plus visible dans l'œuvre dessiné de l'artiste. » - Jean Vautrin

Atila Biro - Les fenêtres s'envolent

Atila Biro - Les fenêtres s'envolent

Grâce à son amitié avec Georg Karl Pfahler, il participe à la fondation du « Groupe des Onze » dont font partie Friedrich Sieber et Günther Kirchberger. La première exposition du groupe se tient en 1957 à la Galerie 17 de Munich. Elle est bientôt suivie d'autres à Londres (New Vision Center Gallery), Bruxelles (Galerie Les Contemporains), Rome (Galleria La Tartaruga) et de nouveau à Londres (Drian Gallery). Attila Bíró termine ses études à Stuttgart en 1958 avec un diplôme d'ingénieur-architecte. Il s'installe alors à Paris et travaille dans différents bureaux d'architectes, jusqu'à ce qu'il puisse vivre de sa peinture et s'y consacrer.

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Atila Biro

Atila Biro

C'est par la rencontre en 1959 des peintres américains de l'abstraction informelle Paul Jenkins et Sam Francis qu'il trouve la voie qui demeurera la sienne, celle d'une libre figuration structurée par le chromatisme de l'arc-en-ciel. C'est alors qu'il prend le nom d'artiste d'Atila, ou Atila Biro, son pseudonyme se constituant donc du simple retrait de la seconde lettre "t" de son prénom.

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Rédigé par rafael

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Publié le 11 Février 2020

Gilles Aillaud
Gilles Aillaud

Gilles Aillaud

Gilles Aillaud (1928-2005) est un artiste français du mouvement figuratif. Fils de l'architecte Emile Aillaud, il développe son art dans les années 60 et 70 au sein des mouvements de la Nouvelle Figuration et de la Figuration narrative. Ses sujets de prédilection sont les animaux dans les zoos et les paysages déserts du bord de mer. Décorateur de théâtre, il travailla sur de nombreux projets avec le peintre espagnole Arroyo.

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Gilles Aillaud
Gilles Aillaud
Gilles Aillaud

Gilles Aillaud

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Rédigé par rafael

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Publié le 9 Février 2020

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp est un ensemble de huit tableaux signés collectivement par les peintres Gilles Aillaud, Eduardo Arroyo et Antonio Recalcati, réalisé en 1965, dans le cadre de l'exposition « Figuration narrative dans l'art contemporain » à la galerie Creuze à Paris et aujourd'hui conservé au Musée Reina Sofia à Madrid.

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Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

La série de huit tableaux s'attaque à l'art conceptuel de cette figure emblématique de l'avant-garde, symbole des falsifications intellectuelles de la culture bourgeoise, qui « anesthésie les énergies vitales et fait vivre dans l'illusion de l'autonomie de l'art et de la liberté de création »2, ainsi qu'aux formes d'art estimé dévoyé, qui s'en réclamaient alors, du Pop art et du Nouveau réalisme. Ainsi, dans la 8e et dernière toile, on voit leurs défenseurs américain comme européen, Andy Warhol et Pierre Restany, soutenir de part et d'autre l'arrière du cercueil de Duchamp, recouvert du drapeau américain et conduit par Robert Rauschenberg, suivi d'Arman, Claes Oldenburg et Martial Raysse.

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Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Vivre et laisser mourir ou la Fin tragique de Marcel Duchamp

Les auteurs de ces toiles critiquaient chez Duchamp son refus de s'engager, eux qui pratiquaient une peinture politique qu'ils voulaient plus proches de la vraie vie que des musées. Avec ses ready-mades, Duchamp mystifiait, à leurs yeux, l'image de l'artiste, comme s'il suffisait qu'il touche un objet pour en faire une œuvre d'art.

Aillaud explique dans la préface de l'œuvre : « Pour nous qui entendons nous manifester comme de véritables individus dans le temps et l'espace, il ne s'agit donc pas d'inventer ou de découvrir de nouvelles formes d'expression artistique mais de donner davantage à penser ».

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Rédigé par rafael

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Publié le 7 Février 2020

Leonardo Cremonini
Leonardo Cremonini

Leonardo Cremonini

Peintre emblématique des scènes artistiques française et italienne des années 1950 à 1990, Leonardo Cremonini (1925-2010) connut la gloire de son vivant. Admiré par ses pairs tels que Francis Bacon et par les écrivains, à l’instar d’Alberto Moravia, Italo Calvino, Umberto Eco, Louis Althusser, Michel Butor ou Régis Debray, son œuvre est représentée dans de nombreuses collections publiques (Musée national d'art moderne, Musée d'art moderne de la Ville de Paris, MoMa, Galerie d’art moderne de Milan...) et privées.

T&L Galerie

Leonardo Cremonini

Leonardo Cremonini

Attiré par les ambiances balnéaires de son enfance italienne, à partir de cette époque, Cremonini représente estivants hébétés sur les plages, enfants jouant et couples inconsolés qu'il décline en autant de situations dramatiques qu'elles sont banales. Ce dramatique sans drame, il le figure avec une peinture au chromatisme exacerbé, captant parfaitement l'atmosphère lourde de la chaleur d'été, tout en restant silencieuse.

T&L Galerie

Leonardo Cremonini
Leonardo Cremonini
Leonardo Cremonini

Leonardo Cremonini

Umberto Eco disait de Cremonini : « sa peinture, même si elle est éminemment "picturale" [larges étalements, écarts, partitions géométriques et effacements de la matière], n'en est pas moins très littéraire et philosophique : elle raconte, organise des intrigues ambiguës et sous-entend une série de raisonnements [visuels bien sûr] sur le rôle du sujet, du regard, du désir et de la volupté ».

Leonardo Cremonini - Les écrans du soleil - 1968

Leonardo Cremonini - Les écrans du soleil - 1968

Leonardo Cremonini - Les indiscrétions d'une chambre - 1970

Leonardo Cremonini - Les indiscrétions d'une chambre - 1970

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Rédigé par rafael

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Publié le 5 Février 2020

Eduardo Arroyo
Eduardo Arroyo

Eduardo Arroyo

Représentant majeur de la Figuration narrative et de la Nouvelle figuration espagnole qui se développa en Europe au début des années 1960, ses tableaux traitent de l'exil, des assassinats politiques, des complicités dont bénéficie le régime de Franco, des espagnolades qui masquent la réalité fasciste de l'Espagne et des bases américaines qui soutiennent l'impunité de Franco.

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Eduardo Arroyo
Eduardo Arroyo

Eduardo Arroyo

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Rédigé par rafael

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Publié le 3 Février 2020

Erro
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Erro

Guðmundur Guðmundsson, dit Erró, est un artiste islandais postmoderne, né le 19 juillet 1932 à Ólafsvík.

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Erro
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Erró est un des fondateurs d'un mouvement appelé la Figuration narrative au début des années 1960 en France. De nombreux artistes participent à l'émergence de ce style artistique comme Valerio Adami, Hervé Télémaque, Peter Klasen.

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La figuration narrative est un mouvement artistique apparu, principalement dans la peinture, au début des années 1960 en France, dans le cadre du retour à la nouvelle figuration et en opposition à l'abstraction et aux mouvements contemporains du nouveau réalisme et du pop art, auquel elle est néanmoins associée.

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Erro
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Erro

Le mouvement de la figuration narrative n'a pas été structuré, en particulier, par un manifeste mais a cependant été théorisé par le critique d'art Gérald Gassiot-Talabot dans un ouvrage paru en 1965. Il s'agit d'un courant d'expression qui restreint initialement le champ de la nouvelle figuration en considérant comme narrative toute œuvre qui se réfère à une représentation figurée dans la durée, soit par la circulation d'objets dans la toile, soit par séquences, y compris sous forme de polyptyques, et qui veut généralement redonner à la peinture une fonction politique et critique de la société de consommation. Parmi ses sources d'inspiration (cadrages, montages, etc.) on compte la bande dessinée, le cinéma, la photographie, la publicité… en fait, l'ensemble des images du quotidien.

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Rédigé par rafael

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