Publié le 16 Novembre 2014

null Brise marine.
 

 

La chair est triste, hélas ! et j'ai lu tous les livres.

Fuir ! là-bas fuir ! Je sens que des oiseaux sont ivres

D'être parmi l'écume inconnue et les cieux !

Rien, ni les vieux jardins reflétés par les yeux

Ne retiendra ce cœur qui dans la mer se trempe

Ô nuits ! ni la clarté déserte de ma lampe

Sur le vide papier que la blancheur défend,

Et ni la jeune femme allaitant son enfant.

Je partirai ! Steamer balançant ta mâture

Lève l'ancre pour une exotique nature !

 

Un Ennui, désolé par les cruels espoirs,

Croit encore à l'adieu suprême des mouchoirs !

Et, peut-être, les mâts, invitant les orages

Sont-ils de ceux qu'un vent penche sur les naufrages

Perdus, sans mâts, sans mâts, ni fertiles îlots...

Mais, ô mon cœur, entends le chant des matelots !

 

 

 

Stéphane Mallarmé.

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Rédigé par rafael

Publié dans #NATURALISME et IMPRESSIONISME

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Publié le 16 Novembre 2014

Mexique valladolid (6)

 

A Valladolid, le couvent franciscain de San Bernandino de Siena est l’un des plus beaux exemples de bâtiment du XVIe siècle au Yucatan. La construction en fut entreprise en 1552, sous la direction du frère Juan de Mérida, architecte, et achevée en 1560. Le couvent est situé sur l’un des plus grands cenotes, bassin d'eau potable, de la région, visible sous la noria qui est encore en bon état, dans la huerta préservée en grande partie. L’église est pratiquement restée dans son état d’origine. Ce qui fait la qualité de cette ensemble c'est la couleur rose qui prédomine dans les étages, faisant de ce lieu, un endroit unique.

 

valladolid Le couvent franciscain de San Bernandin-copie-1

 

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valladolid Le couvent franciscain de San Bernandin-copie-10

 

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valladolid Le couvent franciscain de San Bernandin-copie-12

 

Photos: Lankaart (c)

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Rédigé par rafael

Publié dans #RENAISSANCE FRANCE - EUROPE DU SUD, #MEXIQUE

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Publié le 15 Novembre 2014

Musée Pouchkine, Moscou, 1888

Ce célèbre tableau de Van Gogh fut exécuté au début du mois de Novembre 1888 à proximité de l'abbaye de Mommazhur au cours des vendanges. Le soleil couchant donne au tableau ce ton dominant de rouge. Exposé à Bruxelles en 1890, elle fut l'une des rares toiles du maître vendue de son vivant.

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #FAUVISME etc..

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Publié le 13 Novembre 2014

À Aurore.
 

 

La nature est tout ce qu'on voit,

Tout ce qu'on veut, tout ce qu'on aime,

Tout ce qu'on sait, tout ce qu'on croit,

Tout ce que l'on sent en soi-même.

 

Elle est belle pour qui la voit,

Elle est bonne à celui qui l'aime,

Elle est juste quand on y croit

Et qu'on la respecte en soi-même.

 

Regarde le ciel, il te voit,

Embrasse la terre, elle t'aime.

La vérité c'est ce qu'on croit

En la nature c'est toi-même.

 

 

 

George Sand.

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Rédigé par rafael

Publié dans #ROMANTISME ET NEOGOTHIQUE

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Publié le 13 Novembre 2014

 

Van Gogh s'est suicidé quelques jours après avoir achevé ce tableau. Celui-ci est donc souvent cité en exemple pour illustrer les errements de van Gogh,son indécision, ses troubles, ses états d'âme: le ciel menaçant, les trois chemins qui s’offrent au promeneur et les corbeaux noirs, funestes présages. 

 

On pense que c'est sa dernière oeuvre, mais rien n'est moins sûr. Van Gogh cherchait à exprimer quelque chose de positif dans ce travail : les ténèbres du ciel soulignent la splendeur et la beauté du paysage. il est probable qu'il est réalisé d'autres peintures avant l'acte finale. Van Gogh utilise des combinaisons de couleurs subtiles : le ciel bleu contraste avec l'orange jaune du champ de blé, tandis que le rouge du chemin est intensifié par les bandes vertes de l'herbe. La composition suggère un mouvement continu accentuer par le vol des corneilles.

 

 Source MVGA, RR

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #FAUVISME etc..

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Publié le 12 Novembre 2014

 

 

La cappadoce est une région très particulière de l'anatolie centrale, ses paysages, ses vallées encaissées, ses oasis et ses villages rupestres en font un monde à part. Ici nombreux sont les peuples qui se sont croisés (sémites, turcs, romains, hittites, lydiens, grecs, perses, arabes etc...) L'art est un art d'échanges et d'empreins loin des dogmes établis par les grandes capitales des empires.

 

 

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C'est ici que s'épanouit au IXe siècle ap. JC une école cappadocienne de peinture créée par les moines chassées de Byzance par la vague iconoclaste, bien que l'on retrouve quelques exemples de ce courant dans la vallée. Dans les églises rupestres taillées dans les pitons rocheux qui forment ce paysage si caractéristique de la Cappadoce, les moines ont créé un art populaire et narratif, faisant référence aux évangiles apocryphes, à la vie des saints et au culte de la Vierge.

 

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Le caractère réaliste, parfois même dramatique de certaines scènes révèle un art d'une grande originalité qui perdurera jusqu'au XIIIe siècle, les églises étant peu à peu abandonnées. L'ensemble de ces œuvres fut redécouverte peu à peu au XIXe siècle, formant aujourd'hui le musée en plein air de Göreme, inscrit au patrimoine mondial de l'humanité.

 

 






 

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Photos: (c) Lankaart

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Rédigé par rafael

Publié dans #ARTS BYZANTIN PALEOCHRETIEN ORTHODOXE et RUSSE, #TURQUIE

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Publié le 12 Novembre 2014

Statue de Chintamanicakra assis 5

 

Statue de Chintamanicakra assis

National Museum, Tokyo, IXe siècle.

 

Cette statue représente le boddhisattva Nyoirin Kannon ou Chintamanicakra à six bras. Elle était à l'origine exposée dans le sanctuaire Ekô-in à Tokyo. La statue est composée de plusieurs éléments qui ont été assemblé au l'ensemble constitué de la tête et du tronc. L'expression sévère et la disposition de la statue font penser à l'époque de Heian (794-1185). Le jeu des différents bars autour du de la tête et du tronc forme une figure d'un remarquable équilibre particulièrement rare.

 

 

Statue de Chintamanicakra assis 4

 

Statue de Chintamanicakra assis 3

 

Statue de Chintamanicakra assis 2

 

Source: MT RR

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #JAPON

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Publié le 11 Novembre 2014

 

Joseph Nechvatal, né à Chicago aux États-Unis en 1951, est un peintre, plasticien et artiste numérique américain.

 

 

Depuis ses premières peintures assistées par robots en 1986, Joseph Nechvatal est un artiste qui n'a eu de cesse de questionner les relations entre le réel et le virtuel. En procédant à des jeux d'aller-retours entre ces deux espaces, il tente d'abolir la frontière qui les sépare. Le projet Computer Virus est né de la volonté de produire des peintures à l'aide d'algorithmes mettant en jeu des processus «viraux». Il repose sur un outil de simulation qui permet d'injecter virtuellement des organismes artificiels dans une peinture et de les observer la transformer et la dégrader. Certaines étapes de ces «attaques» peuvent ensuite faire l'objet d'une impression sur canevas, à l'aide de robots, pour revenir sur un support concret. Après quelques points de repères historiques, cet article présente le modèle de simulation et sa mise en œuvre, qui permet de concilier l'exploration aléatoire de processus complexes et une direction artistique.

 

 

Depuis, le projet a connu des évolutions au fil des expositions. L'un des axes de développement majeur a consisté à renforcer le caractère immersif de l'installation, par enrichissement de l'expérience sensorielle du spectateur. L'aspect visuel, la forme des virus, leur taille, leur couleur, mais aussi la façon dont l'environnement est représenté, tous ces éléments ont fait l'objet de nombreuses variations. Ainsi l'environnement peut être montré dans sa globalité, mais il est aussi possible de n'observer qu'une portion de l'image, permettant de voir davantage de détails, un peu comme si l'on se penchait sur un microscope. Un mode de poursuite automatique permet de choisir un virus parmi tous ceux présents dans l'image et de le poursuivre de façon à le garder toujours au centre de l'image.

 

 

 

Source: Wikipedia

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #XXIe: l'ART CONTEMPORAIN aujourd'hui

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Publié le 9 Novembre 2014

Saint-Rémy-de-Provence, May 1890

Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)

 

Van Gogh a peint cette nature morte à l'hôpital psychiatrique de Saint-Remy. C'était pour lui une étude, il a peint deux tableaux du même motif. Dans cette version il a travaillé sur le contraste des valeurs, l'autre version est plus douce. Les iris étaient à l'origine d'un violet plus prononcé mais avec le temps le pigment rouge a disparu faisant du bleu une couleur dominante. Van Gogh appliquait la peinture en couche épaisse, le tableau pouvait mettre un mois à sécher. Il a donc quitté l'hôpital en laissant les toiles sur place et ne les a récupérées que quelques semaines plus tard.

 Source: Musée Van Gogh RR

 

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Rédigé par rafael

Publié dans #FAUVISME etc..

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Publié le 8 Novembre 2014

Rijksmuseum Amsterdam, 1663

 

Ce tableau, très originale de Vermeer, trouve toute sa valeur dans l'utilisation subtile et envahissante du bleu. Cette couleur accentue l'effet de recueillement et de concentration que suggère la pose de la jeune femme. Le premier plan est occupé par du mobilier familier et crée une distance par rapport au spectateur introduisant ainsi à l'intimité du personnage. Comme souvent dans les tableaux le fond est occupé par une immense carte dont on ne perçoit qu'une partie.

 

L'harmonie globale créé par Vermeer peut surprendre puisqu'il n'y a au premier abord rien de particulier dans la composition de ce tableau. Mais comme dans quelques œuvres du maître ici tout se conjugue et s'équilibre à la perfection et un sentiment d'harmonie et de sérénité règne sur le tableau.


Vincent van Gogh écrivait dans une lettre datée du 29 juillet 1888 adressée d’Arles à Émile Bernard :

 

« Ainsi, connais-tu un peintre nommé Vermeer qui, par exemple, a peint une dame hollandaise très belle, enceinte. La palette de cet étrange peintre est : bleu, jaune citron, gris perle, noir, blanc. Certes, il y a dans ses rares tableaux, à la rigueur, toutes les richesses d'une palette complète ; mais l'arrangement jaune citron, bleu pâle, gris perle, lui est aussi caractéristique que le noir, blanc, gris, rose l'est à Vélasquez. »

 

En effet, le tableau se distingue par une utilisation exceptionnel de la couleur bleue : pour le dossier des deux chaises, pour la nappe recouvrant la table, pour la veste de satin de la jeune femme. Mais le bleu se communique également aux autres surfaces, et contamine notamment les parties ombrées du mur de l'arrière-plan, par exemple, sur le rectangle blanc de la partie supérieure gauche, et, plus encore, dans la partie de mur prise entre le bas de la carte, le ventre de la jeune femme et le dossier de la chaise du fond, ce qui pourrait relever de ce qu'André Lhote appelle la « musicalisation […] des éléments plastiques secondaires, [qui] ne peut être obtenue que par la transposition en bleu clair des ombres qu'un œil moins exercé a tendance à voir de la même couleur que la lumière, mais plus foncées. »

 

Source: RR, Wikipedia

 


 


"Sombre chagrin des ciels uniformément gris, Plus tristes d’être bleus aux rares éclaircies, Et qui laissent alors sur les plaines transies Filtrer les tièdes pleurs d’un sol incompris ; Potter, mélancolique humeur des plaines sombres Qui s’étendent sans fin, sans joie et sans couleur, Les […]


"Douce fierté des cœurs, grâce noble des choses Qui brillent dans les yeux, les velours et les bois, Beau langage élevé du maintien et des poses - Héréditaire orgueil des femmes et des rois ! – Tu triomphes, Van Dyck, prince des gestes calmes, Dans tous les êtres beaux qui vont bientôt mourir, […]

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Rédigé par rafael

Publié dans #CLASSICISME

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