LANKAART

La Mort de Marat (ou Marat assassiné) est un tableau de Jacques Louis David peint en 1793. Il est conservé aux musées royaux des beaux-arts de Belgique (Bruxelles).

On y voit Jean-Paul Marat, révolutionnaire français assassiné chez lui le 13 juillet par Charlotte Corday. L’inscription À Marat, David qu’on retrouve sur la boîte de bois, dont la forme suggère une pierre tombale, indique qu’il s’agit d’un hommage à Marat que le peintre connaissait personnellement, et qu’il avait vu, dira-t-il, la veille de sa mort, tel qu’il l’a représenté (dans cette baignoire où il soignait sa maladie de peau).

Source: http://fr.wikipedia.org/wiki/La_Mort_de_Marat

Hector. (c)Visipix.com David peint plusieurs tableaux dans un style emprunté au caravagisme : deux académies d’homme, l’une intitulée Hector (1778) et la seconde dite Patrocle (1780), inspirée du marbre Galate mourant du musée du Capitole, un Saint Jérôme, une Tête de philosophe et une copie de la Cène de Valentin de Boulogne. Patrocle. (c) Visipix.com Mythologie: Dans le récit homérique, Patrocle est l'ami intime d'Achille et également son cousin[1], qui l'accompagne à Troie. Quand les […]



David - Le serment du jeu de Paume

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« L’Assemblée nationale, considérant qu’appelée à fixer la constitution du royaume, opérer la régénération de l’ordre public et maintenir les vrais principes de la monarchie, rien ne peut empêcher qu’elle continue ses délibérations dans quelque lieu qu’elle soit forcée de s’établir, et qu’enfin, partout où ses membres sont réunis, là est l’Assemblée nationale ; Arrête que tous les membres de cette assemblée prêteront, à l’instant, serment solennel de ne jamais se séparer, et de se […]

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David

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David (1748-1825), élève de Vien, Prix de Rome en 1774, part pour l’Italie en cette fin du XVIIIe siècle et très vite met en place un style typiquement néo-classique qui trouve son inspiration dans les grands thèmes de la Rome Antique, dans l’exaltation des valeurs morale de cette antiquité et dans l’exécution de toile de grand format où prédomine le dessin. De retour en France en 1781 il est rapidement reçu à l’Académie en 1785. C’est en 1785 qu’il livre le Serment des Horace, dernière […]

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Musée du Prado, Madrid

Les Ménines (en espagnol : Las Meninas les demoiselles d'honneur), également connu sous l'appellation La famille de Philippe IV, est le portrait le plus célèbre de Diego Velázquez. Il a été peint en 1656. La composition complexe et énigmatique de la toile interroge le lien entre réalité et illusion et crée une relation incertaine entre celui qui regarde la toile et les personnages qui y sont dépeints. Cette complexité a été la source de nombreuses analyses qui font de cette toile l'une des plus commentées de l'histoire de la peinture occidentale.

Ce tableau dépeint une grande pièce du palais de l'Alcázar de Madrid du roi Philippe IV d'Espagne dans laquelle se trouvent plusieurs personnages de la cour. La jeune infante Marguerite-Thérèse est entourée de demoiselles d'honneur, d'un chaperon, d'un garde du corps, d'une naine, d'un nain et d'un chien. Derrière eux Vélazquez se représente lui-même en train de peindre, regardant au-delà la peinture, comme s'il regardait directement l'observateur de la toile. Un miroir à l'arrière plan réfléchit les images de la reine et du roi en train d'être peints par Velázquez (ou peut être, selon certains universitaires, réfléchissant le tableau que peint Vélazquez représentant le roi et la reine). Par le jeu de miroir, le couple royal semble être placé hors de la peinture, à l'endroit même où un observateur se placerait pour voir celle-ci. Au fond, Nieto Velázquez, un possible parent du peintre, apparaît à contre jour, comme une silhouette, sur une courte volée de marches tenant d'une main un rideau qui s'ouvre sur un incertain mur ou espace vide.

Les Ménines est reconnu comme l'une des toiles les plus importantes de la peinture occidentale. Le peintre baroque Luca Giordano a dit de cette peinture qu'elle représente la « théologie de la peinture » tandis que Thomas Lawrence la qualifia de « philosophie de l'art ».

Source: http://fr.wikipedia.org/wiki/Les_M%C3%A9nines

Musée du Louvre, Paris Murillo (1617-1682) est l’un des grands peintres du siècle d’or espagnol. Proche de Velasquez, il peint de nombreux tableaux religieux et des scènes de genre, où il ouvre la voix à un naturalisme sans concessions. Le réalisme de ces tableaux est au service d’une profonde humanité. Ses personnages du petit peuple de Madrid sont un témoignage poignant de l’époque, ces œuvres sont peut être plus proche de ce qu’était le peintre que les compositions religieuse un peu […]



Philippe de Champaigne - Portrait du cardinal de Richelieu

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Le Portrait du Cardinal de Richelieu fut peint en 1642 par Philippe de Champaigne à destination d'un sculpteur italien afin qu'il réalise un buste en marbre du cardinal. Le tableau est un manifeste du réalisme de Champaigne. La minutie du travail du peintre, la précision du portrait auront un tel retentissement auprès du cardinal qu'il fit reprendre la totalité de ses portraits par le peintre. L'expression du cardinal est ici celle d'un homme sûr de son fait, au sommet de sa puissance, sans […]

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"II s'agit, dit-il, d'Espoir, oeuvre réputée, ou plutôt mal famée, qui représente une jeune femme enceinte que l'artiste a osé peindre sans ses voiles C'est un de ses chefs-d'oeuvre, une création profondément émouvante. La jeune femme chemine, sereine, dans (a sainteté de son état. Des masques immondes et grimaçants, d'une lubricité blasphématoire, se pressent vers elle; les démons de la vie...mais ces tentations ne la troublent pas. Elle s'avance dans la voie des horreurs, incorruptible et pure, grâce à l'Espoir qu'elle porte dans Son sein. C'est une image symbolique - écho moderne du thème qu' Albrecht Dürer traite dans son tableau Le Chevalier, la Mort et le Diable. Cette image est interprétée avec une sensibilité romantique, à une époque où toutes les tendances à l'émancipation convergent. Est-il étonnant que "Jes purs" aient frappé l'oeuvre d'anathème et condamné l'artiste à cent mille ans de purgatoire? Les manuoevres d'une majorité hostile ont empêché d'exposer la toile à l'exposition Klimt, il y a deux ans. Elle se trouve actuellement dans le sanctuaire le plus privé de la maison "Waerndorfer."

Ludwig Hevesi, Das Haus Waerlldorfer (1905), dans Altkunst-Neukunst, Wien 1894-1908, Vienne, 1909, p. 223).

(c) Visipix.com Aubrey Vincent Beardsley, (1872-1898), est un illustrateur britannique, souvent associé au mouvement Art nouveau. Son influence sur l'art du XXe siècle a été permanente aussi bien auprès des peintres, que des illustrateurs ou les dessinateurs de BD. Gustave Klimt - Les forces du mal et les trois Gorgones Les forces du mal et les trois Gorgones, 1902, Osterreichiches Galerie Vienne Les Gorgones: Filles de Phorcis et de Ponto ( ou de Céto) , elles étaient trois soeurs: Sthéno […]

Les forces du mal et les trois Gorgones, 1902, Osterreichiches Galerie Vienne Les Gorgones: Filles de Phorcis et de Ponto ( ou de Céto) , elles étaient trois soeurs: Sthéno (la perversion sociale), Euryale (la perversion sexuelle) et Méduse (la vanité), monstres terrifiants qui vivaient près du pays des Hespérides. Elles symbolisent l’ennemi à combattre. Les déformations monstrueuses de la psyché sont dues aux forces perverties des trois pulsions : sociabilité, sexualité et spiritualité. La […]

A la charnière entre les XIXe et XXe siècle, entre académisme et modernité, l'art entre dans une période de création originale et nouvelle dont Klimt est un bon exemple. Par sa conception moderne de l'art, Klimt s'inscrit dans le mouvement de la Sécession Viennoise dont il est le premier Président et qui veut s'éloigner des règles esthétiques et techniques de l'Académie en recherchant une autre expressivité. Il s'inspire du symbolisme de même que des estampes japonaises. Le rôle de l'art […]

« …En Bateau, est également curieuse. L’eau très bleue continue à exaspérer nombre de gens. L’eau n’a pas cette teinte-là ?.  Mais pardon, elle l’a, à certains moments, comme elle a des tons verts et gris, comme elle a des reflets de scabieuse, de chamois et d’ardoise, à d’autres. Il faudrait pourtant se décider à regarder autour de soi. Et c’est même là un des grands torts des paysagistes contemporains qui, arrivant devant une rivière avec une formule convenue d’avance, n’établissent pas entre elle, le ciel qui s’y mire, la situation des rives qui la bordent, l’heure et la saison qui existent au moment où ils peignent, l’accordance forcée que la nature établit toujours. M. Manet n’a, Dieu merci ! jamais connu ces préjugés stupidement entretenu dans les écoles ! Il peint, en abrégeant, la nature telle qu’elle est et telle qu’il la voit. Sa femme vêtue de bleu, assise dans une barque coupée par le cadre comme dans certaines planches des Japonais, est bien posée, en pleine lumière, et elle se découpe énergiquement ainsi que le canotier habillé de blanc, sur le bleu cru de l’eau. Ce sont là des tableaux comme, hélas ! nous en trouvons peu dans ce fastidieux Salon. »

Huysmans, L’Art Moderne, 1883, Le Salon de 1879.

Olympia est un tableau réalisé par Édouard Manet en 1863. Initialement prévue pour le Salon des Refusés de la même année, l'œuvre ne sera finalement dévoilée par le peintre que deux ans plus tard. L'œuvre, qui allait susciter une controverse encore plus féroce que le Déjeuner sur l'herbe, représente une prostituée semblant issue d'un harem à l'orientale et s'apprêtant visiblement à prendre un bain. Le tableau, qui associe et fait ressortir avec puissance le contraste entre la femme blanche […]

Le Balcon est un tableau réalisé par le peintre Édouard Manet et présenté au Salon de Paris de 1869. La toile représente notamment Berthe Morisot (à gauche), qui deviendra en 1874 la belle-sœur de Manet. La toile, inspirée des Majas au balcon de Francisco Goya, a été réalisée à la même époque et dans la même intention que le Déjeuner dans l'atelier. Les trois personnages, tous amis de Manet, semblent n’être reliés par rien : tandis que Berthe Morisot, à gauche, fait figure d'héroïne […]

Le Joueur de fifre est un tableau réalisé par le peintre Édouard Manet en 1866, et resté célèbre en raison de ses couleurs vives et contrastées. Le thème de la toile, de même que la posture du personnage, s'inspirent explicitement des portraits de nains et de bouffons autrefois réalisés par Diego Vélasquez. Cette œuvre fut appelée La carte à jouer. Le refus du Joueur de fifre au Salon de Paris de 1866 sera l'occasion pour le jeune écrivain Émile Zola de publier un article retentissant dans […]